domingo, 31 de marzo de 2013

DISCOS - BORN VILLAIN (2012) de Marilyn Manson





EL SONIDO Y LA FURIA


* * * 
BUENO



Ficha:

Publicación 30 de abril 2012
Grabación White Room, Westlake, Conway Recording Studios
Géneros Metal industrial, industrial, metal alternativo, heavy metal
Duración 63:25
Discográfica Cooking Vinyl y HELL Records
Productor Marilyn Manson

Reseña:


Para seguidores y detractores, Born Villain es un disco que condensa todas facetas sonoras de Manson en sus anteriores trabajos conceptuales, aunque aquí muestra un acabado menos complejo, más refinado y hasta letrado, ya que además de Shakespeare, alude a Charles Baudelaire. Con reminisencias de Rob Zombie, Revolting Cocks, Joy Division , el plato central abre con “Hey Cruel World…”, un llamado de atención a las falsedades de la gente, con un sonido crudo de guitarras, a la usanza de Portrait of An American Family.

“Overneath The Path of Misery” es el tema que sonaba en aquella exposición mencionada. Debido a que se trataba de la primicia, quizá sea prejuicioso decir que se trata de uno de los mejores temas incluidos en este álbum, pero es que tiene todo el potencial para ser un clásico del repertorio de MM.  Habrá qué esperar a ver qué espectáculo monta para su interpretación en los escenarios. “Flowers of Evil” es un tema que musicalmente bien pudo caber en Mechanical Animals, pero con una sordidez más densa. Claramente fue inspirado por ‘Las Flores del mal’, de Baudelaire.

“Murderers Are Gettin Prettier Everyday” es uno de esos tracks que no te esperas encontrar en un álbum de Manson, ya que incluye un solo de guitarra verdaderamente alucinante a lo Jeff Hanneman en Slayer.  “Breaking The Same Old Ground” quizá se trate del tema más personal de este álbum. Con un aire cuasi baladesco, Manson escribe sobre romper rutinas en tiempos donde ha declarado que quiso replantear su carrera desde cero cuando terminó su contrato con Interscope.

El plato culmina con el bonus track “You’re So Vain” en compañía de Johnny Depp en la guitarra y la batería, un cover de la cantautora Carly Simon que ya usó Trent Reznor con anterioridad para el estribillo de “Starfuckers Inc.” en ‘The Fragile’.

Su llegada al mercado acompaña al inaugurar la propia exposición de acuarelas de Manson llamada ‘The Path of Misery’. La ambientación lúgubre de la muestra remataba la idea conceptual del album con un tema nuevo como fondo musical. Junto a la muestra, una sala estuvo dedicada a Born Villain donde se anunció el título del álbum y fueron proyectados fragmentos del cortometraje realizado por Shia LaBeouf  (Overneath...) que homenajea ‘Un Chien Andalou’ de Luis Buñuel y Salvador Dalí.




Born Villain no se convertirá en un favorito dentro del catálogo Manson, pero definitivamente tiene el sello del músico de Ohio. Así como esa línea de William Shakespeare en ‘Macbeth’ que reza: “La vida es un cuento narrado por un idiota, llena de sonido y furia que no significan nada”.  El rock y su estado de cosas actual necesita a Manson y sus excesos como al agua. El Reverendo está de vuelta.


Tracklist:

1. Hey Cruel World…
2. No Reflection
3. Pistol Whipped   
4. Overneath The Path Of Misery  
5. Slo Mo Tion  
6. The Gardener   
7. The Flowers Of Evil 
8. Children Of Cain   
9. Disengaged   
10. Lay Down Your Goddamn Arms 
 11. Murders Are Getting Prettier Every Day   
12. Born Villain   
13. Breaking The Same Old Ground 


Link - full album:




jueves, 28 de marzo de 2013

CANCIONES - IN MY LIFE (Rubber Soul, 1965) de The Beatles




EL FIN DE LA INOCENCIA

* * * * *
EXCELENTE


 Ficha:
 
Álbum: Rubber Soul
Publicación: 3 de diciembre de 1965
Grabación: EMI Studios, Londres
(Octubre de 1965)
Género: Pop barroco, Rock
Duración: 2:28
Discográfica: Parlophone
Autores: Lennon—McCartney
Productor: George Martin

Reseña:

Con Rubber Soul, el disco que contiene esta imperecedera joya de tres minutos, los Betales iniciaron su experimentación con nuevos sonidos, exóticos instrumentos y distintas estructuras de canciones. 

No obstante, “In My Life”, compuesta y cantada por Lennon, aun retiene la luminosa inocencia que caracterizò al grupo en sus primeros años. De cierta manera, su obstinada nostalgia parece cerrar un capitulo de la vida del cuarteto y dar inicio a otro; aquel en cual el rock se vio forzado a diversificar sus temas.

Sumando a los relacionados con el amor y la celebración de la vida, los de Liverpool se inclinaron por otros mas urgentes para la agitada, cambiante y liberadora segunda mitad de los '60.

Letra:

There are places I'll remember
All my life though some have changed
Some forever not for better
Some have gone and some remain
All these places have their moments
With lovers and friends I still can recall
Some are dead and some are living
In my life I've loved them all

But of all these friends and lovers
There is no one compares with you
And these memories lose their meaning
When I think of love as something new
Though I know I'll never lose affection
For people and things that went before
I know I'll often stop and think about them
In my life I love you more

Though I know I'll never lose affection
For people and things that went before
I know I'll often stop and think about them
In my life I love you more
In my life I love you more


Clip - video musical:

 
 

miércoles, 27 de marzo de 2013

CANCIONES - A DAY IN THE LIFE (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, 1967) de The Beatles




DE ALGUNA FORMA DE ESO SE TRATA VIVIR


* * * *
MUY BUENA


Ficha:

Álbum: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
Publicación: 1 de junio de 1967
Grabación: EMI Studios, Londres
(Enero a Febrero de 1967)
Género: Rock psicodélico, Rock progresivo
Duración: 5:37
Discográfica: Parlophone, Capitol, EMI
Autores: Lennon—McCartney
Productor: George Martin

Reseña:

El cancionero del cuarteto de Liverpool esta plagado de imaginación y melodías inolvidables que aun hoy, a más de 30 años de la desintegración del grupo, suenan con insistencia por doquier. 

Esta composición de John Lennon, que en el momento de su aparición no llegò a las listas de popularidad, esta incluida en el disco que es para muchos la obra medular del rock: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Su tono narrativo y su contundente primera frase atrapan de entrada. 

Su titulo pone de manifiesto el alto grado de conciencia que su autor otorgaba a los acontecimientos cotidianos, así como su atención al correr de los tiempos. Uno puede cerrar los ojos, escucharla a buen volumen y correr por la pantalla la memoria las escenas mas determinantes de la agitada y liberadora década de los '60.

Letra:

I read the news today oh, boy
About a lucky man who made the grade
And though the news was rather sad
Well, I just had to laugh
I saw the photograph
He blew his mind out in a car
He didn't notice that the lights had changed
A crowd of people stood and stared
They'd seen his face before
Nobody was really sure if he was from the House of Lords

I saw a film today oh, boy
The English army had just won the war
A crowd of people turned away
But I just had to look
Having read the book
I love to turn you on.

Woke up, got out of bed
dragged a comb across my head
Found my way downstairs and drank a cup
and looking up, I noticed I was late
Found my coat and grabbed my hat
Made the bus in seconds flat
Found my way upstairs and had a smoke
Somebody spoke and I went into a dream
Ah

I read the news today oh, boy
Four thousand holes in Blackburn, Lancashire
And though the holes were rather small
They had to count them all
Now they know how many holes it takes to fill the Albert Hall
I'd love to turn you on

Link - versiòn de estudio:

 

martes, 26 de marzo de 2013

CANCIONES - ACROSS THE UNIVERSE (Let it Be, 1970) de The Beatles



UN VIAJE DE OTRO MUNDO


* * * * *
EXCELENTE


Reseña:

Otro argumento a favor de la desbordada inventiva de los Beatles es Acroos the Universe. Esta canción es uno de los ejercicios poéticos más ambiciosos de Lennon que, a través de elaboradas metáforas, hace alusión a un delirante estado mental. 

Difundida en 1970 como parte del álbum Let It Be, el ùltimo del grupo, evidencia su imaginación desbordada y la evolución de pensamiento que fue ganado gracias a sus numerosos viajes, su iniciación en las drogas y el encuentro con personajes determinantes de la cultura de aquellos días, como Bob Dylan.

Ficha:
Album: Let It Be
Publicación: 8 de mayo de 1970
Grabación: EMI Studios, Londres
Febrero de 1968 -Abril de 1970
Géneros: Folk Rock, Rock psicodélico
Duración: 3:47
Discográfica: Apple Records
Autor: John Lennon
Productor: Phil Spector (producción final)


Letra:

Words are flying out like
endless rain into a paper cup
They slither while they pass
They slip away across the universe
Pools of sorrow waves of joy
are drifting thorough my open mind
Possessing and caressing me

Jai guru deva om
Nothing's gonna change my world
Nothing's gonna change my world
Nothing's gonna change my world
Nothing's gonna change my world

Images of broken light which
dance before me like a million eyes
That call me on and on across the universe
Thoughts meander like a
restless wind inside a letter box
they tumble blindly as
they make their way across the universe

Jai guru deva om
Nothing's gonna change my world
Nothing's gonna change my world
Nothing's gonna change my world
Nothing's gonna change my world

Sounds of laughter shades of earth
are ringing through my open views
inciting and inviting me
Limitless undying love which
shines around me like a million suns
It calls me on and on across the universe

Jai guru deva om
Nothing's gonna change my world
Nothing's gonna change my world
Nothing's gonna change my world
Nothing's gonna change my world
Jai guru deva
Jai guru deva


Clip  -versiòn alternativa de Anthology 2 (1996):

lunes, 25 de marzo de 2013

CANCIONES - HIGHWAY 61 REVISITED (Highway 61 Revisited, 1965) de Bob Dylan


LA VIDA EN TRES MINUTOS


* * * * *
EXCELENTE



Reseña:

Es la canción mas difundida de quien se dice es el responsable de llevar la poesía al rock y al mismo tiempo parte de uno de sus álbumes mas brillantes. Highway 61 revisited, grabado en un momento de alta inspiración, a mitad de los años '60 representa la cumbre creativa dylaniana. “Me llegò sola”, recuenta su autor. “Ya sabes. Comenzò con el rasgueo de <La Bamba>”.

Una moraleja que da cuenta de la inestabilidad de la vida, ejemplificada en el cambiante destino de una mujer frívola antes exitosa y ahora en el total abandono, escrita por un Dylan implacable y fiel a sus principios que no ofrece concesión alguna. Es también la primera canción popular en llegar a la radio que rompe el molde de los tres minutos.

Desde siempre estableció una silenciosa correspondencia con los Rolling Stones, el grupo británico que finalmente, en 1995, la interpretò y la dejò grabada en su disco acústico Stripped, demostrando que aùn retiene la frescura de sus primeros días.

Ficha:

Álbum: Highway 61 Revisited
Publicación: 30 de agosto 1965
Grabación: Columbia Studios, Nueva York
Género: Rock, Folk
Duración: 3:30
Discográfica: Columbia
Escritor: Bob Dylan
Productor: Bob Johnston

Letra:

Oh God said to Abraham, "Kill me a son"
Abe says, "Man, you must be puttin' me on"
God say, "No." Abe say, "What?"
God say, "You can do what you want Abe, but
The next time you see me comin' you better run"
Well Abe says, "Where do you want this killin' done?"
God says, "Out on Highway 61."

Well Georgia Sam he had a bloody nose
Welfare Department they wouldn't give him no clothes
He asked poor Howard where can I go
Howard said there's only one place I know
Sam said tell me quick man I got to run
Ol' Howard just pointed with his gun
And said that way down on Highway 61.

Well Mack the Finger said to Louie the King
I got forty red white and blue shoe strings
And a thousand telephones that don't ring
Do you know where I can get rid of these things
And Louie the King said let me think for a minute son
And he said yes I think it can be easily done
Just take everything down to Highway 61.

Now the fifth daughter on the twelfth night
Told the first father that things weren't right
My complexion she said is much too white
He said come here and step into the light he says hmm you're right
Let me tell the second mother this has been done
But the second mother was with the seventh son
And they were both out on Highway 61.

Now the rovin' gambler he was very bored
He was tryin' to create a next world war
He found a promoter who nearly fell off the floor
He said I never engaged in this kind of thing before
But yes I think it can be very easily done
We'll just put some bleachers out in the sun
And have it on Highway 61.  


Clip - Vivo c/ Bruce Springsteen (Shea Stadium, 2003):




viernes, 22 de marzo de 2013

SHOWS - THE BEATLES ("The Rooftop Concert", 1969)






Un 30 de enero de 1969, el cuarteto de Liverpool dio su última presentación en vivo.

Todo comenzó como parte de un nuevo proyecto de los Beatles: la idea era componer canciones nuevas, presentarlas en un concierto y filmar el evento. Hacia años que la banda no salía de gira y las disputas internas eran moneda corriente. A pesar de todo, el grupo acordó tocar en la terraza de Apple Records, su sello discográfico, como cierre para el material pròximo a presentar, "Let it Be". 

El jueves 30 de enero de 1969 John Lennon, George Harrison, Ringo Starr y Paul McCartney tocaron durante 42 minutos junto al tecladista Billy Preston. Mientras el show se producía, las personas que pasaban por la calle y no entendían de donde venía la música comenzaron a amontonarse en la entrada del edificio Pero pronto, todo terminò. Un vecino se molestó por los disturbios y llamó a la policía. Los uniformados exigieron que dejen de tocar y el espectáculo terminó.

El dar un concierto en una azotea es un recurso bastante empleado entre diversos grupos musicales, ya sea en un videoclip (lo más común) o en directo. Pero poca gente (excepto los fans del grupo) recuerda que fueron los Beatles los primeros en hacerlo.
 

Inmersos en el proceso de creación del disco, que no hizo más que agravar las tensiones entre el grupo, los Beatles decidieron dar un último concierto en directo antes de separarse definitivamente. Siempre es un momento emotivo y propenso a sensaciones encontradas cuando un grupo de música se disuelve, pero la despedida de los Beatles ha pasado a la historia por como se produjo. Tras barajar diversas posibilidades, como dar un último concierto, los miembros del grupo decidieron finalmente decantarse por la solución más sencilla e impactante.

Evidentemente, la reacción de la gente fue de sorpresa. No todos los días se puede ver a los Beatles en directo -y mucho menos gratis- y el grupo era probablemente el màs famoso del mundo. Este final tan sólo ha contribuido a aumentar su leyenda, poniendo un curioso colofón a una carrera repleta de éxitos del que es, sin duda, el cuarteto musical más influyente y prolìfico de la historia del rock. 



Lista de temas:

1 - “Get Back” (Primero la tocaron para probar el sonido)
2 – “Get Back/bis” (Con el mismo tema comenzaron el recital)
3- “Don’t let me down”
4 – “Tve got a feeling”
5 – “One after 909″
6 – “Dig a pony”
7 y 8 –  ”I’ve got a feeling” “Don’t let me down”: El grupo volvió a interpretar otra vez estas dos canciones, pero solo las primeras versiones fueron editadas.
9 – “Get back”: La tocaron tres veces y solo quedó la última versión.

Clip - full show:

jueves, 21 de marzo de 2013

SHOWS - METALLICA (Radio City Anheim, 1982)




UN COMIENZO ACCIDENTADO


Un 14 de marzo de 1982, Metallica tocó por primera vez en vivo. El lugar elegido fue Anaheim, California, precisamente en el Radio City, donde estuvieron frente a unas 200 personas.

En esa oportunidad, el grupo se presentó con Lars Ulrich en Batería, Dave Mustaine en Guitarra, Ron McGovney en el bajo y James Hetfield en voces, sin guitarra. Hay que recordar que antes de esta formación, probaron con otros integrantes como        Lloyd Grant en guitarra y Sammy Dijon como vocalista, pero no funcionaron.

Hetfield dijo en declaraciones la revista “Kerrang”: “El primer show fue en el Radio City y yo sólo estaba cantando. Había un montón de personas en ese lugar, quizás unas 200, porque estaban todos mis amigos del colegio, y los amigos de Lars, Dave y Ron. Yo estaba muy nervioso y un poco incomodo sin una guitarra y en eso, Dave rompió una cuerda durante la primera canción. Parece que se tomó una eternidad en cambiar la cuerda, y yo estaba ahí parado, estaba realmente avergonzado. Estábamos realmente decepcionados después de eso, y nunca tuvimos el número de seguidores en los shows siguientes como en ese primer show”.

La banda de heavy metal más importante de la historia se sobrepondrìa a los problemas tècnicos y de sonido y volverìa a actuar, esta vez en el mítico Whiskey a Go Go de Los Ángeles, como teloneros de Saxon, dos semanas mas tarde.
 
Irònicamente, tan decepcionantes fueron estas dos primeras experiencias en directo que los miembros de la banda se plantearon fichar a otro cantante, para que así Hetfield, que por aquel entonces tenía 19 años, se concentrase sólo en tocar. Hecho que jamàs ocurrirìa, y Heitfeld y Metallica se encaminarìan juntos a una trayectoria impecable de màs de tres dècadas que comenzò, una noche de marzo, ante la mirada atenta de unos pocos privilegiados.

Lista de temas

-Hit the lights
-Blitzkrieg
-Helpless
-Jump in the fire
-Let it loose
-Sucking my love
-Am I evil?
-The prince
-Killing time


Foto de la formaciòn momentos antes del show:


miércoles, 20 de marzo de 2013

ARTÌCULOS - FITO PÀEZ 50 AÑOS, parte III (Especiales La Viola, 2013)




Fito y su otro gran amor: el cine

 


Como director, el rosarino realizó dos películas y un mediometraje:

ACCIÓN. Con la mirada puesta en la cámara. ACCIÓN. Con la mirada puesta en la cámara.

Se sabe que la pasión de Fito Páez es la música. Que su desempeño con grandes y populares artistas forjó a este músico rosarino. Pero otro de sus grandes gustos en la vida es el cine.

Páez filmó dos películas y un mediometraje y estuvo detrás de varios de sus videoclips, principalmente desde la época posterior al disco El Amor Despues del amor.

"A nivel personal la experiencia de escribir una, filmarla y hasta producirla íntegra es muy poderosa", dijo en su momento sobre una de sus realizaciones más importantes: Vidas Privadas (2001).

El film narra la historia de una mujer exiliada de la Argentina que vuelve al país desde España por la enfermedad de su padre. Protagonizada por Cecilia Roth y Gael García Bernal fue su primera gran producción.

Antes, en 1995, había filmado La balada de Donna Helena (del tema homònimo del album "El Amor Despuès del Amor") un mediometraje también con Roth y Lito Cruz, entre otros.

Su última película fue ¿De quién es el portaligas?, del 2007, donde con una estética almodovariana cuenta la vida de tres rosarinas que viven en la década del 80. Sus protagonistas son Romina Ricci, Julieta Cardinali y Leonora Balcarce.

El dato a tener en cuenta es que sus tres películas están encabezadas actoralmente por quienes fueron sus mujeres: las dos primeras por Roth y la última por Ricci.

En su experiencia como director también cuenta su participación en la dirección del videoclip de Estelares, "Las Trémulas Canciones"



Archivo Fuente: 13 de Marzo de 2013, La Viola en Concierto (www.tn.com.ar)


Clips:
 
Extracto del mediometraje para el videoclip de La Balada de  Donna Helenna:


 Trailer de "Vidas Privadas":

 
Trailer de "De Quien es el Portaligas?":



 Videoclip "Las Trèmulas Canciones", dirigido por Fito Pàez:
 

martes, 19 de marzo de 2013

ARTÌCULOS - FITO PÀEZ 50 AÑOS, parte II (Especial La Viola, 2013)






Los 50 de Fito Páez: su rueda mágica



AÑOS. Sus canciones son la banda sonora de muchas generaciones. 

Fito Páez es una de esas personas que pudo conectar los sentimientos personales con los ideales de una época y varias generaciones. Su big bang fue Del 63, diagramado en su cabeza durante su gira con Charly García, en 1983. Hoy, a sus 50 años su producción artística sigue intacta: prepara un show en el Luna Park, tres discos y una novela.

La noche anterior a la mezcla del álbum recibió un llamado de la compañía discográfica en el que le decían que no podía presenciarla porque era menor de edad. El músico entró en crisis y pasó toda la noche escribiendo en un cuaderno la compleja configuración sonora del disco. Canción por canción. "Parecía la Constitución Nacional", bromeó el músico en una entrevista con Jorge Guinzburg. "Fui con el paquete a la mezcla y me quedé esperando afuera. 45 minutos después les dí pena y me dijeron que era una broma", recordó el músico.

INFANCIA

Páez tuvo que lidiar desde muy chico con las ausencias. Cuando tenía 8 meses de vida, su mamá, Magarita Zulema Ávalos, una concertista de piano y profesora de aritmética y álgebra, falleció por un cáncer de hígado. Criado por la calidez de su padre Rodolfo Páez, un melómano casero y empleado municipal, y su abuela.

Una de las primeras aproximaciones con la música fue a través de la ejecución de un bombo leguero que le regaló su padre. Atraído por el golpeteo rítmico, tal vez la base de su ejecución al piano, el pequeño Rodolfo se encaminó hacia el aprendizaje musical.

En varias oportunidades declaró que nunca fue bueno con los métodos, pero que su habilidad estuvo relacionada a un oído prodigioso. Es por eso que cuando fue a estudiar con quién había sido profesor de su madre, frente a su casa, fueron su astucia y picardía las que lo ayudaron con las primeras lecciones del piano.

Rodolfito pedía a su profesor que ejecute una pieza, observaba, miraba los movimientos y cruzaba la calle de vuelta para ejecutarla rápidamente y, así, no olvidarse. De esta forma pudo zafar meses del estudio de los métodos clásicos hasta que una nota mal puesta en la introducción de Rhapsody in Blue, de Alexander Herzog, lo deschavó ante el riguroso profesor.

El estudio clásico quedó por un tiempo de lado. Y llegó el rock y la libertad del jazz. La siguiente aproximación musical fue filosófica: entendió que la música era en lenguaje que puede llegar a despertar a cualquier persona, y al mismo tiempo le permitía vivir sin que su dolor le pese tanto, o al menos canalizarlo en un pulso violento de canción.

HACIA LA CIUDAD

Los Beatles era una banda adolescente, manejada por grandes, que un día despertó a un muchacho llamado Charly García. Que a su vez despabiló a un rosarino llamado Rodolfo Páez. "Fito" llegó a los 18 años a Buenos Aires bajo las huestes de Juan Carlos Baglietto, para un concierto organizado por la revista Humor, en 1981. El show, organizado en Obras Sanitaras, fue en contra de la presentación del cantante Frank Sinatra, que había sido traído por Palito Ortega, supuestamente patrocinado por los militares.

Después de su participación compositiva en los dos discos de Baglietto, Actuar para vivir y Tiempos Difíciles, fue convocado por Charly García para formar parte de su banda como tecladista para la gira de Clics Modernos, en remplazo de Andrés Calamaro. Con tan buenos resultados que quedó incorporado en el equipo para formar parte de la grabación de Piano bar.

En 1984 sacó Del 63 y un año después, Giros, ​disco que lo colocó por su fusión entre rock, folcklore y tango, en la escena musical argentina. Ocupaba un lugar más serio y profesional. Los dos primeros trabajos lo llevaron a girar por primera vez como solista.

Sus sentimientos plasmados en canciones parecían estar desfasados con la edad del compositor, pero a la vez, muy conectados con los sentimientos del momento. Así es que con 22 años fue reconocido internacionalmente por canciones como "Yo vengo a ofrecer mi corazón", "11 y 6" y "Cable a tierra". En 1986 grabó La la lá con Luis Alberto Spinetta y ahí sí, después de grabar con Baglietto, Charly y El Flaco, Páez había llegado a las nubes.

TRAGEDIA

Fito Páez seguía avanzando en su carrera. Con tres discos editados, ya se lo reconocía como un referente de la nueva música. Pero llegó la tragedia a su vida. Mientras estaba de gira en Brasil, su abuela Delma Zulema Ramírez de Páez, su tía abuela Josefa Páez y Fermina Godoy, mujer que las cuidaba y estaba embarazada, fueron bestialmente asesinadas.

"No puedo explicar cómo quedó el cuarto del hotel en Río. Lo destrocé. Dolor violento. Perdí tanto la conciencia que hoy no me acuerdo exactamente lo que sucedió. Era como un animal enjaulado en su propio dolor", relató sobre ese episodio. Al dolor de la terrible pérdida, que llegaba un año después de la muerte de su padre, Páez sufrió el exilio legal ya que su abogado le recomendó que no vuelva al país porque la policía lo señalaba como uno de los responsables del hecho, por una supuesta conexión con narcotraficantes que las habrían asesinado por un ajuste de cuentas.

Desde las tripas y la bronca salieron dos discos más: Ciudad de Pobres Corazones, definido por el mismo artista como un paseo por el infierno y Ey! que marcó el fin de su contrato con la discografíca EMI y renovó su forma de componer abriendo las puertas de lo que sería un concepto compositivo claro en el músico. Fusionar, ya no sólo las rítmicas, sino los géneros. Así, la música y el cine venían de la mano en cada disco creado.

DESPUÉS DEL DOLOR

Tercer Mundo (1990), El amor después del amor (1992) y Circo Beat (1994) llegaron como una redención para el artista y una especie de fotografía musical de los tiempos que corrían. El éxito de estos discos le generaron una crisis personal que lo llevó a un "silencio" artístico que subsanó componiendo un disco con Joaquín Sabina: "Enemigos Íntimos".

Su carrera solista siguió con la trilogía de Abre (1999), Rey Sol (2000) y Naturaleza Sangre (2003), que lo llevaron a repensar nuevamente su carrera.  Esta instrospección le hizo resignificar la obra de sus principales influencias, lo que el denominó un "tridente" que integraban Lito Nebbia, García y Spinetta, homenajeado en Moda y pueblo (2005). Su amor por el cine quedó cristalizado en el El mundo cabe en una canción (2006) y el minimalismo de Rodolfo (2007) lo posicionó como uno de los pianistas de la canción popular más importantes de latinoamérica.

Confiá (2010) fue el regreso a la formación clásica de banda de rock. Fito Páez eligió a un grupo de músicos, los encerró en un hotel en Córdoba y compuso un nuevo trabajo. Después llegaron Canciones para Aliens (2011) y la celebración de los 20 años del Amor después del amor.

Páez llegó a los 50 con un empuje envidiable. A punto de dar un show en el Luna Park el 22 de marzo, tiene proyectado editar tres discos: El sacrificio, La vuelta al mundo en globo y Dreaming Marietta.


Archivo: Martes 12 de Marzo del 2013 | La Viola en Concierto (www.tn.com.ar)

lunes, 18 de marzo de 2013

ARTÌCULOS - FITO PÀEZ 50 AÑOS, parte I (Especial La Viola, 2013)






Fito y compañía

sus trabajos con referentes de la música



El rosarino trabajó con reconocidos artistas como Juan Carlos Baglietto, Charly García, Luis Alberto Spinetta y Joaquín Sabina.

En 1982 un joven rosarino de pelo enrulado y dedos largos sorprendió tocando los teclados y componiendo grandes canciones junto a Juan Carlos Baglietto. Era el comienzo de la llamada trova rosarina. Ese año marcó una bisagra en la música nacional. La Guerra de Malvinas y la prohibición de difundir música en inglés sirvió para lanzar a una gran cantidad de artistas nacionales a las radios.

Baglietto editó su primer disco Tiempos Difíciles. Desde la tapa, (el cantante junto a una nena, imitando a la película de Charles Chaplin, "El Pibe")  el intérprete ya mostraba un camino musical muy especial. Fito Páez,  Abonizio, Fandermole, Lalo de los Santos y Rubén Goldín, entre otros, formaban parte de la usina creador

“Fue un disco que nos permitió llegar al corazón de la gente. No fue fácil, llevó un tiempo. No todo fue alegría, a lo largo de esta carrera, también tuvimos muchos sinsabores. Pero lo principal es el reconocimiento del público después de tantos años", le contó Juan Carlos Baglietto a La Viola Web.

Luego del segundo disco, Actuar para vivir, Fito dejó el grupo para buscar nuevos rumbos.

Páez y su encuentro con Charly García:

“Yo a García lo escuché desde muy chico, es una de mis influencias, crecí con su música, tanto como con la música del loco (Lennon) o de Gershwin, o la de Mercedes Sosa. Hay cosas que siempre están influyéndote”, le contó Fito a Gloria Guerrero en una entrevista a la Revista Humor en 1984.

El ex Seru Giran lo convocó al músico para sumarse a los shows de Clics Modernos en el lugar de Andrés Calamaro. Este importante disco solista de Charly fue presentado el 15, 16, 17 y 18 de diciembre de 1983 en el estadio Luna Park.

Al año siguiente, García publicó Piano Bar, material que contó con la participación de Fito Páez en los teclados. “Grabar ese disco fue una experiencia única. Yo ya estaba tocando con Charly; veníamos de la gira de Clics. En el arranque pasó una cosa muy curiosa, porque Clics fue un disco problemático: la gente no entendía nada y la prensa no entendía nada. Creaba una estación de mucha vanguardia que se sigue manteniendo porque no se ha vuelto a hacer un álbum de esa envergadura en este país”, le contó Fito a la revista La Mano.


Clip - "Making of" de Piano Bar:






Fito, "El Flaco" y "Lalala":


Luego de la experiencia de trabajar con Charly García, Fito se metió en un proyecto con otro prócer del rock nacional: Luis Alberto Spinetta.

La experiencia terminó bajo el título Lalala, un álbum que en el formato vinilo traía 20 temas distribuidos en dos discos. En la salida en CD se incluyeron los primeros 19 temas, dejando fuera la última canción denominada "Hay otra canción", que fue el único tema compuesto por ambos.

“Este fue un proyecto difícil de concretar, sobre todo en vivo, y si se hizo, es simplemente porque Luis puso la mejor onda como para llevarlo adelante”, destacó Páez.

Las compañías discográficas de cada uno de los artistas no quisieron que ese proyecto se plasmara y pusieron varias trabas legales. “Son los líos de siempre. Odeón no me quiere ceder a mí a Interdisc, e Interdisc no lo quiere ceder a Luis a Odeón. Entonces están peleándose por eso. Por más que peleen; lo vamos a hacer por gusto, lo vamos a bancar y lo vamos a grabar”, le contó Fito a Gloria Guerrero en 1986, antes de su salida.







Clip - LaLaLa album completo:





Su experiencia con Joaquín Sabina:

El rosarino publicó en 1998 el disco Enemigos Íntimos junto a Joaquín Sabina. El dúo se mantuvo unido lo que tardó en grabarse el material. Por problemas personales no lo presentaron en vivo.

El primer corte de difusión fue “Llueve sobre mojado”.  "Siempre tuvimos un vínculo de muy buena leche con Joaquín, en el momento las cosas se disparataron, pero la verdad es que fue muy sencillo recuperar la amistad”, aseguró después de unos años.


Clip - Enemigos ìntimos album completo:







Mi vida con ellas:


El músico homenajeó, en un disco doble, a mujeres que estuvieron ligadas a su vida. Fue lanzado oficialmente el 8 de diciembre de 2004.

Mi vida con ellas salió en dos partes: en el disco 1 podemos encontrar posando en la tapa a Fabiana Cantilo, Charito Gómez, Divina Gloria, Romina Ricci, Ana Álvarez de Toledo, Jorgela Argañaras y Macarena Amarante.

Mientras que en la parte 2 están Cecilia Roth, Fernando Noy (travesti), Dolores Fonzi, Claudia Puyó, Sonia Lifchitz, Rosario Delgado, Romina Cohn y Nora Lezano.


  
Fuente: La Viola (www.tn.com.ar)

domingo, 17 de marzo de 2013

SHOWS - PATRICIO REY Y SUS REDONDITOS DE RICOTA EN CÒRDOBA (4/8/2001) // Parte II








No lo soñé:El impacto
del concierto en el rock cordobés






Agosto de 2001. Apenas si teníamos una cuenta de Hotmail. De la Rúa gobernaba. Para mi generación, fue el primer voto en presidenciales un par de años atrás, cuando nos vinimos a vivir a Córdoba. Hace diez años ya, la Universidad transitaba un paro eterno que indicaba la pérdida del cuatrimestre y la crisis de diciembre se vislumbraba no tan tímidamente.

Debo confesar que siempre fui un escucha muy atento y admirador de las letras y el fenómeno de Los Redondos, mas no así de su música. No obstante, me resultaba muy atractivo el  camino abierto por ellos en discos como Lobo Suelto Cordero Atado; Luzbelito; y Último Bondi a Finisterre, discos que yo ubico entre los mejores de mi discografía personal.

Lo que recuerdo de el show, fue que me resultaba muy raro ver la previa de una noche que iba a ser, en cierto sentido mágica: por el público siendo un fenómeno por sí mismo con sus cánticos y sus banderas inundando el viejo Chateau Carreras y una banda en lo mejor de su creatividad, ofreciendo una puesta de las mejores de ese momento para una banda nacional, con pantallas mostrando toda la iconografía rocambolezca, pero en animaciones tridimensionales computarizadas (en ese momento llamaban la atención).

Los Redondos en sí se transformaban en la música de toda una generación y el público ricotero buscaba el protagonismo del momento, algo que era emocionante de ver y difícil de aplicar a nuestras realidades de músicos locales peleando por un lugar dentro de la cultura musical cordobesa. 

Ahí fuimos entendiendo lo que significaba ser un artista popular y no un mero producto del mercado. Nunca pudimos saber donde nos llevaría esa evolución de que fuimos testigos de una banda que definitivamente marcó a varias generaciones. Haber estado ahí, personalmente me sirvió para trazar mi camino, camino difícil si los hay.
 
Unos días antes del concierto, la noticia que copaba los títulos locales era la del profesor de 48 y alumna de 14 fugados y enamorados. Un mes después, el mundo cambiaba con las imágenes de los dos aviones chocando contra las Torres Gemelas. Pero esas son otras crónicas.

Como correspondía, íbamos a verlo todo. Incluso aquellas bandas que, al menos en mi caso, no integraban el podio de las favoritas. Así y todo, era el encuentro que convocaba a todo el que se preciara de ir a recitales. Si se daba a algunas cuadras, ¿cómo no ir? 

Estábamos viviendo la adolescencia extendida y necesitábamos un signo de pertenencia a un rock argentino que reaccionara contra la pequeña aldea. Y un concierto de esas dimensiones, nos conectaba con lo grande de la escena nacional, incluso a aquellos que no seguíamos a Los Redondos con devoción.

Al mediodía, cerca del Chateau, la postal era la siguiente: Gendarmería Nacional, cámaras de Crónica Televisión, acampantes y caminantes de todo el país con el colorido oscurantista de las remeras ícono de los seguidores y alguno que otro desafió el invierno y la contaminación y se sambuyó en el río. Nunca vi tanta gente en las inmediaciones del Estadio Córdoba autoconvocada para la presentación de un disco raro para su momento y en lo que fue, sin que los asistentes nos percatáramos, el último concierto de la banda. 

El show comenzó pasadas las 7 de la tarde, y recuerdo poco: un chico que en el fondo del campo me pidió permiso para pasar mientras corría hacia donde había que estar, la pantalla enorme, el agite inconmensurable cuando sonó Sheriff -LA canción de Momo Sampler- y el calor que exudaba el pogo iluminado por las bengalas (ahora mala palabra, antes la luz de la mística) cuando cerca del final sonó Juguetes Perdidos. 

Volví a ver la misma cantidad de gente en el Estadio Córdoba durante el concierto de Soda Stereo. Nobleza obliga, el colorido y la potencia de la tribuna ganó por intensidad y el campo, por tranquilidad a pesar del muerto, Jorge Felippi, que antes del recital cayó a una fosa.

Nos enteramos luego del show. Como también supimos tarde que fue el último y, por ende yo, que nunca había asistido a una misa ricotera, cuento con orgullo el haber estado ahí. El fervor de saber que eso estaba en nuestras manos, maravilló y cambió la manera de ver lo que vino después.


Por  Miguel Terrenal y Julieta Fantini
Fuente Archivo: www.rocknuestro.com.ar



Clip - "Sheriff":