jueves, 31 de enero de 2013

DISCOS - SGT. PEPPER'S LONELY HEART CLUBS BAND (1966) de The Beatles



 


EL DISCO QUE CAMBIÓ LA HISTORIA



* * * * *
EXCELENTE 


«No sé por qué lo llamé así ni porqué estaba separado de mis otros dibujos, pero obviamente a esa edad sentía afecto hacia Lucy. Solía enseñarle a papá todo lo que hacía en la escuela y de este surgió la idea de hacer una canción sobre Lucy in the sky with diamonds.» - John Lennon.



Reseña:


The Beatles decidió dejar las actuaciones en vivo en agosto de 1966, abrumados por el boom mediático que despertaba su fanatismo, de las amenazas de que fueron víctimas en Filipinas y Estados Unidos y los comentarios negativos de la prensa. También estaba el motivo de no disponer apenas de tiempo libre ni de intimidad para ellos mismos a causa de las constantes actuaciones en las que se veían siempre envueltos. 


Cuando Paul McCartney regresó al Reino Unido, tenía la idea de crear un disco, cuyo nombre sería "Sargeant Pepper's". Cuando les fue planteado el concepto a los demás integrantes de The Beatles y al productor George Martin, decidieron aceptar el reto de grabarlo. Sin embargo, en su origen el concepto del disco no era el que se conoce en la actualidad. La idea era que se plasmaran vivencias personales y que el nombre fuera Doctor Pepper. Lo primero se logró, lo segundo no, por cuestiones de derechos. De todas formas, The Beatles se encaminaban a la concepción de una obra de tal magnitud que confirmaría a Paul McCartney y John Lennon como el mayor dúo compositor del siglo XX.


Grabado en una época de psicodelia y experimentación, el álbum, producido por George Martin, fue un precursor de nuevas técnicas de grabación y composición. Como sus discos precedentes, el disco se grabó haciendo uso de una técnica llamada «reducción de mezclas», en la cual las canciones se grababan en una grabadora de cuatro pistas, que luego se mezclaban para ser incluidas en una de las cuatro pistas de una segunda grabadora principal. Esto permitió a los ingenieros darle a los Beatles prácticamente un equipo multi-pistas para que pudiesen grabar sus cada vez más complejas canciones en los estudios de grabación de EMI. El disco comenzaba con ruido proveniente de un público expectante que estallaba en aplausos con los primeros acordes de guitarra eléctrica de la canción que da título al disco. 


«Lucy in the Sky with Diamonds», la tercera del álbum, compuesta por John Lennon, la cual fue alterada al extremo que se había pensado que cada nota estaba con una velocidad superior o inferior a la anterior. Se ha especulado que sus iniciales (LSD) pudiesen coincidir con la sustancia LSD, aunque John Lennon había afirmado que el título hacía referencia a un dibujo sobre una compañera de clase que su hijo, Julian, había dibujado en la escuela, que probablemente fuera una casualidad que el acrónimo del título de la canción se refiriese a esa droga. 


«Within You Without You» tenía estilo hindú y fue interpretada por George Harrison, con su sitar y acompañamiento de violines ejecutando escalas musicales orientales. El álbum concluía con «A Day in the Life», compuesta por Lennon y McCartney, basado en una mezcla de noticias tomadas de un periódico y sus respectivas reflexiones en la voz de John Lennon


Finalmente el disco fue grabado un sonido de 15 kHz, únicamente audible para ciertas personas, generalmente niños y adolescentes. Luego había unos ruidos de voces extrañas que se desvanecían en el silencio, unos segundos de galimatías aparentemente invertidos. En realidad éstas voces fueron grabadas para ocupar el surco de final del disco (lead-out groove, en idioma inglés), que casi siempre carecía de sonido, y así, mediante este truco por parte de los Beatles, hacer que alguna gente, que no tenía tocadiscos automático escuchara sin cesar el molesto ruido.

Ficha:

Publicación:      1 de junio de 1967


Grabación:        EMI Studios, Londres
Géneros:          Rock psicodélico, pop barroco
Duración:         39:45
Discográfica:     Parlophone
Productor:       George Martin

Lista de canciones:

Cara 1

1.«Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band» 2:02
2.«With a Little Help from My Friends»    2:44
3.«Lucy in the Sky with Diamonds»         3:28
4.«Getting Better»                        2:47
5. «Fixing a Hole»                        2:36
6.«She's Leaving Home»                    3:35
7.«Being for the Benefit of Mr. Kite!»    2:37

Cara 2

1.«Within You Without You» (Harrison)     5:05
2.«When I'm Sixty-Four»                   2:37
3.«Lovely Rita»                           2:42
4.«Good Morning Good Morning»             2:41
5.«Sgt. Pepper's (Reprise)»               1:18
6.«A Day in the Life»                     5:33

Integrantes:

John Lennon: voz solista, segunda voz, armonía vocal en «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band»; guitarra solista, guitarra rítmica, guitarra rítmica acústica en «Lovely Rita», guitarra acústica y piano en «A Day in the Life»; cencerro en «With a Little Help from My Friends»; órgano Hammond en «Being for the Benefit of Mr. Kite!»; percusión vocal y peine y papel en «Lovely Rita».

Paul McCartney: voz solista, segunda voz, armonía vocal, voces en «When I'm Sixty-Four»; bajo; guitarra solista; piano, órgano Hammond; peine y papel en «Lovely Rita».

George Harrison: voz solista en «Within You Without You», segunda voz, armonía vocal; guitarra rítmica en «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band», guitarra solista, guitarra acústica; sitar en «Within You Without You», tanpura; armónica en «Being for the Benefit of Mr. Kite!»; maracas en «A Day in the Life»; guitarra rítmica acústica y peine y papel en «Lovely Rita».
    
 Ringo Starr: voz solista en «With a Little Help from My Friends» y voz en «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)»; batería; pandereta; bongós y piano en «A Day in the Life», congas en «Getting Better», maracas, campanas en «When I'm Sixty-Four»; armónica en «Being for the Benefit of Mr. Kite!»; peine y papel en «Lovely Rita».

Clip - album completo:
 




ARTÍCULOS - ALMENDRA, POR LUIS ALBERTO SPINETTA (Revista Rebelde)



 


ERÁMOS TAN BEATS


Todo comienza en un cumpleaños de 15 de una prima. Uno de los invitados era pianista, y tenía un grupo llamado The Larkins, que ensayaba muy cerca de mi casa y donde Rodolfo (García) tocaba la batería. Un día me fui a uno de sus ensayos, medio con la mirada rectora de mis padres porque ellos sabían que era el paso decisivo, y cuando entré en esa piecita donde ensayaban los quías y escuché un tipo que cantaba, un bajo, una batería y la guitarra eléctrica, capoté totalmente. Nunca había visto guitarras eléctricas de cerca, siempre españolas o criollas. A partir de ahí me atrapó ese sonido que es un emblema para mí: bajo, batería y guitarra.



Cuando empecé a hacer mis primeros rocks, me parecía imposible llegar a componer alguna canción como las de Los Beatles de ese período, porque eran canciones que rompían con todos los esquemas. Aun hoy analizo los acordes que usaban y son piezas tremendas: la simplicidad que tienen y la riqueza, que es tremenda. Los Stones me resultaban más fáciles, menos cambios de acordes y más ritmo. Yo amaba ambas cosas, pero Los Beatles siempre un poco más.
Sentíamos una ola de cosas que hablaban en castellano, sabíamos que existían Los Gatos Salvajes, Billy Bond... Medio que de ahí salió que nuestra música iba a ser en castellano. En esa etapa ya tenía compuesta “Plegaria para un niño dormido” o la zamba que después hice en Kamikaze (“Barro tal vez”). Lo nuestro era que queríamos ser todo a la vez: Piazzolla, Los Beatles, Los Doble Seis de París. Ibamos a escuchar jazz, nos gustaba el folklore de vanguardia, en ese momento venía Waldo de Los Ríos con sonidos electrónicos y era descomunal, lo veía por televisión y me ponía a llorar porque decía: “Esto también es vanguardia”. Escuchábamos a Rovira, a Mederos, un montón de música que no era El Club del Clan. De todas esas conversaciones y horas perdidas, de todas esas cartas con Rodolfo, parte la premisa de crear una música con una libertad de horizonte total. Almendra no fue una casualidad.

En tercer año no me fue muy bien, y cuarto y quinto los hice de taquito. Era en el Instituto San Román, un colegio con una modalidad bastante represiva, sobre todo en cosas sutiles. Yo era miembro del coro de la iglesia, todos los domingos a las ocho de la mañana iba a cantar, y subía esa escalera de caracol que me llevaba al órgano, y estaba la monjita, y todos los cabezones dormidos cantando, porque los sábados a la noche con Emilio y los chicos era una romería hasta caer muertos a las seis de la mañana. Una vez nos llevaron en cana en Juramento, porque estábamos cantando “Plegaria”. Cayó la taquería, menores de edad, adentro. Yo me sentía como un turco en la neblina frente a millones de cosas, pero con Emilio sabíamos que ya se terminaba esa etapa: de ahí nos íbamos a arquitectura, que fue la carrera que elegimos para empezar, después hicimos un año en Bellas Artes juntos, con muy buenas notas, y cuando Edelmiro zafa de la colimba estamos todos servidos, y empezamos a ensayar.


No teníamos tiempo para las pibas, para nada que no fuera música o ir a ver una exposición o saber algo nuevo, leer a Cortázar y a Sabato. Igual íbamos a fiestas con Emilio, pero empezábamos a hablar de Nietzsche y, en vez de bailar, estábamos hasta las seis de la mañana hablando con una flaca, y que no nos dijeran nada en contra de Los Beatles porque incendiábamos al que hablaba. En esas cosas se veían las diferencias. Yo era superenamoradizo, caía por todas las minas bíblicas que veía, me decía: “Por fin te encontré, mi amor”. Había un lirismo y una virginidad tal que después se fueron desatando los colmillos.

El que más calle tenía era Rodolfo, que laburaba y hacía una vida diferente de la nuestra, que era más la de un estudiante secundario. Él nos contactaba con las maravillas que había en ese momento para curtir, desde los programas de radio que pasaban mejor música a las novedades de los grupos americanos. Era medio incontrolable, pero siempre estábamos reunidos en una casa. Cuando íbamos a ver jazz, lo hacíamos en horarios que no nos complicaran la existencia. Nosotros éramos púberes que estábamos en una rara. No nos pasaban las cosas que vivieron los pibes de La Cueva, Javier (Martínez) o Tanguito o Lito (Nebbia), que sí son realmente pioneros en ese sentido: estaban en asuntos más de la noche, tocaban en la calle y venía la licuadora a decirles “Si no se van todos de acá, caen todos en cana”.
Lo del nombre fue una cosa que nos llevó meses, porque nosotros nos habíamos puesto nombres terribles: Vicuña, no sé, cada cosa... Hasta que Rodolfo y Emilio dijeron: “Ya está el nombre, es Almendra”. Y fue como encontrar “Eureka”. Nadie dijo: “Me parece que no”. En ese momento ya estaba la onda de que los grupos no tuvieran el “Los” adelante. Había salido el libro de Yoko Ono, Pomelo. Y Marmalade, y toda una moda de no poner más “Los” antes del nombre.


Fuente: "Rebelde, el rock argentino en los ’70" (www.dospotencias.com.ar)

miércoles, 30 de enero de 2013

MÚSICOS - BUCKETHEAD (1969-)









EL HOMBRE DETRÁS DE LA MÁSCARA




Buckethead, nacido el 13 de mayo de 1969, con el nombre de Brian Carroll, es un guitarrista y compositor estadounidense, además de ser un multinstrumentalista. Es conocido por usar una máscara de plástico blanca (inspirada en la película Halloween IV) y una cubeta de Kentucky Fried Chicken sobre su cabeza. Con esto, Carroll creó en sí mismo una persona diferente para enfatizar su identidad musical. Recientemente ha optado por dejar de usar el logotipo de Kentucky Fried Chicken reemplazándolo por un balde en blanco, su típica máscara y un mono azul.



Es un compositor prolífico. Ha publicado 30 álbumes como solista y colaborado en más de 50. Además varía entre los estilos musicales, los cuales van desde el thrash metal, funk, música electrónica, avant-garde, jazz ambiental, y hasta la música minimalista (o más conocida como "música simple" ).




Fue alumno durante casi un año del virtuoso Paul Gilbert, el cual influenció de manera notable su fraseo rápido en su técnica de shred. Entre sus otras influencias, se pueden citar a Yngwie Malmsteen, Albert Lee, Shawn Lane, Joe Satriani y Jennifer Batten. También dijo que el libro "Thesaurus of Scales and Melodic Patterns" escrito por Nicolas Slonimsky era también una influencia creativa.



Buckethead además ha colaborado y participado con grandes artistas; tales como Les Claypool (bajista de Primus), Viggo Mortensen, Tony Williams, Bootsy Collins, Serj Tankian (vocalista de System of a Down), y Guns N' Roses, para la grabación de Chinese Democracy. Fue junto a estos últimos en el que se presentó en los MTV Music Awards y el festival Rock in Rio. También ha escrito e interpretado música para películas como: Saw II, Ghosts of Mars, Beverly Hills Ninja, Mortal Kombat, Mortal Kombat: Annihilation, Last Action Hero, Cannibal Holocaust y la banda sonora de Mighty Morphin Power Rangers: The Movie.




Solo hay un fotógrafo conocido que lo ha fotografiado y pese a que existen cientos de vídeos aficionados que muestran a Buckethead desenmascarado todos son falsos. La biografía oficial de Buckethead señala que fue criado en un gallinero por gallinas. Apropiadamente él ha escrito varias canciones a principios de su carrera que se refieren a las gallinas como la canción "Chicken" y "I Can Only Carry 50 Chickens At A Time" o los títulos de los álbumes "KFC Skin Piles" y "Enter the Chicken" y que luego de cierto tiempo él mismo quiso escapar y vivir su propia vida. 

Pero existe una biografía más realista que estipula que es un fan de las películas de horror y que en algún punto de su vida compró una máscara de plástico que sería la que usa hoy en día. Buckethead es conocido también por su baile robótico sobre el escenario, así como también sus bailes pop y break dance y además de sus rápidas demostraciones con el Nunchaku, incluso mientras toca la guitarra.


Buckethead comenzó a tocar a la edad de doce años. Sin embargo, aquello de tocar no llegó a ser importante hasta un año después, cuando se mudó de Huntington Beach, California, a Claremont, California (donde vive actualmente según su sitio web). Su forma de tocar comenzó a mejorar con clases de diferentes maestros como Johnny Fortune y Max McGuire. Pronto, tras años de estudios comienza a aprender del maestro Pebber Brown. Un análisis más pormenorizado de la técnica de Carroll revela que el año pasado bajo Brown parecía haber tenido el impacto más duradero e influencia. Más tarde, también sería instruido por Paul Gilbert durante unos meses. Carroll empezó a hacer demos de sus improvisaciones tan bien como sus estilos de escritura.



En el año 1988, dejando su banda "Class-X", Buckethead envió la canción titulada Brazos a un concurso de la revista Guitar Player Magazine de la cual los que recibieron su canción opinaron diciendo: «Es un guitarrista y bajista increíblemente dotado, ha demostrado la velocidad de Paul Gilbert y una precisión se ha filtrado en unos tonos muy armónicos y sensibles. Sus movimientos y dominio estaban por sobre los clichés del metal y el rock, es difícil creer que es solo un adolescente, pero tiene mucho talento. Se ha querido denominar a sí mismo “Buckethead”». Ganó mención honrosa en el mismo de la misma revista en 1989 con la canción "Soowee".



Así es como el editor de la revista Guitar Player, Jas Obrecht, conoció a Buckethead. Impresionado con su demo consiguió un contrato con Buckethead y pronto se hicieron amigos. En 1991 Buckethead se mudó al sótano de Obrecht donde se filmó un DVD sobre la vida del joven Buckethead. Después de algunos álbumes lanzados, se lanzó Bucketheadland en el sello discográfico de John Zorn en 1992. No consiguió mucho éxito pero si ganó buenas críticas y con eso ganó un poco de atención. Ya por ese momento, Buckethead estaba trabajando con el productor/guitarrista y bajista Bill Laswell (El cual colaboró en algunas canciones de Buckethead y él a su vez colaboró en algunas canciones de Laswell).



Uno de los proyectos de Laswell era Death Cube K (un anagrama de "Buckethead" que creó por problemas legales con la discográfica Sony Records), más tarde William Gibson tomó el nombre prestado y lo puso en un bar en Idoru. Gibson dijo en una entrevista para Addicted To Noise (Adictos al Ruido) que Death Cube K es el título de un álbum. Lo siento pero no puedo recordar el nombre de la banda pero Bill Laswell a quien no conozco muy bien, ocasionalmente manda muestras de afecto en sus producciones y cuando vi el nombre pensé que era un bar temático de Franz Kafka en Tokio.



Buckethead logró ganar su mayor audiencia y popularidad cuando fue miembro de la banda Guns N' Roses (ya que estaba reemplazando a Slash) del 2000 al 2004; sin embargo, la banda solo hizo un tour en 2001 y 2002. Guns N' Roses respondió a la salida de Buckethead diciendo que durante el tiempo que estuvo en la banda, Buckethead era muy inconsistente, así como también errático en su comportamiento y su compromiso, y a pesar de que estaba bajo contrato, componer con él era más complicado de lo que en principio se pensó, por lo tanto es muy difícil para nosotros avanzar con el álbum, los ensayos y los planes en vivo que se preparaban. Su estilo de vida no le ha permitido ni a sus mejores y más cercanos amigos tener un contacto comunicativo de ningún tipo. Además otra razón de la separación, fue que el avance del álbum era demasiado lento por lo cual, Buckethead se cansó y se fue



A pesar de esto, el estilo de la guitarra de Buckethead puede ser encontrado en las canciones del álbum Chinese Democracy como "IRS", "There Was A Time", "Better", "Sheckler Revenge" y "Madagascar". Desde ese momento, Buckethead ha hecho presentaciones en festivales y clubs en todo Estados Unidos en los cuales gana cada vez más y más público, y así también, fans.



En una entrevista con Revolver, Ozzy Osbourne le ofreció a Buckethead tocar la guitarra junto a su banda en el festival Ozzfest, pero Ozzy rápidamente cambió de idea cuando hablo con él, y éste se negara a salir al escenario sin su disfraz.



En el año 2005, Buckethead lanzó un álbum titulado Enter the Chicken mediante el sello discográfico de Serj Tankian, Serjical Strike. En el álbum aparece Tankian, Maximum Bob, el vocalista de Death By Stereo, Efrem Shulz entre otros. El álbum está marcado como más tradicional en la estructura de las canciones, mientras que Buckethead demuestra sus habilidades con la guitarra.



En 2005 Buckethead finalmente lanzó su primer DVD titulado "Secret Recipe", que solo se vendió donde él se encontrara de gira, y para los que no pudieran verlo, se puso en subasta en eBay. Después de algún tiempo salieron versiones diferentes en eBay y luego se hizo un sorteo donde 200 personas ganaron la posibilidad de comprarlo primero. Finalmente fue en marzo del 2006 cuando se publicó oficialmente.



En noviembre de 2006, salió a la venta el videojuego Guitar Hero II donde se incluye la canción de Buckethead titulada "Jordan" para desbloquearla como bonus track. Pese a que Buckethead escribió "Jordan" para el videojuego, lleva tocándola durante años (durante 2004 la tocó, pero en una versión muy diferente). Después del lanzamiento del vídeojuego Guitar Hero en 2005, "Jordan" sería la primera canción grabada en un estudio. 


A finales del año 2006, Buckethead lanzó un DVD de 2 volúmenes titulado "Young Buckethead" el cual presenta material raro e inédito tomado en los años 1990 y 1991. El DVD también contiene tres shows completos de Deli Creeps (Su antigua banda). La portada del DVD la dibujo el mismo Buckethead.



En febrero de 2007 el sello anunció el lanzamiento de un nuevo CD de Buckethead titulado Pepper's Ghost. También en febrero de 2007, comenzó a lanzar online In Search of The, el cual es un box set de 13 CD de música hecha por él mismo.



En mayo de 2007 se lanzó al álbum Acoustic Shards, el cual consta de puras canciones acústicas grabadas en 1991 mientras Buckethead se encontraba en el salón de su casa tocando su guitarra acústica.

 

El 30 de octubre de 2007 Buckethead lanzó tres álbumes simultáneamente Kevin's Noodle House (junto al baterista Bryan "Brain" Mantia), Decoding the Tomb of Bansheebot y Cyborg Slunks. El 30 de diciembre de 2008, Buckethead lanzó dos nuevas canciones a través de su página web en honor al cumpleaños 24 del jugador de baloncesto LeBron James. Estos temas fueron luego puestos a disposición en el álbum, Slaughterhouse, que fue liberado un mes después a través de TDRS Music.



En mayo de 2009 lanzó el álbum un A Real Diamond in the Rough, y otro álbum llamado Forensic Follies. Un mes después Buckethead lanzó una canción titulada "The Landing". Unos meses más tarde grabó el disco Slunk Stack which follows que sigue un sonido similar a Forense Follies.



El 13 de noviembre de ese mismo año, Gibson puso en producción la Gibson Buckethead Signature Les Paul. A finales de 2009 Buckethead colabora en el álbum debut de Travis Dickerson (fundador de TDRS Music), llamado 'Iconography'.

martes, 29 de enero de 2013

MÚSICOS - TANGUITO (1945-1972)


 



TALENTO Y TRAGEDIA



Su verdadero nombre era José Alberto Iglesias, y nació el 16 de Septiembre de 1954 en San Martín, provincia de Buenos Aires. Desde chico se interesó en la música y por tal motivo dejó el colegio. En su barrio, lo bautizaron peyorativamente "Tanguito", pero él no aceptaba el sobrenombre, y como seudónimo se hacía llamar "Ramsés". 


Tanguito no se destacó por sus logros escolares: poco dedicado al estudio durante la escuela primaria, abandonó el secundario con la intención de estudiar jardinería y paisajismo en la escuela del Jardín Botánico, pero tampoco se aplicó a ello. Su verdadero interés estaba en la música, especialmente en el rock and roll. Decidió dedicarse a ello en la primera juventud.



A los 17 años, José se presentaba en los clubes de los barrios de Mataderos y Flores cantando, en su mayoría, versiones de temas ajenos de rock & roll. También ganó fama como bailarín del mismo género, a pesar de que la mayor parte de la gente en los suburbios bailaban tango (ver más abajo la relación de este hecho con su apodo).



En medio de sus actuaciones suburbanas, en las que llegó a compartir escenario con Sandro y Los de Fuego, los Pick Ups y los Bobby Cats -cuyo cantante era Giuliano Canterini (Billy Bond)- entre otros, Tanguito hizo su debut discográfico como cantante y líder de Los Dukes en la primavera de 1963. Con tan solo 18 años, grabó el tema "Decí por qué no querés", de Palito Ortega y Dino Ramos, y otro de su autoría, "Mi Pancha". A fines de enero del 64 apareció una nueva obra discográfica de Los Dukes. El disco simple incluía los temas "Carnaval, carnaval" de Ball y Roger (en versión castellana y arreglos de Santos Lipesker) y "Maquillada" de Freddie Cora.


Aunque los discos fracasaron, para Los Dukes las actuaciones en vivo iban muy bien: durante mucho tiempo brindaron 11 conciertos por fin de semana. Algunos amigos de Tango opinan que ese período fue el comienzo de la relación entre Tanguito y los estimulantes. Es muy posible que haya empezado a utilizarlos para ser capaz de resistir ese agotador ritmo de casi cuatro recitales por día.

Antes de cumplir un año en la banda, abandonó su participación con la intención de hacerse solista. Ya para ese entonces su adicción a las drogas crecía día a día. Frecuentaba "La Cueva", boliche en cuyo escenario rotaban por esos días Los Gatos, Los Beatniks, Manal, Miguel Abuelo, Moris, Vox Dei y Billy Bond.  Fue en el baño de la pizzería La Perla del Once donde Tanguito comenzó a componer “La Balsa”, en colaboración con Litto Nebbia. En Junio de 1967 Litto Nebbia y el conjunto que había conformado con Ciro Fogliatta, Los Gatos, graban “La Balsa” y debido a su éxito comienza la leyenda de Tanguito.


Tanguito se convierte en uno de los protagonistas del nacimiento de los hippies argentinos. En Enero de 1968 entra a los estudios RCA para grabar su primer simple como solista con los temas “La princesa dorada”y “El hombre restante”, compuesto a partir de la idea de Javier Martínez, de escribir sobre el único hombre que sobrevivió a la guerra nuclear . El disco se edita en Abril con el pseudónimo de Ramsés VII. A esta altura, Tanguito manifestaba su adicción a las anfetaminas inyectables. No cometía delitos graves, pero acumulaba antecedentes. 


El fracaso de su simple y la poca difusión del compilado habían quebrado la débil resistencia del artista. A un abuso cada vez mayor de las drogas intravenosas se sumó la mendicidad y la vida en la calle. Por consiguiente, la policía comezó a detenerlo cada vez con más frecuencia. En varias oportunidades se le decomisaron drogas, lo cual empeoró su situación. En vez de terminar en una simple comisaría se lo recluyó varias veces en la Cárcel de Villa Devoto. Aparte de contravenciones relativamente leves como "disturbio en la vía pública", "vagancia", "ebriedad" y "mendicidad" comenzó a acusárselo de delitos más graves, como "narcotráfico" en febrero de 1971 (por la División de Seguridad Personal de la Policía Federal).


Su salud mental siguió esta pendiente declinante: preso en Devoto, fue internado varias veces en el Hospital Neuropsiquiátrico Borda, que había inaugurado un servicio de Drogadicción. Tanguito pasó muchos meses allí recluido, y fue tratado mediante electroshocks y los actualmente en desuso por dañinos y peligrosos shocks insulínicos. Finalmente, en mayo de 1972 fue declarado oficialmente demente y trasladado a la Unidad 13 del mismo nosocomio, una unidad penitenciaria donde se encierra a los criminales psicópatas.


Sin embargo, pudo fugar de ese lugar una madrugada, y se allegó a la estación Palermo (conocida como Pacífico), probablemente para abordar un tren del Ferrocarril San Martín que lo hubiese trasladado a su hogar. Ese día, 19 de mayo de 1972, a la hora 10:50 y por motivos nunca esclarecidos, Tanguito cayó (o fue arrojado), acabando su vida destrozado por las ruedas del tren sobre el puente que cruza la Avenida Santa Fe. Tenía 27 años.

La noticia de su muerte no fue recogida por ningún medio y el trágico episodio jamás fue investigado. Por lo tanto, no se conoce la causa real de su muerte. Pudo haber sido accidental, suicidio o incluso homicidio, ya que varios de sus amigos siguen afirmando que un policía lo arrojó del tren.


Los temas de Tanguito han sido interpretados numerosas veces por otros importantes artistas: La Balsa ha merecido muchas versiones; Amor de Primavera fue tocado muchas veces por Invisible y Natural se ha convertido en poco menos que un himno al amor, sobre todo después de la exitosa película de Marcelo Piñeyro, como también El Despertar de un Refugio Atómico considerada también como un testamento postumo del cantautor.


Tanguito ha sido reconocido como una de las figuras más trascendentes e influyentes de la historia del rock argentino. Miguel Grinberg afirmó que Tango fue el principal impulsor del pasaje de la lengua inglesa a la castellana en el rock nacional, apoyado por sus letras líricas, sencillas y contundentes.


Discografía:


Con Los Dukes:



        Sencillo, 1963

             

"Decí por qué no querés" (de Palito Ortega y Dino Ramos)

           

 "Mi Pancha"

      

  Sencillos, 1964

          

  "Carnaval, carnaval" (de Ball y Roger, versión castellana de Santos Lipesker)

           

 "Maquillada" (de Freddie Cora),



Como solista:



        Sencillos, 1968

           

 "La princesa dorada" (de Tanguito y Pipo Lernoud)

          

 "El hombre restante" (de Tanguito y Javier Martínez)

      

        -Tango (LP), 1973

            

        -Tango (LP, reedición), 1985



        -Tango (CD), 1993



        -Yo soy Ramsés (CD), 2009