viernes, 30 de noviembre de 2012

BANDAS - THE RAMONES (1974 - 2001)



 LA GRAN BESTIA PUNK


Historia:


En 1974 John Cummings en guitarra, Jeffrey Hyman en batería y Douglas Colvin , más conocido como Dee Dee, en bajo y vocalistas ocasionales comenzaron a ensayar temas rápidos y cortos en un garaje. Tiempo después se reorganizó la banda: Johnny en guitarra, Dee Dee en bajo, Joey en voz y Tommy en batería, quien hasta el momento era el "manager de la banda". La música de los recién nacidos Ramones suena como una patada en los dientes a la más clásica "escene" neoyorquina todavía sumergida en el underground.

Los textos utilizados en sus canciones sugerían soluciones simples a determinadas frustraciones. Al utilizar el "I Wanna"(Yo quiero), lo hacían con pasión extrema y hasta con un dejo de ternura. Al decir "I Don't Wanna"(Yo no quiero) se lo quitaban de encima sin ningún problema.


Con el sonido redondeado, los temas listos y las gastadas camperas de cuero cayeron en el CBGB de New York, lugar que en ese entonces era el centro de reunión punk. La primera actuación de Los Ramones resultó casi funesta, pero no logro afectar a los cuatro miembros de la banda que decidieron empezar nuevamente. Hicieron su primer show el 16 de agosto de 1974 ante media docena de personas y tocaron un hyperacelerado set de veinte temas en 17 minutos. Luego de eso, el dueño del lugar, Hilly Cristal, dijo "Nadie va a gustar de ustedes, pero los espero de vuelta".
Entre el 2 y el 19 de Febrero de 1976 y con 6.400 dólares, grabaron su primer longplay bajo el título de "Ramones". 


 La encargada de grabarlo fue Sire Records, una pequeña discográfica desconocida hasta el momento, y el productor, Craig Leon. Cuando el disco salió a la venta se los acusó de ser una ofensa nacional y en verdad lo eran. Tanto el contenido de sus letras como su fachada y la velocidad de las interpretaciones resultaban insultantes en esa época. Ese trabajo resultó ser "una broma pesada". Un empresario inglés contrató a Los Ramones y tocaron finalmente en el Roundhouse de Londres. A lo largo de las tres funciones que ofrecieron, un público ávido de noticias revolucionarias los ovacionó. 

Entre ese gentío, estaban los que más tarde se convertirían en la otra cara más solicitada del movimiento: Johnny Rotten, Sid Vicious, Joe Strummer, Paul Simonon, Steve Sverin y Paul Cook, integrantes de los Sex Pistols; The Clash y The Damned, y también Malcom McLaren, productor de los Sex Pistols. El año 1977 trajo el segundo trabajo musical de Los Ramones: "Leave Home" y un año después, la misma ciudad que les había cerrado las puertas en la cara, se rindió a sus pies en Palladium. Comenzaba a gestarse el tercer trabajo de estudio de la banda. 

En 1977 nació "Rocket To Russia". En Octubre de ese año tocaron en varios recitales junto a su ídolo, Iggy Pop. Tommy dejó la banda en 1978, para dedicarse a la producción del grupo. Su último show fue el 4 de mayo de 1978 en un recital a beneficio al bateriasta de los Dead Boys, Johnny Blitz. El nuevo integrante fue Marc Bell, conocido como Marky Ramone. Con este nuevo baterista, la banda se consolidó tanto en la parte musical como en las composiciones.

A partir de la deserción de Tommy fue Johnny quien tomó las riendas musicales; las tensiones entre él y Joey no tardaron en aparecer. Joey necesitaba un éxito mayoritario rápidamente. Johnny no creía que las cosas fueran de ese modo, por lo tanto, Dee Dee aprovechó la situación para componer más y más. El resultado puede verse en "Road To Ruin", editado en 1978.


En 1979, los Ramones, justificando cada vez más su actitud hacia el show business, lanzaron al mercado lo que habría de ser el resumen perfecto de dos años de actuaciones en vivo. Aparece "It's Alive", grabado el 31 de diciembre de 1977 en el Rainbow Theatre de Londres. El disco consistió en veintiocho temas interpretados a gran velocidad y ensordecedor volumen. Los Ramones sellaron la década del 70 con su propio estilo punk rock. En ese año hicieron una aparición en la película "Rock And Roll High School" dirigida por Allan Arkush donde grabaron algunos temas para la banda sonora

En 1980 apareció "End Of The Century", único disco producido por Phil Spector, un perfecto suplicio para la banda. Según Dee Dee, Spector los tuvo amenazados con una pistola dentro de un estudio de grabación para que terminaran de grabar los temas del disco. Spector era perfeccionista y chocaba con la disciplina de "entrecasa" impuesta por Tommy, que no solamente se había encargado de coproducir sus primeros discos sino que también fue el responsable del concepto "Ramone": declaraciones, posturas, respuestas mostrándolos como una familia feliz en la que nadie discute jamás, nadie toca nunca con otros que no fueran los Ramones y todos componen una escena de chicos buenos sentados alrededor de una mesa tomando latas de cerveza.

La llegada de 1981 trajo de la mano a "Pleasant Dreams", un disco dirigido desde la consola por el ex 10CC, Graham Gouldman. Algunos críticos especializados coincidieron en que el trabajo de los Ramones había caído en un pozo de pop y de rock del que muy difícilmente pudieran salir airosos pero los seguidores más fieles dieron el sí a "Pleasant Dreams" y de ahí salieron hits absolutos como "She's a Sensation" y "Don't Go". Cambian de manager, sale Danny Fierlds y contratan a Gary Kurfirst.


Luego de muchísimas presentaciones en el "Haber" y dos años dispuestos en el "Debe", los Ramones decidieron cerrar las cuentas y largarse en 1983 con "Subterranean Jungle", disco que trajo incontables polémicas entre sus seguidores y peleas internas entre Dee Dee, Joey y Johnny. Marky Ramone dejó la agrupación y Billy Rogers debió tocar la batería en su reemplazo en algunos temas como "Time has come today". Sumado a esto, Johnny fue gravemente herido en una pelea y debió ser operado. Sin Marky y con Johnny recién recuperándose la continuidad de los Ramones tambaleó.
El lugar de la batería fue ocupado por Richard Reinhardt, más conocido como "Richie Ramone". Dos años más y finalmente, en 1985, salió a la venta "Too Tough to Die", en honor a Johnny. Este disco les otorgó su primer número uno en un ranking, "Howling at the Moon".

En el '86, los Ramones volvieron al ruedo con "Animal Boy", un disco fuerte y singularmente endurecido por los renovados instrumentos que imprimían sonidos más "heavys". Ganaron una estatuilla en el "N.Y. Music Awards" en la categoría "Single del año" con el tema "Bonzo Goes to Bitburg", que en EEUU se conoció como "My Head is Hanging Upside Down".  


El 4 de febrero de 1987, Los Ramones tocaron en Buenos Aires en el Estadio Obras Sanitarias y ganaron otra estatuilla más en el "New York Music Award" por Mejor Album ("Animal Boy"). En ese mismo año, "Halfway To Sanity", se largó al mercado con doce temas crudos y prolijos. "Ramonesmanía" , un disco doble editado en 1988, fue un compilado de sus mejores canciones.
Stephen King propuso al grupo escribir el tema central de la película "Pet Sematary" basada en un libro de su autoría.
En 1989 editaron el álbum "Brain Drain" en el que lograron un sonido bastante prolijo y cuidado. La compañía discográfica Chrysalis fue la encargada de editar este disco.


Marky Ramone regresó al grupo luego de recuperarse de sus problemas de alcohol quedando Richie fuera del grupo. Dee Dee tambien dejó la banda para dedicarse a otro tipo de música: el rap. Cambió su nombre artístico por Dee Dee King y editó algunos discos sin mucho éxito.
Chris Ward, un fanático de dieciocho años, ingresó a los Ramones dándose a conocer como CJ Ramone. La entrada de CJ a la banda le dio un aire de renovación que ésta necesitaba. El ingreso del nuevo bajista fue resistido al principio por algunos fanáticos ya que Dee Dee era considerado miembro indispensable del grupo. Con el tiempo CJ se ganó la aprobación del público
En enero de 1990, Joey Ramone sufrió un accidente en una presentación realizada en el Ritz de Nueva York. Como consecuencia del mismo, el vocalista fue obligado a mantener seis semanas de reposo a causa de la rotura de los ligamentos de una pierna y fue intervenido quirúrgicamente. En ese mismo año ,Sire Records editó "All The Stuff (And More) Vol. I y II", disco que contenía canciones de sus primeros cuatro álbumes e incluía demos viejos y temas inéditos. Viajaron a Toronto y actuaron en la película "Car 54, Where are you?", film inspirado en una serie que llevaba el mismo nombre y que se transmitía a fines de los '60. El director del largometraje fue Bill Fishman.
Se presentaron en Canadá, Bélgica, Alemania, Suecia y Finlandia acompañados por el nuevo C.J. en el bajo. Además, tocaron junto a Iggy Pop en el primer festival de música realizado luego de la unificación de ambas Alemanias. En Bélgica tocaron junto a Sonic Youth y The Pogues.

En 1991 apareció "Loco Live", disco grabado en vivo y plasmado en España pero su calidad era bastante mala. El 26, 27 y 28 de abril de 1991, los Ramones hicieron su segunda incursión en Buenos Aires presentándose en el estadio de Obras Sanitarias.
En mayo de ese mismo año, Joey participó en una reunión llamada el Botton Line de Manhattan y que fue calificada como un encuentro entre los compositores más importantes de la década. Joey compartió su lugar junto con Andy Shernoff, de Disctators.
En Julio del '91, Marky y Joey participaron como panelistas del seminario "Rock The Vote", entidad encargada del registro de votantes y de aportar incentivos para que la gente participara en la política activamente. Los Ramones filmaron un video para esta organización que se difundió por la MTV.


En 1992 apareció el álbum "Mondo Bizarro". Los Ramones dejaron bien por sentado que dieciocho años dentro de la escena musical mundial valían la pena. Los Ramones habían decidido trabajar con gente confiable y hacer la cosas bien y eso les dio resultado. Uno de sus mejores discos lo editó Radiactive Records; en el sonido estaba Ed Statium y Dee Dee volvía a participar en la composición de temas.
El 16 de septiembre de 1992, Los Ramones se presentaron por tercera vez en la Argentina realizando cuatro shows a sala llena en el Estadio Obras. El próximo disco fue "Acid Eaters", un disco de cobres; los Ramones interpretaban temas de viejas bandas de los '60s. El disco fue grabado muy rápidamente, lo hicieron en una semana. Posteriormente, la banda regresó a la Argentina en 1993, 1994 y 1995 (en dos oportunidades) siempre agotando las localidades.

Dos años después de "Acid Eaters", los Ramones se encerraron en los estudios Baby Monster junto con Daniel Rey para grabar su último disco de estudio; así salió "Adiós Amigos!". En este disco Dee Dee participó bastante colaborando con varios temas. Fue uno de los mejores álbumes, la banda estaba en uno de sus mejores momentos e hicieron un excelente disco de estudio.


En 1995 se presentaron 6 días seguidos a sala llena en el estadio de Obras Sanitarias. Tocaron por primera vez en vivo Spiderman y R.A.M.O.N.E.S.  En 1996, acentuando la cercanìa entre nuestro pùblico y la banda, el emblemàtico Dee Dee se casó con la argentina Bárbara Zampini con la cual vivió un tiempo en el país, en la ciudad de La Plata. La ciudad de las diagonales tambièn habìa adoptado como propia la cuna punk ramonera.
El 26 de Febrero de aquel año tocaron en The Academy, New York, concierto que dio lugar a la grabación de "Greates Hits Live." El 16 de Marzo de 1996 retornaron a la Argentina para dar su último concierto en Sudamérica. Llenaron el estadio de River con 45.000 personas. Este estaba pensado como el último concierto de la banda, su despedida, pero finalmente dieron algunos recitales más en el festival Loolapalooza en EEUU. 

Su último recital fue el 6 de Agosto de 1996, en The Palace, Los Angeles, EEUU. El último disco de los Ramones, "We´re Outta Here" contiene la grabación de este recital. En 1999 salió a la venta "Hey, Ho, Let´s Go! Ramones Anthology", disco doble que contiene una muy buena recopilación de toda su carrera.

Llenaron varios estadios en la Argentina, lugar donde se supieron hacer un lugar en el corazón de todos los que los fueron a ver. Fue los Ramones la banda extranjera que más veces visitó el país, llegando al asombroso numero de siete, y todas ellas colmando estadios. El mutuo amor entre fanáticos y artistas se puede ver reflejado en el hecho de que la banda eligió este, nuestro país, como su último lugar a visitar. Es evidente que llegaron a la Argentina en un momento crítico donde los chicos de las clases marginadas por la política económica imperante los sintieron como voceros de sus frustraciones.
Suficiente y contundente razón por la cual un grupo con poca inversión en el espectáculo, con imagen de "chicos de la calle" pero con fuerza y personalidad interpretativa se hizo un lugar importante y distintivo en el mundo de la música punk rock que estaba ávido de cambios.
Un domingo 15 de abril del año 2001 moría en Estados Unidos Joey, el líder y alma mater del grupo. Con èl culminaba toda una entidad musical y cultural. Ramones ya era parte del mito.


Miembros originales

  • Joey Ramone (19 de mayo de 1951 - 15 de abril de 2001), cuyo nombre real era Jeffrey Hyman. Voz (1974-1996).
  • Johnny Ramone (8 de octubre de 1948 - 15 de septiembre de 2004), cuyo nombre real era John Cummings. Guitarra (1974-1996).
  • Dee Dee Ramone (18 de septiembre de 1952 - 5 de junio de 2002), cuyo nombre real era Douglas Glen Colvin. (Bajo (1974-1989).
  • Tommy Ramone (29 de enero de 1952), cuyo nombre real es Thomas Erdelyi. Batería (1974-1978).

Miembros posteriores

  • Marky Ramone (15 de julio de 1956), cuyo nombre real es Marc Bell. Batería (1978-1983, 1987-1996).
  • Richie Ramone (11 de agosto de 1957), cuyo nombre real es Richard Reindhart. Batería (1983-1987).
  • CJ Ramone (8 de octubre de 1965), cuyo nombre real es Christopher Joseph Ward. Bajo (1989-1996).
  • Elvis Ramone (24 de noviembre de 1955), cuyo nombre real es Clem Burke y que sólo participó en dos conciertos de la banda en 1987. Batería.

Discografìa:

  • Ramones (23 de abril de 1976).
  • Leave Home (10 de enero de 1977).
  • Rocket to Russia (4 de noviembre de 1977).
  • Road to Ruin (22 de septiembre de 1978).
  • End of the Century (4 de febrero de 1980).
  • Pleasant Dreams (29 de julio de 1981).
  • Subterranean Jungle (28 de febrero de 1983).
  • Too Tough to Die (1 de octubre de 1984).
  • Animal Boy (mayo de 1986).
  • Halfway to Sanity (15 de septiembre de 1987).
  • Brain Drain (18 de mayo de 1989).
  • Mondo Bizarro (1 de septiembre de 1992).
  • Acid Eaters (diciembre de 1993).
  • ¡Adiós Amigos! (18 de julio de 1995.

ESPECIALES - THE RAMONES: Gènesis e Influencias




AGUJAS Y ALFILERES: 
LA RUTA DEL PUNK



"Allá son siniestros. Hay como una hiperclase superior, tuve mucho miedo de la policía, me perseguían, trataron de robarme y me aterrorizaban. Allá conocí a mi mujer, era una situación muy ridícula, yo estaba muy dañado como para estar con una mujer, no podía estar con nadie, estaba enojado y muy metido en las drogas, me metía cocaína y ese tipo de cosas hasta que la conocí y dije ¡Jesús, esto es una emergencia! Cuando vi a su madre que
estaba quedándose ciega y sin dientes por las palizas que le propinaba el padre, llamé a la policía y tuve una pelea con él", declaró Dee Dee en una entrevista en relación con su visita a la Argentina. 

En su autobiografía, "Lobotomía: sobreviviendo a Los Ramones", él escribió sobres su lucha con el alcohol y las drogas. En el 2002 murió a causa de este mismo problema. Sus adicciones a las drogas, tan comunes en la mayoría de los grupos de rock, se vieron reflejados también en sus canciones "I Wanna be Well" y "I Can´t Give You Anything". Tratan temas como las drogas y la ansiedad, pero con esa ironía y sentido del humor tan propio del artista
 
Su objetivo en cuanto a lo musical fue hacer siempre un sonido desprolijo y duro, porque eso era para ellos la esencia del rock ’n roll. La tradición del rock fue siempre la de una música simple y mínima. Desde los viejos Little Richard y Lee Lewis, hasta Iggy Pop, los Beatles, o los Stones. Eso fue lo que ellos quisieron cambiar.

Los Ramones mezclan diferentes corrientes. Por un lado, utilizan bases del "power-pop" (Melodías y voces fuertes, y sin solos instrumentales) y por el otro, se apoyan en el "Glitter Rock" (mezcla de estilos desarrollados en los años 70 sin nada realmente original o distintivo). De ahí nace el típico sonido Ramones: híbrido entre una motosierra y un martillo neumático.
 
Los Ramones significaron toda una institución en el ambiente musical, tanto por su música como por su particular forma de ver la vida, reflejada en las letras de sus canciones. Su influencia es perceptible en grupos tan disímiles como Green Day o The Clash, pasando por grupos de menor porte como: Radio Birdman o Vanilla Muffins. Pero más allá del legado que hayan dejado en cuanto a lo musical, dejaron tras de sí todo un movimiento cultural y popular, denominado punk.

 Las bandas a las que se puede atribuir la influencia en la música de los Ramones son diversas, yendo desde Los Beatles hasta los Beach Boys. Joey Ramone, el cantante, declaró una vez: "Los Beatles, y Marc Bolan con T.Rex, los Stones y Jagger, Elvis Presley, Little Richard (…), los Whoo, la vieja gente del blues, los Stooges, Beach Boys, Los Sweets, Bob Dylan, hay tantos estilos diferentes que me han influido…Y John Lennon jugó un rol preponderante, por su carácter, extravagancias e ingenio, toda su personalidad. Tratábamos de hacer algo que tuviera que ver con lo que yo estaba metido en ese tiempo, mezclado con algo más duro tipo Iggy Pop, The Stooges, y los New York Dolls".
 
"Escribíamos sobre los problemas de los adolescentes, canciones sobre crecer, siendo nadie, la dificultad de conseguir una novia, el aburrimiento y el no saber que hacer con uno mismo. Canciones con las cuales nos sentíamos confortables, no lo que estaban cantando otras bandas. Había siempre un tema, la enfermedad mental, algo que cualquiera podía contarte. Todo a nuestro alrededor tenían sus propias neurosis. Me acuerdo de la gente del barrio que desaparecía por un tiempo y era que habían estado en el loquero. Algunos amigos se suicidaron. Material como ese. Trajimos de vuelta el humor. Por supuesto que más adelante en mi vida pensé ¿Qué estoy haciendo? No puedo creer las cosas que hice cuando era más chico…"

Estas palabras, dichas por el guitarrista Johnny Ramone en una entrevista, reflejan la crudeza de las letras de la banda. Eran canciones acerca de temas de la vida cotidiana, pero exaltando lo negativo de ella. El motivo de que sean así sus canciones se debe exclusivamente a que eso fue lo que conocieron cuando eran chicos. Como alguna vez dijo Joey: "Las canciones somos nosotros. No estamos haciendo algo que nosotros no seamos. Somos lo que cantamos."

Sus canciones tratan sobre familias con problemas graves con las drogas o con el maltrato de sus hijos, algunas otras se tratan explícitamente sobre las drogas o sobre el alcohol, también de la muerte o de la discriminación, sus letras básicamente se basan en cosas malas, nunca en algo bueno o en algo saludable; siempre trataron de hacer que la gente viera en que mundo estaba viviendo, no de hacer creerles que estaban en un mundo perfecto donde se vivía feliz. Ellos sabían que había mucho mal y pobreza en el mundo y se lo quisieron mostrar a la gente.

Los Ramones fueron un grupo de rebeldes en la vida que plasmaron en su música y sus composiciones un cambio en la forma de ver las cosas de los adolescentes que no encontraban las respuestas adecuadas a su modo de vida con el sistema que imperaba en la época.

El porqué de sus letras rebeldes y conflictivas, se remonta a sus infancias. A las infancias de cada uno de los 6 integrantes que en algún momento tocaron con la banda. A pesar de que sus padres gozaban de títulos y trabajos, nunca dejaron de estar en permanente contacto con el mal momento que pasaba el país. De alguna manera todos ellos tuvieron problemas para insertarse en la sociedad, por sus adicciones y sus comportamientos. Vivían rodeados de marginación y pobreza. 

No es casual entonces que sus canciones hablen acerca de las complicaciones que un chico pobre tenía para adaptarse al sistema, y de cómo se las debía ingeniar para sobrevivir en semejante sociedad. Todo esto le resultaba atractivo al adolescente pobre y marginal. Esta no fue una banda comercial, ya que fue esa una de las cosas que siempre quisieron evitar. No recibieron nada por sus primeros trabajos, sin embargo supieron como cosechar éxito en el mundo.

ESPECIALES - THE RAMONES EN ARGENTINA (1987, 1991-1996)



LA RAMONES-MANÌA EN ARGENTINA




Desde su primera visita en el año 1987, se vislumbraba algo distinto entre ellos y el público argentino. Algo que iba más allá de una relación superficial entre una banda norteamericana y pibes que apenas conocían sus canciones a través de sus discos comprados en el exterior.

Unas cinco mil personas, se quedaron algunas afuera, siguieron el miércoles por la noche, en el estadio de Obras Sanitarias, el único concierto que brindó el grupo estadounidense The Ramones en su primera visita a la Argentina. El cuarteto, clave en la historia del movimiento punk, brindó un muy buen show en un marco claramente acalorado.

Con espíritu analítico, tómese por un lado el nihilismo de situación de una porción importante de la juventud, mézclese en la coctelera del verano porteño y la crisis económica perpètua y sírvase la resultante en un pandemonio punk. Un estadio-caldera, territorio liberado, con adyacencias primorosamente ornamentadas por la policía. El cóctel que burbujeará será explosivo, salvaje y crudo.

Es mucho más una muestra social que un concierto para la historia del rock, una ventana por donde escapar hacia la asfixia que una puerta para entrar a la palidez de una habitación blanca, la única presentación de Ramones en la Argentina dejó un espectro de sensaciones contrapuestas flotando en una atmósfera enrarecida.
No sería justo que, en el balance del debut argentino de este grupo de la historia del punk mundial, predominase la impresión que pueda despertar el otro ingrediente clave del cóctel explosivo que fue el concierto en Obras Sanitarias, ese público -o más bien esa parte importante del público- que se libera de frustraciones y es el suyo un universo down cuando las luces se apagan.

Ramones arrastra una leyenda consigo. Una leyenda de 13 años, que se inicia en la subversiva aparición de la negra flor podrida del punk y se ha construido sobre la destrucción de cualquier modelo
Que toquen en la estética del reviente un rock mínimo, denso, obsesivo, casi sin melodía suena a virtud propia. El show es, por eso, un desafío a las leyes de lo que debe ser, un inexplicable experimento donde no se busca emocionar sino producir reacción, donde el destartalamiento de toda belleza fácil es el punto de partida común.

Ramones vinieron desde altibajos, se alojaron en el mejor hotel, dieron la habitual conferencia de prensa para nada, cobraron, conocieron otro país, se fueron, acaso volverán. Once años más tarde de la época en que eran ídolos absolutos de neoyorquinos, londinenses, parisinos o berlineses que ya no están, o que no se acuerdan, o que están en otra, o que todavía los aman, dejaron su reguero en la Argentina.

El público, que es el ingrediente que hizo que la mezcla tuviese su poder explosivo, se queda: vivió su hora de liberación de represiones en la caldera del estadio, salió, caminó por la madrugada del jueves, agotó cervezas y paciencias en los alrededores de Obras.

De ese público, los que se golpearon bailando en la platea son los mismos que se apedrearon con la policía en los alrededores de Obras, en una lucha estéril, desigual y como de otra época.
En el espectro de sensaciones contrapuestas que quedaron flotando en la atmósfera enrarecida hay una que, tal vez, sea predominante: como un obsceno pájaro de la noche que José Donoso no imaginó, hay un público que anda suelto y no se deja controlar. Que es como si de la moda y el artificio de la estética punk que en el mundo es antigua, estuviese saliendo en la Argentina otra planta cuya flor nacerá podrida.

Buenos Aires adopta la crudeza imperial de la música de Ramones, en su Nueva York original, en Londres o en cualquier escenario del mundo, con su particular concepciòn del arte en plena era del rock nuclear. Por separado, ya son dos cosas muy fuertes, ingredientes básicos difíciles de paladear. Tocan un rock mínimo, denso, obsesivo, casi sin melodía, como si la música de una ciudad paranoica se corporizara en sus instrumentos y se destruyese en notas que chocan entre sì.

La pasión que los Ramones ha despertado en la Argentina, merecería ser estudiada por sociólogos y especialistas en "antropología urbana", antes que por críticos de Rock, pero lo importante es destacar la gran inserción que ha tenido su música e ideología en las capas populares más castigadas, a pesar de la falta de difusión de su música, la escasez de sus discos en el mercado, y la barrera del lenguaje.

Este grupo se presenta con la pinta e indumentaria del comùin jòven de la calle: jeans, cuero, remeras, zapatillas, cara limpia. Música vital, potente y física: aserradoras guitarras, ametrallantes baterías y marcha. Los nombres del grupo se ven pintados en la remera de cientos de fans que van la cancha o que roban en los tenes: la masificaciòn punk, la marginalidad delictiva, la liturgia rockera. Un fenòmeno muy abarcativo y de dimensiòn social.

Lo que en realidad nacía era un romance que hasta el día de hoy perdura en los corazones de los fans argentinos. Y como todo romance cada parte pone su granito de arena para hacerlo posible. Como banda de rock 'n' roll demostraron a lo largo de sus visitas el porqué de ser uno de los grupos más influyentes de la historia del rock. Su fórmula se basa en tres pilares fundamentales: energía, velocidad y simpleza. Estos ingredientes conforman una mezcla explosiva que, administrada con constancia y sinceridad, ha incitado a montones de jóvenes a admirarlos.

Es por ello que sus visitas fueron reclamadas año tras año por sus miles de seguidores en todo el país. Los Ramones se han convertido en la banda internacional que más veces visitó la Argentina y una de las pocas que ha visitado ciudades poco frecuentadas por otros grupos de menor o mayor convocatoria.
La mayoría de la gente no encuentra explicación al porqué de ese duradero romance. 

Los Ramones básicamente tocan siempre los mismos temas, hacen siempre los mismos movimientos. No hay sorpresas, ni esperanzas de un show grandioso en el que se hayan invertido miles de dólares. Pero en el mundo del rock siempre hay cosas que no tienen una razón, un porqué. Es la rebelde idiosincrasia, la contracultura, la mìstica màs allà de toda explicaciòn lògica. Los Ramones son todo eso y màs.


Recitales en el país:

Los Ramones dieron 27 de sus 2263 recitales, en Argentina


1987
3 de Febrero - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
1991
26 de Abril - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
27 de Abril - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
28 de Abril - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires (agregado por agotar las entradas)
1992
16 de Septiembre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
17 de Septiembre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
18 de Septiembre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
19 de Septiembre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
20 de Septiembre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
1993
23 de Junio - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
24 de Junio - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
25 de Junio - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
26 de Junio - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
27 de Junio - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
1994
14 de Mayo - Estadio José Amalfitani de Vélez Sérfield, Buenos Aires (junto con Motorhead)
18 de Mayo - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
19 de Mayo - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
16 de Septiembre - Estadio Cubierto de Newell´s Old Boys, Rosario, Santa Fe
18 de Septiembre - Discoteca "Go!", Mar del Plata, Buenos Aires
19 de Septiembre - Club Estudiantes, Bahia Blanca, Buenos Aires
1995
2 de Octubre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
3 de Octubre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
4 de Octubre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
5 de Octubre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
6 de Octubre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
7 de Octubre - Estadio Obras Sanitarias, Buenos Aires
1996
16 de Marzo - Estadio Monumental de River Plate

jueves, 29 de noviembre de 2012

SHOWS - LED ZEPPELIN (O2 Arena - Londres, 2007)

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CEREMONIA ZEPPELIN



* * * * *
EXCELENTE
 


Mucho se habló sobre Celebration Day, el trabajo de Led Zeppelin que recopila el audio y las imágenes del show que la banda dio el 10 de diciembre de 2007 en Londres. En aquella ocasiòn, fueron 16 los temas que tocaron John Paul Jones, Jimmy Page, Robert Plant y Jason Bonham en la vuelta a los escenarios de Led Zeppelin.  

La particularidad de esta presentaciòn reside únicamente en que esta leyenda de la música volvió a subirse a un escenario después de décadas sin hacerlo oficialmente como Led Zeppelin, sino que tampoco tienen planeado repetirlo. El 10 de diciembre de 2007, en el London’s O2 Arena se llevó a cabo el concierto a beneficio en homenaje al ejecutivo musical Ahmet Ertegun, presidente y fundador de Atlantic Records fallecido el año anterior. Led Zeppelin se reunió como acto central, dando así su primer recital completo desde la muerte del baterista John Bonham en 1980.

En una reunión pensada únicamente para este evento con la participación de Jason, el hijo de John, en batería, y aunque hubo una demanda superior a los 20 millones de tickets, el show pudo ser presenciado apenas por 18.000 afortunados espectadores. El recital se grabó a 16 cámaras con la dirección de Dick Carruthers y luego de varias idas y venidas, el lanzamiento de “Celebration Day” se confirmó en varios formatos comerciales, previo estreno en cines en diversas partes del mundo. 

Robert Plant se roba el espectáculo haciendo gala de su estupenda forma, poniéndole dinamismo a sus clàsicas inflexiones y gestos coporales, rememorando sus mejores años sobre el escenario. John Paul Jones, sigue siendo un bajista extraordinario, desenvuelto y preciso. Otro ìcono del grupo como Jimmy Page se estremece en cada riff y exuda rock en cada movimiento prodigioso que realiza sobre su instrumento, al que da la sensaciòn de milagrosamente otorgarle vida propia. Mientras Jason, inspirado y carismàtico ataca a golpes la baterìa sabièndose poseedor del ADN familiar como marca de fábrica  que garantiza su mera inclusiòn en el grupo. 

“Dazed And Confused”, “The Song Remains The Same” y “Stairway To Heaven” traen poco màs de nostalgia y fervor a la velada. La majestuosa “Kashmir”, la tortuosa “In My Time Of Dying” o tardìamente estrenada “For Your Life” en vivo, completan el compacto pero sòlido set. Los bises arrollan con “Whole Lotta Love” y “Rock And Roll”

Casi treinta años despuès del adiòs de la banda, Jason parece la reencarnaciòn de John para que estos rockstars incombustibles se transforman de vuelta en aquellos cuatro fantàsticos llenos de mìstica que marcaron una generaciòn. Rebeldes y emblemáticos, con la perplejidad intacta que todavía ejercen sobre sus fans, quienes irremediablemente sueñan con otro regreso.


SETLIST:

“Good Times Bad Times”
“Ramble On”
“Black Dog”
“In My Time of Dying”/”Honey Bee”
“For Your Life”
“Trampled Under Foot”
“Nobody’s Fault but Mine”
“No Quarter”
“Since I’ve Been Loving You”
“Dazed and Confused”
“Stairway to Heaven”
“The Song Remains the Same”
“Misty Mountain Hop”
“Kashmir”
“Whole Lotta Love”
“Rock and Roll”


Clip - Kashmir & Black Dog :




FOTOGRAMAS - LED ZEPPELIN (Celebration Day, 2012)





Instantàneas: Un pòster y uan celebraciòn. El film "Celebration Day" fue lanzado hace unas semanas y muestra imágenes inéditas del show que Led Zeppelin dio el 10 de diciembre del 2007 en el O2 Arena de Londres. Más de 20 millones de personas habían intentado conseguir sus entradas para ése històrico recital –transformándolo así en el más demandado de la historia- pero sólo 20 mil consiguieron ver el, hasta hoy, último recital de Plant y cìa. en vivo. Después de mantener a todos los fans expectantes con un conteo regresivo a travès de las redes sociales, la banda anunció que estaba trabajando en la película del recital y que, luego de su estreno en el cine, editarían un CD/DVD con el material registrado aquella èpica noche de reuniòn.

Clip - Trailer oficial de cine:




miércoles, 28 de noviembre de 2012

ESPECIALES - HISTORIA DEL ROCK NACIONAL, parte III

 


   Segunda Década (los 70s)
CERCA DE LA REVOLUCIÓN




La década del ‘70 recibió rock como movimiento en pleno desarrollo. Ya no sólo estaban Almendra, Manal y Los Gatos. Nuevas bandas y solistas se sumaban al género, cada cual con sus propias ideas, sueños y convicciones: Vox Dei, Arco Iris, Pedro y Pablo, La barra de Chocolate, Pappo’s Blues, La pesada del Rock and Roll y muchos más. Por entonces , el incipiente rock argentino era denominado "Música Beat". Pero el rock iba más allá del éxito momentáneo con estribillos pegadizos.

 
Los medios de difusión seguían vedados para la gran mayoría de los rockeros. En febrero de 1970 apareció la revista "Pelo" con los objetivos de apoyar a los progresivos y diferenciarlos de los complacientes, pero eso no bastaba para apuntar a un movimiento que cada vez contaba con mayor cantidad de artistas y recitales. Los festivales B.A. Rock - organizados por "Pelo" - congregaban multitudes, pero los medios de comunicación tergiversaban los acontecimientos y las posibilidades de trascendencia masiva no eran muchas.


A partir de la década del ’70, un sector del rock argentino comienza a incorporar en su temática letras contestatarias y críticas sobre la sociedad a través de panfletos metafóricos y explícitos referidos al amor, las drogas y héroes imaginarios. A partir de 1976, si bien posee un compromiso político, su base es burlar y resistir al gobierno militar. Al rededor de 1970, el rock se difundirá por el resto de las provincias argentinas y bandas del interior llegarán a ser conocidas en todo el país.


En 1971 aparece “El oso”, canción de rock que se cantará en todas partes, sin ser mal visto, desde entonces. También en ese año, se trae a la Argentina la ópera rock “Hair”, que es producida por Alejandro Romay y dirigida por estadounidenses. Esta obra es la primera en mostrar desnudos totales en nuestro país. Si bien debemos mencionar que todavía los jóvenes son mal vistos y los hippies tratados como delincuentes por el consumo  de drogas, la sociedad comienza a aceptarlos. Un ejemplo de esto es que los no-hippies van los fines de semana a comprar artesanías fabricadas por hippies a Plaza Francia.
 


Mientras tanto, Vox Dei ganaba terreno en la escena local. Aparecieron en 1969, se masificaron en 1971 y apoyaron a otro dúo que venía trabajando desde hace tiempo: Pedro y Pablo, es decir Miguel Cantilo y Jorge Durietz. Vox Dei dejó grabada la primera obra conceptual de nuestro rock: La Biblia.
 
En el período 72-73 se produjo un sub-movimiento que, resistido en un principio por los propios rockeros , logró finalmente allanar el camino de la masividad: el rock acústico. Color humano, pescado Rabioso, Aquelarre, Vox Dei, Arco Iris, Alma y Vida, Moris, Litto Nebbia, Billy Bond y La Pesada del Rock And Roll, Pappo’s Blues y algunos pocos más, eran los nombres importantes del panorama. Pero la aparición del rock acústico de la mano de León Gieco, Raúl Porchetto, Miguel y Eugenio y Sui Generis modificó las estructuras musicales y amplió el horizonte. Ya no se necesitaban instrumentos eléctricos para comunicar el mensaje del rock.

 
En el auditorio Kraft de la calle Florida, se produjo un "acústicazo" de entrecasa. León Gieco, Raúl Porchetto y Sui Generis brindaron dos shows sorpresivos bajo el nombre de Porsuigieco.
La violencia ya era pan de todos los días en Argentina, y la tragedia se trasladó también al rock. Primero fue la muerte de José Alberto Iglesias -Tanguito- un ícono con destino de leyenda.

 
Los grupos más populares del ‘75 fueron Aquelarre, Invisible y Sui Generis que con "Confesiones de Invierno", consolidó su prestigió y pegó el estirón con "Pequeñas anécdotas sobre las instituciones". Ese disco fue censurado por ser una sátira sobre la vida política del país. Tuvieron que dejar afuera dos temas "Juan represión" y "Botas locas" y pulir tres temas.

 
Un grupo similar a Sui Generis fue Vivencia quienes lograron el éxito con el tema "en mi cuarto". Otro dúo acústico fue Pastoral y su momento llegaría con su segundo disco "El hospicio".

Ya en 1975, Sui Generis era el número indiscutido del rock argentino y su separación a fines de ese año congregó una verdadera multitud en el estadio Luna Park.



En esta década lo importante ya no es lo que intentan transmitir las canciones de rock, sino cómo suenan. El papel protagónico lo ocupan los equipos, las técnicas de grabación, el volumen que se llega a alcanzar, el uso de sintetizadores y el lucimiento de habilidades personales. Simultáneamente, presenciamos un acusticazo, que deja de lado los instrumentos eléctricos.
Con el regreso del peronismo, en 1973, el rock se tiñe de un fervor militante, ya que la mayoría de los rockeros son peronistas. A los festivales se invita a artistas con gran poder de convocatoria, sean o no del partido justicialista. En tanto, el público es bastante heterogéneo y se organizan encuentros extra-rockeros.

 

Pese a que crece la importancia del movimiento, dándosele una sección exclusiva en varios medios gráficos, surgiendo diversos programas de radio independientes que lo apoyan, etc.; los partidarios del rock siguen irritando a gente de izquierda (por su falta de devoción hacia la revolución social) y de derecha (por su negación de toda creencia y de todo principio religioso, político o social, por los cambios de ideas y de costumbres que generan y por el uso de drogas). 
 
En ésta época, podemos observar que el espíritu del rock ya no se vive con tanta intensidad: la radio y la televisión facilitan que la gente pertenezca al movimiento de una manera más distante.

Tenemos que agregar que en el año 75 Sui Generis lanza su disco Pequeñas Anécdotas Sobre las Instituciones”, que es censurado por ser una sátira sobre la vida política del país. 


Gran parte del rock no popular desaparece de la radio como consecuencia de una ley que establece que se debe transmitir un 50% de música nacional, un 25% de música latinoamericana y un 25% de música extranjera. Sorprendentemente el rock hecho en argentina es considerado como música extranjera. Después de que María Estela Martínez de Perón fuera derrocada, el gobierno militar consideraría al rock como “sospechoso”

El 24 de marzo de 1976, la presidenta Isabel Perón es derrocada por un golpe militar, y el nuevo gobierno ajustaría las clavijas, ya instaladas, en el rock que como movimiento joven, pasa automáticamente a ser considerado sospechoso. Con la separación de Sui Generis tres nuevas agrupaciones surgieron y captaron la adhesión de un amplio sector de audiencia.  


Muchos de los pioneros del rock argentino había emigrado al exterior en busca de nuevos horizontes. Ya no estaban Edelmiro Molinari, Miguel Abuelo, Miguel Cantilo, Aquelarre, Claudio Gabis, Javier Martinez y otros, pero Invisible, Gieco, Porchetto, Alas, Arco Iris, Soluna, Nebbia Trío, Espíritu, Crucis, El Reloj y muchos más cubrían las necesidades de un público que seguía aumentando el número.  

El rock seguía adelante pero el clima de represión y terror comenzó a hacer sentir. Muchos músicos eligieron exiliarse. Otros optaron por resistir. En la Argentina de 1976, nadie podía sentirse seguro. El rock no era la excepción a la regla. Se acercarína años de oscuridad, resistencia y salvación.

 

martes, 27 de noviembre de 2012

ARTÍCULOS - PATRICIO REY Y SUS REDONDITOS DE RICOTA (Revista Rolling Stone, 2012)

Del primer show en un bar salteño al último concierto en el Chateau Carreras, un repaso completo por las grabaciones filtradas de la banda; conseguí tu edición de colección de RS con su historia en todos los kioscos 


UNA COLECCIÓN REDONDA


Rolling Stone lanza una edición especial de lujo con la historia de la banda que se convirtió en leyenda. Desde las primeras y míticas presentaciones en el teatro Lozano hasta la noche de la separación, de la conquista de los pubs a los dos shows en el Monumental, Rolling Stone retrata e interpreta como nunca antes, en una edición extraordinaria, la historia de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, la banda de rock que se convirtió en un increíble fenómeno de masas.

Se trata de un lanzamiento de características inéditas para RS Argentina y la gráfica local, el volúmen es un punto medio entre una revista y un libro. Y funciona como un verdadero viaje a través del tiempo: con fotografías de los orígenes jamás publicadas, borradores exclusivos del arte gráfico de Rocambole y textos de especialistas que bucean en las distintas etapas del grupo, el especial es un tributo a la obra de los Redondos y un intento por develar qué hizo de la banda un caso único en el mundo.

Es posible trazar un mapa de huellas perdidas a través de la discográfica pirata de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota: shows en tugurios y grandes estadios, sonido pésimo y algunos con destino de discos oficiales, todavía hoy resulta sorprendente la ausencia de un registro digno que muestre el auténtico poder que la banda tenía en vivo (olvidemos En directo, un pirata oficial poco recomendable). Para suplir ese hueco existe una maravillosa memorabilia que en los 80 dormía en casetes con tapas caseras, y en la década siguiente mutó al formato digital mejorando el audio y sumando nuevos conciertos mientras la leyenda crecía como una mancha voraz. 

Muchas de estas perlitas que no se conseguían en Musimundo eran el material clandestino de las cuevas con cartel de disquerías. Hoy se pueden descargar gratuitamente con la facilidad de un clic, pero llegan medio huecas: en el camino perdieron el arte de tapa, esos borradores con intenciones estéticas y algunas adorables referencias para saber algo más de las grabaciones secretas de Patricio Rey. Del primer show en un bar salteño al último concierto en el Chateau Carreras, un repaso completo por las grabaciones filtradas de la banda.


Todo empieza en las noches de La Plata, en la densidad de los años de dictadura y en las cabezas psicodélicas de una troupe de delirantes que planteaban la resistencia desde "el principio ordenador del goce". Entre experiencias comunitarias hippies, lecturas de los beatniks y el pulso transformador del rock, ese colectivo -del que emergerían, con el tiempo, las figuras líderes del Indio Solari y Skay Beilinson- inventó esa criatura llamada Patricio Rey. No había un plan demasiado definido, pero sí unas ganas locas de romper horizontes estéticos y de compartir una experiencia profunda.

La edición extra de Rolling Stone va a fondo en el retrato de esa época, repasando la prehistoria y analizando las influencias musicales e ideológicas que inspiraron el proyecto. El volumen incluye también un análisis de cada uno de los discos que editó la banda, de Gulp! (1985) a Momo Sampler (2000) y perfiles musicales del Indio y Skay, así como también una revisión de los shows más importantes y los inolvidables viajes de las bandas por el interior del país, en tiempos en que cada fecha ricotera implicaba la transformación de la ciudad o el pueblo que los recibiera. 

También aparecen algunos momentos clave del impacto que tuvieron los Redondos en la vida pública: desde el crimen de Walter Bulacio luego de ser detenido por la policía en la puerta de Obras hasta la resonante conferencia de prensa en Olavarría, luego de que el intendente ordenara la suspensión de un show. También se incluye completa, la primera entrevista que los Redonditos de Ricota le dieron a Rolling Stone.

Las imágenes que ilustran el especial lo convierten en un objeto de colección. Es sabida la escasa relación que tuvo Patricio Rey con la fotografía a lo largo de su historia, pero aquí se revelan imágenes íntimas de los primeros tiempos: brindis en camarines durante la explosión de estadios, fotos en vivo de todas las épocas y hallazgos que hasta el momento no habían visto la luz.

 

Fuente: Colección Rolling Stone Argentina (texto de Oscar Jalil, noviembre de 2012)

ARTÍCULOS - REVIEW: CHINESE DEMOCRACY (Revista Rolling Stone, 2008)

 


LA EXAGERACIÓN DEL MITO



Por momentos, se parece al GNR del puñetazo que generó la tormenta perfecta de 1987, Appetite for Destruction; y, en mayor medida, se asemeja a ese estilo distendido en versión maximizada de los CDs del año 1991 que se reflejó en Use Your Illusion I y II. Pero, en este caso, se trata de una versión comprimida en un solo disco con convulsivos shreds de guitarras, fanfarrias orquestales, electrónica hip-hop y un coro de tabernáculo metálico, sumado a la voz aún viril y con tono herrumbroso de Axl Rose.

Si alguna vez Rose dudó o se arrepintió del costo de Chinese Democracy en tiempo (trece años), dinero (catorce estudios de grabación aparecen en los créditos) e incluso en personas – incluyendo la salida de algún que otro miembro fundador de la banda–, esto no aparece en ninguna de sus catorce canciones. "Apuesto a que creen que estoy haciendo todo esto por mi salud", dice Rose con su voz áspera a través del bombardeo de guitarras saturadas en "I.R.S.", una de las tantas referencias implícitas a lo que sabe que mucha gente piensa de él: que Rose, actualmente de 46 años de edad, ha vivido descarrilado, en la penumbra, el último tercio de su vida. Pero cuando dice: "Todo es posible / Soy imparable", en los acordes mecánicos de "Scraped", no se trata de la arrogancia de un lunático: es sólo el viejo y conocido "fuck you" del rock & roll; algo que, desde el principio, lo hizo famoso a él y a su banda.

Hay algo más que Rose pronostica una y otra vez con respecto a Chinese Democracy: la moderación es para los imbéciles. Hay mucho de esa fuerza de guitarras conocida: el golpe punzante que abre el primer track, "Chinese Democracy"; el fuzz con tintes diabólicos en "Riad n’ the Bedouins"; y los gritos repetidos y angustiantes en "Street of Dreams". Para aquello que Slash e Izzy Stradlin solían hacer sólo con dos guitarras, hoy GNR precisa muchas más. En algunos tracks, Rose tiene hasta cinco guitarristas –Robin Finck, Buckethead, Paul Tobias, Ron "Bumblefoot" Thal y Richard Fortus– en solos y riffs de melodías prolongadas, indefinidas y ásperas. El resultado, sin embargo, no es nada aburrido.

Casi todas las canciones reflejan múltiples cambios radicales de personalidad, como si Rose intentara implementar nuevas técnicas para lograr un gancho o un puente y luego decidiera: "Cuál es el problema, son todos buenos". "Better" comienza con lo que parece ser un mensaje de voz hip-hop –con fuertes distorsiones de guitarra, batería y un Rose en seudo falsete–, antes de explotar con el antiguo estilo Sunset Strip. En "If the World" Buckethead puntea una guitarra española sobre un groove de film blaxploitation, mientras que Rose demuestra que todavía tiene un excelente dominio vocal, como ningún otro cantante de rock, que suena en parte como la víctima de una tortura y en parte como el estruendo de un jet.

Y hay tantas cosas en "There Was a Time" –cuerdas y melotrón, un coro bien concentrado, los overdubs melódicos con la voz ácida de Rose, una guitarra con wah-wah y un falso final– que es fácil creer que Rose pasó la mayor parte de su última década dedicado exclusivamente a este arreglo. Pero nunca suena desordenado, sino como una gran cantidad de malos recuerdos y lecciones difíciles que tuvo que enfrentar en su vida. En las primeras líneas, Rose vuelve a un comienzo muy a su estilo, y luego arremete con la orquesta y las guitarras. Hacia el final, escuchamos una mezcla grande de nostalgia y despedida. Si éste es el Guns n’ Roses que Rose siguió escuchando en su cabeza todo este tiempo, es obvio el motivo por el cual las dos guitarras, el bajo y la batería nunca iban a ser suficientes.

Está claro también que él cree que este Guns n’ Roses es una banda como aquella que grabó "Welcome to the Jungle," "Sweet Child O’ Mine," "Used to Love Her" y "Civil War". Los numerosos créditos que aparecen en Chinese Democracy ciertamente otorgan un pormenorizado reconocimiento donde corresponde. Rose se adjudica el importante –"Lyrics N’ Melodies by Axl Rose"– pero comparte la autoría de canciones en casi todos los tracks a excepción de uno. El bajista Tommy Stinson participa prácticamente de todas las canciones, y el tecladista Dizzy Reed, único sobreviviente de la línea Illusion, hace honor al estilo Elton John cuando interpreta en el piano "Street of Dreams".

Sin embargo, cuando Rose canta, continúa haciendo alusión al poder de la voluntad pura y solitaria, incluso cuando se embarca en una lucha tan ambiciosa como Chinese Democracy. En "Madagascar", canción que Rose ha tocado en vivo durante años, se refiere al discurso "I have a dream" de Martin Luther King y al diálogo de La leyenda del indomable. Y al final del álbum, en la canción titulada con franqueza "Prostitute", Rose vira de un tenor casi conversacional respecto de una bomba a punto de explotar, a una avalancha de cinco guitarras, con orquestaciones como relámpagos y justificados rugidos: "Pregúntate / por qué elegiría / prostituirme / Vivir con dinero y fama". 

Para él, el largo camino hacia Chinese Democracy no se trató de control y paranoia. Se trató de decir: "No lo haré", cuando todos insistían diciéndole: "Tenés que hacerlo". Podríamos discutir si en un disco de rock vale la pena esa autogratificación extrema. En realidad, la característica más rockera de Chinese Democracy es que a él no le importa lo que pensemos.


Fuente: Revista RS, archivo - diciembre 2008.