jueves, 29 de agosto de 2013

DISCOS - DIARIO DE UN PEATÒN (2003) de Joaquìn Sabina





SABINA DIXIT, POETA SIGLO XXI


* * * * *
EXCELENTE




Diario de un peatón es el decimoséptimo disco de Joaquín Sabina, publicado venta en 2003. Es un doble CD en formato disco-libro que incluye el disco "Dímelo en la calle" íntegro, además de un segundo que recoge temas inéditos, rarezas, caras B y dos vídeo clips. El libro viene con abundantes textos e ilustraciones obra del propio Joaquín. Incluye también extractos del recién publicado por esa época, el libro de letras "Con buena letra", autoría del poeta andaluz.

Luego del ACV que pusiera su vida en peligro en 2001 Sabina vuelve al ruedo, pero pronto la obligada gira se suspende por problemas en sus cuerdas vocales. Aquello de "Ya no cierro los bares/ ni hago tantos excesos" ha pasado a la historia, el poeta experimenta un oscuro trance de instrospecciòn y retiro. En este tiempo sigue bajo los efectos de la depresión y reduce su actividad musical, pero potencia enormemente su faceta literaria como trovador moderno.

Joaquín Sabina ha puesto un poco de orden en sus archivos y ha sacado el polvo a 12 canciones perdidas en un nuevo lanzamiento, el libro disco Diario de un peatón. El trabajo incluye, además de textos de canciones y numerosos dibujos realizados por él mismo, dos compactos: uno de ellos incluye su último lanzamiento, Dímelo en la calle, y el segundo pasa revista a una docena de piezas inéditas y rarezas procedentes de diferentes momentos de su carrera.

Diario de un peatón llega tan sólo seis meses después de la edición de Dímelo en la calle, un disco que prolonga la bonanza comercial de Sabina (ha vendido unos 350.000 ejemplares). El nuevo lanzamiento, con formato de libro y tapa dura, contiene, además de las 12 canciones, dos videoclips -los de 69 Punto G y Lágrimas de plástico azul-. Tanto el dibujo de portada como los reproducidos en el interior llevan la firma del propio Sabina.

Para el seguidor de cantautor de Jaén, el interés recae, sobre todo, en el segundo compacto, que rescata material inédito de las sesiones de Dímelo en la calle y curiosidades de otras épocas. Con una gran diversidad de estilos musicales: desde la sevillana hasta el blues, pasando por el rock según patrones ochenteros, el merengue y el medio tiempo con guiños de ragtime.

Se abre con una de las canciones más chocantes, Ratones coloraos, una sevillana que el cantautor compuso para el programa de entrevistas de Jesús Quintero en Canal Sur. En una segunda versión del corte, Sabina da alas a un nuevo género: la sevillana rap. Aunque, puestos a desentonar con el sonido tradicional de Sabina, el momento más estridente del disco corre a cargo de Benditos malditos (al pil pil), una canción con ritmo electrónico de trazo grueso y guitarras casi heavy metal, una inaudita muestra de bakalao de autor que hasta ahora sólo había circulado en un extraño sencillo lanzado en el 2002.

Abunda el material de la cosecha del 2001-2002, con muestras como Ay Calixto, un agitado merengue de letra arrebatada, que Sabina compuso, ha dicho, "para cantarla, alguna vez, con Juan Luis Guerra". O como La canción más hermosa del mundo, ya conocida y aquí registrada a dúo con Pablo Milanés, luego de registrar una versiòn junto a Paz Vega. Canción de cuna de la noche y los tejados, de 1997, fue compuesta para la banda sonora de Siempre hay un camino a la derecha, de José Luis García Sánchez.

Doble vida fue grabada por el cantante argentino Juan Carlos Baglietto en su disco Corazón de barco, de 1993, y aparece ahora en la versión inédita de su autor. De esa misma época proceden la maqueta de Incluso en estos tiempos y el medio tiempo jazzístico Flores en la tumba de un vasquito.

En otra canción inédita, Me plantó la princesita azul, Sabina evoca a un amor con ciertos problemas de sintonía amorosa y no sin menos nostalgias de varón abandonado: "Se me dormía con la Novena / No digería la magdalena de Marcel Proust / Si me pillaba cantando un blues me regañaba / Pero en un colchón mejoraba mi mejor canción". El ritmo es, claro, de blues. Y el ritmo de los trabajos del jienense, vertiginoso e irresistible.  



Lista de canciones

    "Ratones coloraos (sevillanas)" - 3:22
    "A vuelta de correo" - 6:11
    "Ay Calixto" - 6:56
    "Canción de cuna de la noche y los tejados" - 3:56
    "Flores en la tumba de un vasquito" - 4:21
    "La canción más hermosa del mundo" (con Pablo Milanés) - 4:56
    "Benditos malditos (al pil pil)" - 6:35
    "Doble vida" - 3:51
    "Me plantó la princesita azul" - 3:40
    Incluso en estos tiempos" - 2:50
    "Retrato de una familia con perrito" (maqueta) - 6:12
    "Ratones coloraos" (rap) - 3:21


Clip - audio de "Me Plantò la Princesita Azul":





DVDs - PUNTO...Y SEGUIDO (2006) de Joaquìn Sabina



 



SABINA DESEMPOLVA UN TESORO


* * * * *
EXCELENTE



"Punto...y seguido" es un doble álbum recopilatorio del artista español Joaquín Sabina. Lo componen 2 cajas con su discografía y material inédito puesto a la venta en 2006.

Índice


I.    "Punto..."

La caja Punto... (1980-1990) contiene 9 CDS y 1 DVD: los siete primeros discos de su carrera (uno de ellos doble en directo) además de 1 CD extra con colaboraciones, homenajes y dúos realizados por Joaquín Sabina a lo largo de su carrera (incluyendo sus grabaciones con La Mandrágora, Los Secretos, Burning, Ana Belén; homenajes a Serrat y Tequila o su mano-a-mano con Fito Páez en Enemigos Intimos). Asìmismo, contiene un DVD inédito en el que por primera vez se recogen las actuaciones de Sabina en TVE desde el comienzo de su carrera (en el programa "Si yo fuera presidente" de Fernando García Tola) hasta sus presentaciones más recientes (como el homenaje a Pablo Neruda): más de 40 actuaciones en televisión, la mayor parte de ellas en directo, que conforman un recorrido histórico, lleno de nostalgias. 

Un recopilatorio absolutamente vital para entender la evolución de un artista cuya trayectoria musical sí que está completamente “globalizada”: del rock al pop, pasando por la rumba, la ranchera, la canción española, el tango e, incluso, el rap.

Lista de Canciones

    -Passejant per Barcelona
    -Esto es un atraco
    -Ojos de gata
    -A la sombra de un león
    -No hago otra cosa que pensar en ti
    -Jugar por jugar
    -Nosotros
    -Rock 'n' Roll en la plaza del pueblo
    -Tu arma en el sur
    -Más guapa que cualquiera

II.    "....y Seguido"

La caja y seguido (1992-2005) contiene asimismo 9 CD y 1 DVD: los siguientes 7 discos de su carrera (otro de ellos doble en directo), más 1 CD extra con otras colaboraciones, dúos y homenajes entre las que se incluyen grabaciones con Miguel Ríos, Café Quijano, Pablo Milanés o María Jiménez, y sus homenajes a Triana, Aute, Bambino, Calamaro o Krahe. Además de colaboraciones/homenajes inéditos con artistas latinoamericanos (Charly García, Baglietto, José Alfredo Jiménez) y que por primera vez se publican en España. 

El DVD de esta caja es asimismo inédito comercialmente e incluye, por un lado, los 21 videoclips realizados a lo largo de su carrera (desde Así estoy yo sin ti hasta Resumiendo) y, por otra, un concierto también inédito de una hora de duración grabado en 1994 en Las Ventas de Madrid durante la gira presentación de su álbum Esta boca es mía.

Lista de Canciones

    -La bien pagá
    -¿Quién es Caín, Quién es Abel?
    -Desnuda la mañana
    -María de las mareas
    -Aves de paso
    -Otro jueves cobarde
    -Con dos camas vacías
    -La Magdalena
    -No puedo enamorarme de ti
    -Motivos de un sentimiento
    -Las ciudades
    -No tienes corazón
    -Culpable
    -Amo el amor de los marineros
    -Rubia de la cuarta fila
    -Don Andrés Octogenario
    -Todavía una canción de amor


Clip - extracto de DVD (parte 1/12):


miércoles, 28 de agosto de 2013

MÚSICOS - SANTANA (1947-)








EL SONIDO LATINO




Carlos Humberto Santana Barragán (Autlan de Navarro, Jalisco, México, 20 de julio de 1947), es un guitarrista mexicano de jazz rock y rock latino, multiganador del Grammy. Es considerado el 20º mejor guitarrista de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.

Su padre fue violinista en una banda de mariachi en Michoacán. De joven, Carlos aprendió a tocar el violín, pero lo cambió por la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana. Carlos, a los ocho años se dedicó a la guitarra, estudió y emuló los sonidos de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker bajo la tutela de Javier Bátiz. Mientras tanto tocaba con conjuntos locales como Los T.J.'s del cual era bajista, donde añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década del cincuenta. Al seguir tocando con diferentes conjuntos a lo largo del recorrido "Tijuana Strip," comenzó a perfeccionar su estilo y sonido.

Al principio se quedó en Tijuana para mejorar su pericia musical en los clubes locales, cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California en el año de 1961, pero pronto la siguió, se encontró matriculado en la escuela, aprendiendo inglés, y queriendo tocar música. Al mismo tiempo, Carlos fue sumergido en el ambiente pintoresco de San Francisco, con sus diversas influencias culturales y estilos musicales. El destino llevó a Carlos al sitio y época correcta, colocándolo en medio de la floreciente y enorme escena musical que era el área de la Bahía.

En 1965 recibió la ciudadanía estadounidense y al año siguiente debutó con la Santana Blues Bandy y llegaron, del histórico Filmore West de Bill Grahams al escenario principal del memorable Woodstock Peace, Love, Music festival, donde el 16 de agosto de 1969, Santana entregó a las masas su explosión de rock con sabor latino. Su melodía: "Black Magic Woman" conocida en México como mujer de magia negra" abrió su participación. El tuvo otros éxitos importantes: "Soul Sacrifice", "Jimbo lo-ba-lo-ba", "Gypsy Queen", "Oye como va" con el clásico sonido de Santana raspando la guitarra, y su inolvidable éxito del año 1971: "Samba pa'ti", "Sin depender de nadie", "Guajira". Su albúm Abraxas tuvo ventas importantes en México y Latinoamérica, con el sello CBS.

Carlos Santana se quedó con el nombre de la banda y continuó su gira por los Estados Unidos con una serie de músicos distintos, lanzando varios álbumes. Durante este período Santana adoptó el nombre «Devadip», conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En 1991, Santana colaboró en el álbum de Ottmar Liebert Sólo para ti, en las canciones Reaching out 2 U y una grabación nueva de su propia canción "Samba pa' ti". Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998. 

En 1971 el general Juan Velasco Alvarado le prohibió tocar en el Perú y lo expulsó del país tras clasificarle "hippie imperialista". En 1972 Santana tomó la delantera de John McLaughlin y se dirigió en una dirección espiritual, de jazz / fusión.

Desde 1976 todavía se estiró instrumentalmente, pero incluía rock convencional y elementos de baile, una combinación que ha mantenido. En este mismo año compuso uno de sus más grandes éxitos conocido como "Europa" misma que en su boceto original se denominó "ahí viene la señora con cara de hongo que viene al pueblo".

Para 1992 canceló su contrato con Columbia y después grabó con Polygram y Arista Records. Mientras sus conciertos en vivo tenían una reputación para la excelencia, Santana no tenía un hit muy importante desde 1981 hasta 1999.

Santana surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, Wyclef Jean, Dave Matthews, y el grupo mexicano Maná. La intervención de Maná en el disco acompañando a la guitarra se debió a su buena relación con Fher Olvera. Supernatural se hizo platino 25 veces, fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy. El éxito del año 1999, fue "Smooth" con la cual permaneció en el número UNO de acuerdo con lista de Billboard, por 9 semanas.

El mundo musical adoptó a Carlos con pasión. Estaban fascinados con su música siempre cambiante, exaltadora, creciente y consistente. Cada nuevo estreno, incluyendo ocho álbumes de oro y siete de platino, llegó de ser un reflejo del crecimiento y evolución personal de Carlos. Los aficionados también fueron encantados con sus mensajes, incitaciones gentiles hacia la paz, compasión, alegría y comprensión que consistentemente ha entregado de manera sincera y personal en sus espectáculos en más de 50 países.

Su pasión por explorar diferentes vertientes de la canciòn, adentrarse en variados gèneros y unirse en colaboraciones con diversos artistas, lo cual le ha forjado una carrera versàtil y multi instrumental, habièndose permitido aventurarse en nuevos territorios tanto geográficos como musicales, incluyendo escorificar la película principal La Bamba. Su eclèctica concepciòn del arte le lelvò a lanzarse en un recorrido en 1988 con el saxofonista de jazz Wayne Shorter y participar en el "Rock'n Roll Summit" de 1987, el primer concierto patrocinado en conjunto por los EE.UU. y la Unión Soviética en toda la historia. Además de ser un presente para beneficio de varias causas notables, tales como "Blues for Salvador", "California Earthquake Relief", huérfanos de Tijuana, los derechos de Gente Indígena y educación para la juventud latina en sociedad con Hispanic Media & Education Group.

A Carlos se le ha votado el mejor guitarrista de rock en un escrutinio de la revista Playboy y, en 1977, el conjunto Santana fue el primero en ganar honores de CBS Records Crystal Globe Award por haber vendido 5 millones o más álbumes internacionalmente.

Recibió un Grammy para el mejor espectáculo instrumental de rock en 1988 además de ser el sujeto de un concierto de tributo especial patrocinado por N.A.R.A.S. (por sus siglas en inglés) durante la celebración de los Honores del Grammy en 1996 en coyuntura con su inducción dentro del Hollywood Rock Walk. Recibió diez honores de Bammy I incluyendo seis de El Mejor Guitarrista y tres honores de Músico del Año) y, en 1997, fue entre el grupo inaugural, junto con los finados Bill Graham y Jerry García, elegido al Bammy Hall of Fame.

En 1996, Carlos recibió Honor de Billboard Century, el honor más alto de la revista Billboard Magazine, para logro creativo, y fue nombrado Leyenda de la Música Latina del Año por el Chicano Music Awards en 1997. Además de sus honores musicales, Carlos también recibió numerosas alabanzas cívicas y humanitarias, incluyendo el Honor de Arthur M. Sohcot en 1997 para Servicio Público y Excelencia en su Espectáculo, en 1997, el honor de Golden Eagle Legend in Music de "Nosotros", un "Honor de Logro Especial" en 1999 la ceremonia de Honores del American Latino Media Arts (ALMA, por sus siglas en inglés). Y, el 17 de agosto de 1998, Carlos recibió su "estrella" en el Hollywood Walk of Fame, (el camino de la fama de Hollywood). Hoy en día, las ventas de Santana superan los 50 millones de discos.

En 2001 trabajó con Michael Jackson en la canción "Whatever Happens" del álbum Invincible. En 2002, Santana sacó al mercado Shaman, revisitando el formato de artistas invitados, incluyendo P.O.D., Seal y Michelle Branch.

En 2006, Carlos Santana hizo una colaboración con la cantante colombiana Shakira en la canción Illegal del álbum Oral Fixation Vol. 2 que fue tercer single del disco. En 2007 colabora en la canción "Into the Night" de Chad Kroeger, vocalista de Nickelback. 

El 25 de febrero de 2009 realizó su primera presentación en la 50ª edición del Festival de la Canción de Viña del Mar, en las cuales sumió al público en un trance de rock y ritmos tropicales durante 2 horas, las cuales le valieron llevarse los 3 trofeos que se entregan en esta cita. En 2010 saca al mercado el álbum Guitar Heaven con canciones como Back in Black de AC/DC y Whole Lotta Love de Led Zeppelin.


Sobre sus gustos, se sabe que sus guitarras favoritas son las Paul Reed Smith. Entre otras que ha usado se encuentra una Yamaha SG 2000 y Gibson SG con la que tocó en el famoso Festival de Woodstock. También se le llegó a ver durante los años 70`s con las famosas Gibson Les Paul, Fender Stratocaster, Telecaster ,y también en el 92 en un concierto en Japón, interpretó «Blues for Salvador» (su hijo), con una Yamaha RGX que en aquel tiempo era un prototipo que sólo habían hecho para él. La Gibson SG roja que Santana usó en Woodstock, se encuentra ahora expuesta en el Hard Rock Café de Marbella.



Equipamiento:

Guitarras: PRS (Paul Reed Smith) Modelo Santana SE, Santana I, II, III y ahora la MD teniendo siempre como favoritas las Santana I y II a nivel público.

Amplificadores: 70’s Marshall 100w head with a single 4x12” cab, ’65 Blackface Fender Twin, Mesa/Boggie Mark IV & Dumble Overdrive Special 100w head trough single 1x12 Altec-Lansing cab (este último para solos).

Pedales: Mu-Tron Wah, Ibanez TS-9 Tube Screamer, ProCo Rat, Ibanez Digital Delay, Alesis Midiverb, Custom made 4-way cambiador para los amplificadores.


Discografía


Álbumes de estudio

    Santana (1969)
    Abraxas (1970)
    Santana III (1971)
    Caravanserai (1972)
    Welcome (1973)
    Borboletta (1974)
    Amigos (1976)
    Festival (1976)
    Moonflower (1977)
    Inner secrets (1978)
    Marathon (1979)
    Zebop! (1981)
    Shangó (1982)
    Beyond Appearances (1985)
    Freedom (1987)
    Spirits Dancing in the Flesh (1990)
    Milagro (1992)
    Supernatural (1999)
    Shaman (2002)
    All That I Am (2005)
    Guitar Heaven ... The Greatest Guitar Classics of All Time (2010)
    Shape Shifter (2012)

Álbumes en directo

    Carlos Santana & Buddy Miles! Live! (junio de 1972) - POP #8; UK #29
    Lotus (1974)
    Sacred Fire: Santana Live in South America (1993)
    Live at the Fillmore (1968) (1997)

En colaboración

    Love Devotion Surrender, con Mahavishnu y John McLaughlin (junio de 1973, Columbia) - POP #14; UK #7
    Illuminations, con Alice Coltrane (septiembre de 1974) - POP #79; UK #40
    Oneness: Silver Dreams Golden Realities (marzo de 1979, Columbia) - POP #87; UK #55
    The Swing of Delight (agosto de 1980, Columbia) - POP #65; UK #65
    Havana Moon (abril de 1983, Columbia) - POP #31; UK #84
    Blues for Salvador (1987)
    Santana Brothers (1994)

DVD

    1979 - Down Under (Live). The Santana Marathon Rock Tour October 1979, en vivo en Australia
    1991 - Live in Japan with Sadao Watanabe
    1993 - Sacred Fire (LIVE IN MEXICO)
    2000 - Supernatural LIVE
    2002 - Live by Request (NY City)
    2007 - Live at Montreauk Festival 1988 with Wayne Shorter
    2007 - Hymns of Peace (live at Montreaux 2004)
    2008 - Blues at Montreaux festival 2004
    2009 - Festival de Viña del mar 2009


martes, 27 de agosto de 2013

CANCIONES - I AM THE WALRUS (Magical Mystery Tour, 1967) de The Beatles


http://madamepickwickartblog.com/wp-content/uploads/2009/12/beatles4.jpg



 LA ALQUIMIA BEATLE



* * * * *
EXCELENTE



"Basta con que pongas juntas varias imágenes y las unas, y lo llamas poesía. Pero cuando escribí esa canción usé la misma perspectiva que para In His Own Write". [John Lennon, 1964].

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I Am the Walrus (en español: Soy la Morsa) es el título de una canción escrita a mediados de 1967 por John Lennon, aunque editada a nombre de Lennon & McCartney, y publicada como single junto con Hello Goodbye por The Beatles el 24 de noviembre de ese mismo año, y el 27 de noviembre en el álbum Magical Mystery Tour, también suyo.

La letra tiene su origen en varios otros temas de los cuales el autor aún sólo tenía completados algunos fragmentos: el primero se le ocurrió cuando, al salir de su residencia en Weybridge, escuchó el sonido de la sirena de un coche de policía. Nada más escucharlo le asoció las palabras: «Mis-ter Ci-ty po-li-ce-man ci-ty» cantadas al ritmo de la sirena. La segunda idea le vino en su jardín en la misma casa, cuando concibió una corta rima sobre él mismo sentado allí; y la tercera consistió en un fragmento sin sentido aunque bastante poético sobre estar sentado sobre un cornflake. Sólo Lennon hubiera podido unir los tres versos, aparentemente sin relación alguna, en una canción que funcionase como una unidad.

Un tiempo después de ocurrírsele estos versos, un alumno del Quarry Bank Scool —donde Lennon había estudiado en su infancia— le escribió hablándole sobre un profesor de Lengua que les había encargado un trabajo en el cual debían de intentar descifrar los significados ocultos de algunas de las letras de las canciones de The Beatles. El esfuerzo de aquel profesor fascinó a Lennon, el cual, tras escribir una respuesta a dicho alumno —fechada en 1 de septiembre de 1967, y más tarde subastada en Londres en 1992— se decidió a escribir la canción más indescifrable y confusa que se hubiera escrito nunca, con el propósito de volver locos a todos aquellos que se dedicaban a intentar desentrañar los significados ocultos de sus canciones. Así pues, al ir a escribirla tuvo que incluir en ella los tres versos que había dejado enterrados hacía ya un tiempo.

Para completar el tema que acababa de comenzar a componer, el cual aún no tenía título, John Lennon llamó a su compañero de la infancia, Pete Shotton, para que le recordara la letra de aquella canción que solían cantar cuando eran niños. Shotton le recordó la letra de la canción, la cual decía: «Yellow matter custard, green slop pie; all mixed together with a dead dog’s eye. Slap it on a butty, ten foot thick; then wash it all down with a cup of cold sick.» Lennon se quedó con algunas partes de la rima para la nueva canción, a las cuales les añadió las tres rimas que ya tenía diseñadas, con lo que ya tenía gran parte del tema. Una vez que hubo terminado esta parte, Lennon simplemente escribió a Shotton: «A ver si esos cabrones resuelven ésta.»

Otro elemento importante en la canción es la mención del: «Element’ry penguin singing Hare Krishna.» Esto se incluía en referencia a Allen Ginsberg, personaje el cual tenía el hábito de cantar el Hare Krishna en todos los eventos públicos a los que asistía.
 
Las referencias en el estibillo a la «morsa» provenían de un poema de Lewis Carroll, poemas que Lennon siempre había adorado, titulado La Morsa y el Carpintero e incluido en el libro Alicia en el País de las Maravillas. Este poema trata en esencia sobre una morsa que deja al carpintero sin ostras, comiéndoselas todas ella y engordando; es una especie de alegoría a la nocividad del capitalismo. El problema radica en que Lennon había leído el poema hacía ya mucho tiempo, y no lo había entendido bien o no se acordaba correctamente de su contenido, con lo que la letra estaba equivocada; aunque eso ya no importaba.
 
Los versos con los que comienza la canción corresponden a las ideas de Lennon acerca del concepto de «la unidad», aunque esto por supuesto y como todos los elementos del tema, no tenía demasiado que ver con el resto de componentes.
 
A lo largo del tema se encuentra además una referencia a una canción publicada por The Beatles unos meses atrás: Lucy in the Sky with Diamonds. El «Hombre Huevo» al que se refiere en el estribillo es probablemente el mismo personaje que aparece en el libro del que John sacó la idea de la Morsa: Alicia en el País de las Maravillas.

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Algunas consideraciones de Lennon acerca de la canciòn, su significancia y composiciòn:


-"Lo de la «Morsa» es como un sueño; las letras no significan casi nada. La gente extrae un montón de conclusiones y es de lo más absurdo". John Lennon, 1969.
 
-"Vimos la película en Los Ángeles y la Morsa era una capitalista que se comía todas las putas ostras. Siempre me había imaginado a la ostra en el jardín y la idea me gustaba, así que nunca me molesté en comprobar quién era de veras la Morsa. Es una hija de puta, eso es lo que es. Pero por el modo en que está escrito, todos suponen que significa algo. Es decir, hasta yo lo supuse. Todos lo suponíamos porque si yo decía: «I am the Walrus» entonces tenía que significar: «Soy Dios», o algo por el estilo. Sólo es poesía, pero para mí se convirtió en algo simbólico". John Lennon, 1970.

-La idea la saqué de La Morsa y el Carpintero, de Alicia en el País de las Maravillas. A mí me parecía un poema hermoso. Nunca se me ocurrió que Lewis Carroll se refiriera al sistema capitalista. Nunca intenté descifrar el significado, que es lo que hace la gente con la obra de The Beatles. Al cabo de un tiempo volví a leer el poema y me di cuenta de que la Morsa era la mala y el Carpintero el bueno. Pensé: «Oh, mierda, me he equivocado de personaje». Pero entonces no habría sido lo mismo, ¿no? «I am the carpenter...». John Lennon, 1980.
 
-"Siempre he sido irónico, todos lo eran. Sólo porque otras personas vean significados de lo que sea... ¿Qué es lo que realmente significa: «I am the eggman»? Por lo que a mí respecta, podría haber sido una budinera. No hay que tomárselo todo tan al pie de la letra". John Lennon, 1980.
 
-"En aquella época escribía de forma poco clara, a lo Dylan, nunca decían lo que quería decir sino que daba una impresión sobre algo, que más o menos podía interpretarse.. Es un buen juego. Pensé: «Escriben esa mierda pretenciosa y se salen con la suya.» Se ha hablado más de las letras maravillosas de Dylan que de todas las otras letras. De las mías también. Pero eran los intelectuales los que interpretaban a Dylan o The Beatles. Dylan escribía sobre el asesinato como si nada. Pensé: «Yo también sé escribir esa porquería»". John Lennon, 1980.

-"Había visto a otras personas a quienes les gustaban Dylan y Jesucristo hablar del Hare Krishna. Me refería en concreto a Ginsberg. Las palabras: «Element’ry penguin» significan que es bastante ingenuo ir por ahí salmodiando el Hare Krishna o de repente creer ciegamente en un ídolo". John Lennon, 1980.


Ficha de la canción:


Publicación:      24 de noviembre de 1967
Formato:          Sencillo 7", 45 RPM
Grabación:        Septiembre de 1967 — EMI Studios, Londres
Género:           Rock psicodélico
Duración:         4:37
Discográfica:     Parlophone (GBR)- Capitol Records (USA)
Autores:          Lennon—McCartney

Productor:        George Martin


Letra:
 

I am he as you are he as you are me
and we are all together
see how they run like pigs from a gun
see how they fly
i'm crying

sitting on a cornflake
waiting for the van to come
corporation t-shirt, stupid bloody tuesday
man you've been a naughty boy
you let your face grow long

i am the eggman
they are the eggmen
i am the walrus
goo goo g' joob

mr. city policeman sitting
pretty little policemen in a row
see how they fly like lucy in the sky
see how they run
i'm crying
i'm crying, i'm crying, i'm crying

yellow matter custard
dripping from a dead dog's eye
crabalocker fishwife
pornographic priestess
boy, you've been a naughty girl
you let your knickers down

i am the eggman
they are the eggmen
i am the walrus
goo goo g' joob
(instrumental break)
Sitting in an english garden
waiting for the sun
if the sun don't come you get a tan
from standing in the english rain
I am the eggman
(spoken: "how do you do sir")
they are the eggmen
(spoken: "the man maintains a fortune")
i am the walrus
goo goo g' joob goo goo goo g' joob

expert, texpert choking smokers
don't you think the joker laughs at you
(ho ho ho hee hee hee hah hah hah)
see how they smile like pigs in a sty
see how they snide
i'm crying

semolina pilchard
climbing up the eiffel tower
elementary penguin singing hare krishna
man, you should have seen them kicking
edgar allen poe

i am the eggman
they are the eggmen
i am the walrus
goo goo g' joob
goo goo goo g' joob
goo goo g' joob
goo goo goo g' joob
goo goo
juba juba juba
juba juba juba
juba juba juba
juba juba
(oh i'm tired.....servicible villain....
set you down father...rest you)

 

 
Clip - vivo en San Diego - Magical Mystery Tour 1967:


 

lunes, 26 de agosto de 2013

MÚSICOS - DAVID LEBON (1952-)





REY DAVID




David Lebón es un músico multiinstrumentista de rock 
argentino, que nació en Buenos Aires el 5 de octubre de 1952. Formó parte de grupos trascendentales del rock argentino como Pappo's Blues (bajo y guitarra rítmica), La Pesada del Rock and Roll (guitarra), Pescado Rabioso (voz, bajo y guitarra), Color Humano (batería y coros), Espíritu (teclados), Polifemo (voz, guitarra y bajo), Seleste (voz y guitarra) y Serú Girán (voz y guitarra), entre otros. Desde 1982 ha desarrollado una carrera solista de manera estable y elogiada.

Inició su relación con la música cuando, a los ocho años, debió partir hacia EE.UU. para tratarse un problema asmático. Su estadía en el país norteamericano coincidió con el boom de la «beatlemanía» lo cual, como a la gran mayoría, influyó decisivamente en su futuro. Fue así que —cuando todavía era menor de edad, lo que no le permitía permanecer en los boliches rockeros— formó parte de pequeños grupos como The Alley Cats (donde tocaba la guitarra) y The Lords of London (a cargo de la batería).

Tras su regreso, a finales de la década del sesenta, era habitué de La Manzana, uno de los pocos boliches de rock que existían en Buenos Aires, regenteado por Billy Bond, el más polémico pionero del rock vernáculo. En ese sitio conoció a Pappo —otro «estable» del lugar, al igual que Nacho Smilari y Héctor Starc— quien en 1970 lo incorpora como bajista en la primera alineación de su grupo Pappo's Blues, conformada también por Black Amaya en batería y un fugaz paso del bajista Vitico. Esta primera formación de Pappo's Blues registró un disco homónimo en 1971, que tuvo un notorio éxito.

Simultáneamente, y bajo el seudónimo de «Davies», Lebón participó como guitarrista —con el baterista Black Amaya— de la grabación del primer disco de La Pesada del Rock and Roll, junto al mencionado Billy Bond.

Su necesidad de estar en actividad lo llevó a acompañar al cantante Carlos Bisso y luego partir a España. Allí se volvió a encontrar con Pappo, con quien formó un fugaz grupo del que también participó Ciro Fogliatta. En realidad se trató de un intento de hacer resurgir al grupo Los Gatos, pero sin el líder (el tecladista y compositor rosarino Litto Nebbia), que no prosperó. A finales de 1971 fue baterista de Color Humano, grupo liderado por Edelmiro Molinari. Junto a esta alineación grabó el álbum debut con cinco temas para el sello Microfón.

En 1972 Lebón dejó la agrupación y su puesto fue ocupado por el baterista rosarino Oscar Moro. Ese mismo año, Lebón entró en el conjunto Pescado Rabioso, fundado por el guitarrista Luis Alberto Spinetta (después de pasar la experiencia con el grupo Almendra, muy importante en la historia del rock argentino). Esta nueva banda —compuesta por Spinetta (guitarra y voz), Carlos Cutaia (teclados), Black Amaya (batería) y David Lebón (bajista y ocasional guitarrista y cantante)— editó un álbum titulado Pescado 2. Diversos inconvenientes de producción derivaron en la separación de la banda.

Tras la experiencia Pescado Rabioso, Lebón lanzó su primer álbum solista (David Lebón) en 1973, a instancias de Billy Bond, disco que David grabó prácticamente solo, tocando casi todos los instrumentos, y que contenía toda su fuerza rocanrolera. "32 macetas" —un tema que volvería a grabar años después—, "Dos edificios dorados" y "Hombre de mala sangre" son algunos de los temas que se destacan de este disco, compuesto en coautoría con su pareja de entonces, Liliana Lagardé, el álbum fue presentado en septiembre del '73 en el Teatro Ópera de Buenos Aires.


En esa misma época colaboraba casi constantemente tocando como invitado la guitarra en Sui Generis (de Charly García y Nito Mestre) y los teclados en el grupo sinfónico Espíritu, además de participar como cantante en dos temas del segundo disco solista de Claudio Gabis.

En 1974 formó el conjunto Līlā, un grupo de características devocionales orientalistas, junto a Carola y Carlos Cutaia, con el que editó un simple: "Amanece la verdad / Ah Maharaj Ji", actualmente inconseguible, aunque Lebón participa sólo en el segundo tema, el cual se puede encontrar en su compilado Obras cumbres de 2002.

También participó en la segunda grabación de La Biblia, el legendario disco de Vox Dei reversionado por músicos de La Pesada con el Ensamble Musical de Buenos Aires; del mismo modo regresó a Pappo's Blues (como guitarra rítmica), para grabar Pappo's Blues Volumen 4.

Casi sobre el final de 1975 creó Polifemo, una banda de rock and roll puro, con Juan Rodríguez en la batería y Rinaldo Rafanelli al comando del bajo, ambos provenientes de Sui Generis. En 1976, tras la presentación de su disco Polifemo, la crítica especializada fue muy dura con ellos, lo que marcó su decadencia. Lo explica Lebòn: «Salí de Polifemo con la intención de no armar ningún grupo, con ganas de viajar —admitía en una entrevista—, antes de que Charly me propusiera que lo hiciéramos juntos. Con el único tipo de Polifemo con el que me seguía comprendiendo [...] era Juan Rodríguez. Él me preguntó qué iba a hacer y a mí me dieron ganas de seguir tocando. A la vez, estaba con dos tipos que eran de la misión, que me gustaba cómo tocaban. Tocamos en algunos recitales y [...] la gente se volvía loca, porque yo había salido de algo que era el haber dejado de tocar para mí».

Con esta, su nueva agrupación, Lebón empezó a crecer como músico pues, como él mismo lo reconocía, le «empezó a gustar escuchar los demás instrumentos, incluso dejar que toquen». Junto a Rodríguez, los músicos de la misión y varios invitados (Pino Marrone y Aníbal Kerpel, entre otros), David Lebón formó Seleste. Esta agrupación, de buenas perspectivas, quedó momentáneamente interrumpida cuando Lebón se unió en Brasil a Charly García en el proyecto Serú Girán.

Entre 1978 y 1982 integró Serú Girán junto a Charly García, Pedro Aznar y Oscar Moro. Serú Girán ha sido considerado uno de los más importantes y trascendentes grupos de la historia del Rock Argentino. En él fue distinguido como mejor guitarrista los cinco años consecutivos. Luego de Charly García fue el que más compuso para el grupo. Es en Bicicleta (1980) donde más se destaca su labor como compositor y vocalista.

En 1980 lanzó su segundo disco como solista: Nayla. Este álbum, que tuvo muchas postergaciones debido al accidente de su hija, iba a ser en principio un disco doble, pero ninguna compañía se lo aceptaba. «Ni siquiera Yes graba discos dobles», le llegaron a decir. No le quedó otra opción, entonces, que seleccionar los mejores temas —algunos nuevos, otros de su antigua agrupación Seleste— y grabarlo con Aznar, Moro, Rinaldo Rafanelli, y Diego Rapoport.

A partir de 1982, con Serú Girán ya separado, su producción como solista fue incrementándose, con una seguidilla de álbumes. Estos son:

    -El tiempo es veloz (1982), disco que grabó prácticamente solo, tocando todos los instrumentos, que contó con una portada ilustrada por su amigo Luis Alberto Spinetta, y donde se destacan el tema homónimo, "Tiempo sin sueños" y "No confíes en tu suerte";
    -Siempre estaré (1983), con temas exitosos como "El rock de los chicos malos" y la balada "Quiero regalarte mi amor";
    -Desnuque (1984), un homenaje al rocanrol, del cual sobresalen "El rock de la cárcel", "Qué te pasa, Argentina", "32 macetas" y "Hacelo hoy conmigo";
    -Si de algo sirve, con canciones como "Todos en un cuarto" o "Y si de algo sirve" (1985);
    -7 × 7 (1986);
    -Nunca te puedo alcanzar (1987).

En 1987 colaboró con Charly García en su LP Parte de la religión, donde grabó los solos de guitarra en los temas " Adela en el carrousel" y " Buscando un símbolo de paz ". En 1989, edita Contactos, lo define como «un encuentro personal entre mente, cuerpo y alma para lograr el equilibrio que mejore mi relación con el mundo, las personas y mi Creador». En 1991 lanza Nuevas mañanas, álbum grabado en los Estados Unidos con la colaboración de Pedro Aznar, que pasa prácticamente desapercibido. Es quizás el disco más flojo de su carrera, tomando un sonido más pop y sin tantas guitarras.

A finales de 1992 se produce el reencuentro de Serú Girán. Editaron un disco en estudio y dos en vivo. Realizaron una exitosa gira, en cuanto a convocatoria de público, como así también en cuanto a calidad musical. Posteriormente se disolvieron.

Lebón tuvo dos años de silencio musical, que lo tuvieron presente en las revistas del corazón por sus idas y venidas con la ex modelo Pata Villanueva. En 1995 retornó a los escenarios, primero con el Tributo a Carlos Gardel organizado por la Secretaría de Cultura y el Multimedios América, y luego, acompañado por Daniel Castro (bajo) y Daniel Colombres (batería), realizó una recorrida por toda su extensa trayectoria. Ese año se radicó en la provincia de Mendoza; mientras que, en 1995 también, graba en versión de estudio en su casa de Mendoza Mágico, junto a Vadalá, Fontana, Morelli y Arróm. Este disco (en realidad un demo) nunca salió a la venta, aunque circula en ediciones pirata. Hay muchos temas cantados en inglés, ya que Lebón compone la mayoría de sus temas en ese idioma, y luego los pasa al castellano.

En 1999 se presentó en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, para repasar los temas más importantes de su carrera, acompañado por una joven banda, y la participación de músicos de Divididos, La Mississippi, Los Ratones Paranoicos y Los Caballeros de la Quema, más una sección de bronces. El show quedó registrado en el álbum En vivo, en el Teatro Coliseo, su primer álbum en directo, editado ese mismo año.

En el año 2002 David editó Yo lo soñé, en el 2007 un álbum conjunto en vivo con su ex-compañero Pedro Aznar (consistente en 2 CD), y en el año 2009, su último material de estudio a la fecha, titulado Déjà vu.
Estilo

Su estilo de tocar la guitarra es netamente blusero y rocanrolero, con marcadas influencias de B. B. King, Eric Clapton y hasta Jimi Hendrix o Jimmy Page. Lebón se autodefine como un músico no profesional y autodidacta, en ambos sentidos: como un músico no contaminado por el show-business, pero a la vez indisciplinado e intuitivo en la creación. El suyo es un caso particular: su personalidad ha sido eclipsada por otras más fuertes o más carismáticas (léase Pappo, Spinetta o Charly), lo cual no le ha impedido demostrar su talento, aunque lo ha mantenido algo apartado del estrellato (voluntaria o involuntariamente).

A lo largo de su carrera integró muchos grupos, y lo hizo tocando los cuatro instrumentos base: guitarra, bajo, batería y teclados, aunque siempre se lo haya destacado por su sentimiento para tocar la guitarra eléctrica, la cual es su instrumento por definición.


Discografía


Pappo's Blues

    Pappo's Blues Volumen 1 (1971)
    Pappo's Blues Volumen 4 (1973)

La Pesada

    Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll (1971)
    Buenos Aires Blus (1972)
    Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll Volumen 4 (1973)

Color Humano

    Color humano (1972)

Pescado Rabioso

    Pescado 2 (1973)

Līlā

    Amanece la verdad / Ah Maharaj Ji (simple, 1975)

Polifemo

    Polifemo (1976)
    Volumen 2 (1977)

Billy Bond and the Jets

    Billy Bond and the Jets (1979)

Serú Girán

    Serú Girán (1978)
    La grasa de las capitales (1979)
    Bicicleta (1980)
    Peperina (1981)
    No llores por mí, Argentina (1982)
    Serú '92 (1992)
    En vivo (1993)
    Yo no quiero volverme tan loco (2000)

Aznar / Lebón

    Aznar / Lebón Volumen 1 (2007)
    Aznar / Lebón Volumen 2 (2007)

Solista

    David Lebón (1973)
    Nayla (1980)
    El tiempo es veloz (1982)
    Siempre estaré (1983)
    Desnuque (1984)
    Si de algo sirve (1985)
    7 x 7 (1986)
    Nunca te puedo alcanzar (1987)
    Contactos (1989)
    Nuevas mañanas (1991)
    En vivo, en el Teatro Coliseo (1999)
    Yo lo soñé (2002)
    Déjà vu (2009)

Compilados

    V.A: Música prohibida para mayores (varios artistas; incluye el tema inédito de David Lebón "Como en el túnel", 1980)
    Crónica (1986)
    El álbum (1988)
    Suéltate rock and roll (incluye 7 X 7 & Nunca te puedo alcanzar en un solo CD, 1992)
    Obras cumbres (2002)

Otras selectas contribuciones

    V.A: Acusticazo! (1972)
    Sui Generis: Confesiones de invierno (1973)
    Sui Generis: Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (1974)
    V.A: La Biblia (1974)
    Claudio Gabis: Claudio Gabis (1974)
    Charly García: Música del alma (1980)
    Nito Mestre: 20/10 (1981)
    Charly García: Pubis angelical (1982)
    Luis Alberto Spinetta: Kamikaze (1982)
    Celeste Carballo: Me vuelvo cada día más loca (1982)
    Luis Alberto Spinetta: Mondo di cromo (1983)
    Moro-Satragni (1983)
    B.B. Muñoz: 59 minutos de vida (1983)
    Enanitos Verdes: Los Enanitos Verdes (1984)
    Autobús: Autobús (1984)
    Piero: Qué generosa sos, mi tierra (1985)
    Charly García: Parte de la religión (1987)
    Los Chanchos: Los Chanchos (1988)
    Fito Páez: Tercer mundo (1990)
    Tango feroz (banda sonora de la película, 1992)
    Oscar Kreimer: ...Si no me conocés aún (1992)
    Homenaje a Sumo: Fuck You (1995)
    Tributo a Carlos Gardel (1995)
    Alejandro Lerner: Volver a empezar (1997)
    Alejandro Lerner: Vivo (1999)
    Condor Crux (banda sonora de la película, 2000)
    V.A: Al maestro con cariño: un homenaje a Spinetta (2006)
    Los Rancheros: Canción sin tiempo (2007)
    Javier Calamaro: Este minuto (2010)
    El Negro García López: Esta vez invita El Negro (2010)
    Pájaros volando (banda sonora de la película, 2010)
    Luis Alberto Spinetta: Spinetta y las Bandas Eternas (2010)

David Lebon - Participación en grupos:

    1970 - Los Gatos (cantante) (En España)
    1971 - Pappo's Blues (bajista)
    1972 - Color Humano (baterista), La Pesada (guitarrista), Pescado Rabioso (bajista)
    1973 - Pescado Rabioso (bajista), Pappo's Blues (guitarrista rítmico)
    1974 - Lila (guitarrista), Sui Generis (guitarrista), solista
    1975 - Espíritu (tecladista), Polifemo (guitarrista)
    1976 - Polifemo (guitarrista)
    1977 - La Banda del Amor, Seleste
    1978 - Serú Girán, Seleste
    1979 - Serú Girán
    1980 - Serú Girán, Seleste (nueva versión), solista
    1981 - Serú Girán
    1982 - Serú Girán, solista
    1992 - Serú Girán
    1993 - Serú Girán
   
Filmografía como intérprete

    Hasta que se ponga el sol (con Pescado Rabioso, 1973)
    Buenos Aires Rock (con Héctor Starc, 1983)
    Peperina (con Serú Girán, 1995)