lunes, 31 de marzo de 2014

SHOWS - SKAY Y LOS FAKIRES (Cosquìn Rock, 2014)






LA NOCHE DE LA RICOTA



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MUY BUENO



Desde la organización los días previos al show indicaban que Cosquín es un festival que se vive principalmente de día. Con apertura de puertas a las 15hs el público aventurero comenzaba a recorrer el predio de punta a punta. Tarea ardua, sobre todo teniendo en cuenta que este año se sumaron nueve hectáreas más que en las ediciones anteriores. El camino entre el escenario temático y el principal, oscila en unos mil metros, y en el trayecto, las opciones son muchas las que complementan actividades lindantes a la cultura rock como obras de teatro y proyecciones de rockumentales. En este sentido, el estreno del documental “El alucinante viaje de Patricio Rey” tuvo asistencia completa y mantuvo en vilo a los ricoteros, ansiosos por ver la presentación de Skay Beilinson.

Skay Beilinson y Charly García cerraban la noche de la primera ediciòn. El primero es infalible. La columna vertebral de su show se basa en su carrera solista, con algunos destellos de los Redonditos, como “Mariposa Pontiac” -en versión acústica-, “El pibe de los astilleros” y “Jijiji”. Y más allá de su columna vertebral, también juega lo lindante a sus sentidos: Skay es cuerpo y alma de sus temas. Desborda espíritu rock redondo, y con eso, le sobra.

Como dicho, previo al show y entre los escenarios se abrió una carpa de cine, en la que se proyectó “El alucinante viaje de Patricio Rey”, que relata la historia de “Los Redondos”, entre otros documentales. Este suceso, además de la infinita cantidad de bandas de rock barrial que coparon el escenario secundario y también se asomaron al principal, más la presentación del libro “Discolo” del artista “Rocambole”, crearon la antesala perfecta para el show de justamente un ex-Redondo.

Skay apareció bajo una llovizna que con la energía supeditada a lo que pasaba desde arriba hacia abajo y viceversa, aligeró las gotas de agua y todo terminó en tormenta. Al compas de una llovizna que se hacìa cada vez màs espesa, el violero comenzaba a desgranar los acordes de su guitarra eléctrica; Skay junto a su banda Los Fakires. Si bien el artista interpretó temas propios que hicieron emocionar al público, también recreó grandes clásicos de su etapa en Los Redondos como "La hija del fletero", que alegró a miles de corazones ricoteros.

El estallido fue sobre el final, ya después de haber repasado su etapa solista, cuando el guitarrista tocó los acordes de “Jijiji”. Clásico infaltable que la noche aclamaba para rememorar la mística de Patricio Rey, tambièn en suelo cordobès. Allì donde 13 años atràs concluìa una parte de la historia.


Lista de temas:

La luna en fez (0:02)
Arriba el telón (3:17)
Arcano XIV (6:30)
Cicatrices (10:39)
Katmandú (14:50)
Ya lo sabes (20:18)
Suelo chaman (23:50)
Paria/Boggart Blues/Mariposa Pontiac (27:22)
El pibe de los astilleros (35:19)
El sueño del jinete (39:10)
El fantasma del 5º piso (42:33)
Cae la lluvia sobre Cosquín (51:20)
Falenas en celo (53:40)
Flores secas (57:45)
Aves migratorias (1:02:09)
El redentor secreto (1:06:03)
Oda a la sin nombre (1:09:45)
Jijiji (1:15:44)
Lejos de casa (1:21:00)



Link - show completo:




martes, 25 de marzo de 2014

SHOWS - CHARLY GARCÌA (Cosquìn Rock, 2014)






 CHARLY EN PILOTO (DE LLUVIA) AUTOMÁTICO




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BUENO




Para cerrar la primera fecha de la ediciòn 2014 del Cosquìn Rock, el último en tocar fue Charly García y su recital, dividido en dos bloques, fue una guía que recorrió hitos de su historia junto a la Orquesta Kashmir, que dirige Patricio Villarejo,  y la compañia en coros de Rosario Ortega, junto a su ya històrica banda.

"Say No More es impermeable" todavía resuena en los oídos de miles de fanáticos testigos de aquella épica vuelta en Vélez '09. En la noche cordobesa, si la tormenta estalló con la vibra ricotera de Skay, el cielo encontrò su calma cuando comenzó a sonar “Cerca de la Revolución” de Charly. A la tercera canción, el agua mermante se hizo inexistente a los ojos de miles, a fuerza de clásicos. Sin apagarse por la llovizna constante -resulta difìcil oir la voz de Charly, casi anulada durante toda la presentaciòn- el pùblico disfrutò de logradas versiones de "Rezo por vos" y "Los dinosaurios", pero la euforia se multiplicó cuando Nito Mestre se sumò para viajar más de 40 años en el tiempo y regalar "Instituciones", clásico de la época de Sui Géneris.  

"El Fantasma de Canterville", "Nos siguen pegando abajo", "Demoliendo hoteles", "Pasajera en trance" y "Desarma y sangra", fueron clàsicos inoxidables como un mágico aperitivo al encuentro con “un amigo y compañero de viaje", tal como presentó a Pity con quien compartió "La sal no sala" al tiempo que un irónico García deslizó con su habitual sarcasmo "tenía una lista de invitados, y apareció Pity..." en referencia a la trunca reunión cumbre con Gieco y Skay. 

Con un Charly a velocidad crucero y economizando energías -en su regreso a los escenarios luego de cancelar por motivos de salud su función en el Colón de Febrero último-, una banda que ejecuta de memoria el repertorio comandó el final de la presentación: “Yendo de la cama al living” precedió a "Eiti Leda", convirtièndose un desenlace a la altura de las circunstancias. Minutos después de la oclusión, cuando todo fue como tenía que ser, la tormenta fue el ruido blanco que acaparó el resto de la noche.


Lista de temas:

01 - Cerca de la relolución
02 - Rock & Roll yo
03 - Dileando con un alma (que no puedo entender)
04 - El fantasma de Canterville
05 - Nos siguen pegando abajo. Pecado mortal
06 - Demoliendo Hoteles
07 - Pasajera en trance
o8 - Desarma y sangra
09 - La sal no sala (invitado Pity Alvarez)
10 - Tango en segunda
11 - El Amor espera
12 - No voy en tren

Intervalo

13 - Fax U
14 - Rezo por vos
15 - Instituciones (invitado Nito Mestre por Skype)
16 - Reloj de plastilina
17 - Vos también estabas verde
18 - Chipi chipi
19 - Los dinosaurios
20 - Yendo de la cama al living
21 - Eiti leda
 

Clip - "La Sal no Sala":


DISCOS - COLOR HUMANO 2 (1973) de Color Humano








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MUY BUENO



Reseña:

En una ofinina del sello Microfon Argentina, el Sr. Kaminsky -jefe de la discografica- les comunica a los miembros de Color Humano que su segundo disco no va a poder ser editado como un album doble, tal cual fuera la intencion de la banda desde que lo empezaran a grabar. "Es por cuestiones presupuestarias", dice Kaminsky. Es asi que los dos discos saldrian por separado. Es mas, para cuando salga a la calle el segundo de los discos, el grupo ya no existe. Se acababa asi la trayectoria de uno de los grupos mas originales del rock argentino de todas las epocas. La insostenible crisis afecto a muchos de los lanzamientos de grupos y solistas a nivel mundial. Entre ellos el segundo disco de Color Humano.

Color Humano era, por entonces, la invencion de Edelmiro Molinari, guitarrista, cantante y compositor. Un trio espectacular que hacia una musica muy "volada" y experimental. El grupo era el "mambo" particular de Edelmiro, un tipo inimitable que creo un estilo unico de tocar rock and roll, a nivel mundial. Justamente, el nombre "Color Humano" salia de una de las largas y brillantes composiciones de Molinari incluidas en el historico de Almendra. Y fue esta composicion la piedra base de la musica que elaboraria Molinari en su siguiente agrupacion.

Luego de la separacion de Almendra, y de varios intentos frustrados, Molinari fundo Color Humano junto a Rinaldo Rafanelli (bajo) y a David Lebon (bateria) a fines del '71. Asi, este "power trio" graba su primer disco al anio siguiente. Una impresionante demostracion de principios que le volo la cabeza a miles de fans con una psicodelia muy argentina y "volada" que erigio al grupo como uno de los mas importantes de la "musica progresiva argentina". Molinari cantaba las canciones de una manera inimitable casi "hablandolas", mientras que la poderosa base de Rafanelli le daba un marco ideal y Lebon tocaba la bateria (ritmicamente) "al reves" como su idolo Ginger Baker.

Poco despues de editar el disco, Lebon se va a tocar el bajo a Pescado Rabioso y es sustituido por el historico baterista Oscar Moro. Esta seria la formacion que tocaria que en el Festival B.A. Rock del '72. Un evento que daria lugar a la filmacion de la genial "Rock hasta que se ponga el sol", casi la "Woodstock Argentina". Alli, Color Humano abre la pelicula tocando "Larga Vida al Sol", un tema incluido a en el primer disco de la agrupacion. Las imagenes visuales del grupo, esa extraña musica neo-psicodelica, surrealista y barroca, y la estetica casi hippie de los integrantes del grupo con sus largas cabelleras enruladas, se volvio totalmente paradigmatica en aquella epoca.

Esta nueva formacion fue la que empezaria a grabar el segundo disco. Un proyecto faraonico en el cual Molinari se erigio como lider indiscutido y dictatorial dentro de la banda, algo que resentiria las relaciones personales del guitarrista con respecto a los otros dos integrantes del grupo. "Nos trataba como si fueramos meros 'samplers' humanos" declararia Rafanelli anios mas tarde. Sin embargo la grabacion progresaria dando lugar a uno de los discos dobles mas impresionantes que se hayan grabado jamas en la historia del Rock Argentino. Desde el tema inicial, "La Sangre del Sol" hasta "Vestidos de agua" este es un disco fundamental a la hora de entender como fue el rock argentino de los '70. "La Sangre del Sol" es un tema psicodelico, volado y potente, con gran entramado ritmico y musical en un encuentro explosivo de un surrealismo lirico y violento a la vez. Esta impronta es continuada en la espectacular composicion titulada "La Tierra del Gitano", una pieza que mezcla la sutileza del jazz con los arranques progresivos tipicos de Color Humano. 

Por su parte, "Pascual Tal Cual" es un tema que se relaciona con los senderos progresivos elaborados en el universo paralelo de esa otra gran agrupacion que se llamo Aquelarre. Con su cadencia cansina y psicodelica, "Humanoides" es un temazo que se acerca a las maravillosas primeras letanias lisergicas del Pink Floyd primigenio de "Meddle" o "A Saucerful of Secrets". Por su parte, "Blues de Adelina" es una sutileza "bluseada" que tiene mucho mas que ver con las pinceladas bluseadas de Gilmour en Floyd que con el blues tradicional y cuadrado. 

En lo que respecta a "Va a Salir Un Lugar" este es una descomunal y excesiva improvisacion de casi 15 minutos en las que Molinari les deja, casi como si fuera una tregua, lugar suficiente a sus dos companieros para dar lugar a sus propios solos. Este tema, a pesar de ser algo pesado, es muy bueno en especial la parte cantada que fue recortada y lanzada en la recopilacion de un programa de radio de la epoca llamado "Rock Para Mis Amigos (Vol. 1)". A este tema lo sigue "Hombre de las Cumbres" una clara muestra de la poesia "molinarezca" cien por cien. Edelmiro por su parte estremecìa cuando cantaba historias surrealistas y descriptivas como las de esta cancion. Despues llega "Mañana Por la Noche", sin dudas el tema mas famoso de Color Humano. Un blues cuadrado pero con gran dinamismo y con la originalidad de una letra desopilante, exagerada e ironica que se burla de los clasicas tristes letras del blues tradicional.

Por el contrario, "A Traves de los Inviernos" es una potente e impresionante pieza casi "heavy" que es una contestacion (literal) a otra cancion llamada "Haz tu mente al invierno del sur", compuesta por Gabriela y Litto Nebbia. Hace Casi 2000 Anios" resulta un tema maravilloso que hace acordar a las ensoniaciones del mejor Hendrix de "Electric Ladyland" con sus monumentales y "sacados" cambios climaticos. Sin dudas, este es uno de los momentos mas descomunales de toda la historia del trio. El final del tema da lugar a la entrada de las letanias de "Cosas Rusticas", otra de las piezas mas recordadas de Color Humano. Una cancion que paso a la historia del Rock Argentino y que fue una de las mas originales de la epoca por sus contrapuntos y gran desarrollo progresivo.

Luego de la elaborada introduccion llega una de las mejores y mas imaginativas letras compuestas jamas por Molinari. Simplemente un tema inigualable. Asi llegamos a "La Historia que Tengo", otra pieza sutil y poderosa por igual. Un canto a la locura psicodelica y las ansias de libertad. Casi un manifiesto surrealista y lisergico. Finalmente, este album se cierra con "Vestidos de Agua", una agradable y delicada pieza acustica que es un cuento infantil y volado. Y aqui Molinari nos invita a un último viaje, conmovedor y sònico a la vez, por el maravilloso pais de los niños lisergicos mas allá de los corales del fondo del mar. Suntuoso y catártico reflejo de una época.


Lista de Temas

    -Sangre del sol
    -La tierra del gitano
    -Pascual tal cual
    -Humanoides (Rinaldo Rafanelli)
    -Va a salir un lugar
    -Un Blues para Adelina

    (Todos los temas compuestos por E.Molinari excepto el indicado)

Créditos

   - Edelmiro Molinari - voz, guitarras, percusión en "Sangre del sol" y piano en "Humanoides".
    -Rinaldo Rafanelli - bajo, segunda voz, percusión en "Sangre del sol" y órgano en "Humanoides".
    -Oscar Moro - batería y percusión

invitado:

    Egle Martin - percusión en "Sangre del sol".


Ficha del àlbum:

Publicación:    1973
Géneros:         Rock, Blues
Discográfica:   Microfón
Productor:      Edelmiro Molinari


Link - audio de disco completo:



miércoles, 19 de marzo de 2014

BANDAS - JEFFERSON AIRPLANE ( 1965 - 1974, 1989, 1996)










Jefferson Airplane fue una banda estadounidense de rock surgida en la ciudad de San Francisco (California), pionera del movimiento psicodélico influenciado por el LSD. Fue una de las primeras bandas de la escena de San Francisco en gozar de éxito comercial y crítico. A fines del decenio de la década del 60', Jefferson Airplane era una de las actuaciones más altamente remuneradas en todo Estados Unidos. Sus discos fueron internacionalmente exitosos y se vendieron en gran cantidad, y tuvieron dos hits en el Top 10 estadounidense más una seguidilla de álbumes que se ubicaron en el Top 20. Su disco de 1967, Surrealistic Pillow, sigue siendo considerado como una de las principales obras del llamado "Verano del Amor", y trajo el reconocimiento internacional del grupo (así como dos hits, "Somebody to Love" y "White Rabbit").

La idea de formar a los Jefferson Airplane (nombre procedente del intérprete de blues Blind Lemon Jefferson) partió de Marty Balin, un cantante de delicada vocalidad que había estado en el grupo The Town Criers y que su apego a la música folk le había llevado a compartir amistad con el guitarrista Paul Kantner. A principios de 1965 nadie habria podido prever que San Francisco, al igual que el Liverpool de The Beatles dos años antes, se convertiria en la capital mundial, de la música y de la cultura rock. Sin embargo fue justamente asi. A mediados de los sesenta nace en San Francisco la "revolución del amor" que cambió el universo juvenil a fuerza de flores, utopias, drogas y muchisimo rock psicodelico. 

Se tocaba de todo por esos dias en la ciudad mas europea de Estados Unidos: el folk electrico preconizado por Dylan y recopilado por The Byrds, el rock mas duro, el gran blues negro y mucho jazz de calidad. Los grupos proliferaban como hongos, adoptaban nombres inusuales y vestian con una fantasia desenfrenada. Todos querian ser originales y algunos, como Jefferson Airplane, lo consiguieron. El largo recorrido de Jefferson Airplane comienza en 1965, cuando el cantante y poeta Marty Balin (nacido en 1941) et cuentra por los clubs gente Ilena de ideas como el gafotas Paul Kantner (1942), un tipo astuto muy amigo de David Crosby de The Byrds, y como Jorma Kaukonen (1940), un fulminante guitarrista enamorado del blues, que habia tocado algun tiempo con Janis Joplin. 

La formación, tras algunas pruebas, se cornpleta con el bajista Jack Casady y el bateria Skip Spence. Asi nació Jefferson Airplane: rapidamente el grupo firma un fabuloso contrato en exclusiva con RCA de 25.000 dólares, un verdadero record para un grupo de rock en sus comienzos. El primer resultado discografico Ilega con el album 'Takes off', que ya refleja las caracteristicas artisticas del grupo, aunque solo en esbozo, incluyendo un homenaje a la cultura de la droga con la canción 'Running around this world', muy famosa por su frase "Las noches que he pasado contigo han sido fantasticos viajes". El exito no se hace esperar, pero con el tambien aparecen los primeros problemas de la fornnación. Spence abandona el grupo para unirse a Moby Grape, y en la misma epoca Ilega la que sera la voz del grupo, una voz aguzada y original: Grace Slick (nacida en 1941). Antes de cantar, Grace Slick habia sido una modelo de discreto exito, despues debutó como cantante en el grupo Great Society; cuando se unió a Jefferson Airplane aportó un par de canciones que se convertirian muy pronto en los himnos de todo el movimiento de la contracultura: 'Somebody to love' y 'White rabbit'. Con Grace Slick y con el nuevo bateria, Spencer Dryden (nacido en 1939), empieza la edad de oro de Jefferson Airplane, jalonada por la publicación de discos a veces tiernos, a veces agresivos, romanticos o turbadores. 

Rapidamente, la popularidad de Jefferson Airplane traspasa los confines de California y Ilega hasta la Costa Este; el grupo se convierte en un punto de referencia para todo el movimiento, y el 14 de enero de 1967 participa en el Human be-in, una gran fiesta pacifista hippy; tampoco faltaran a la cita con los grandes Festivales Pop de Monterey y Woodstock. Entre 1967 y 1969, Jefferson Airplane publica cuatro albumes que encantan al publico, excitan a la critica y Ilaman la atención de los medios informativos. Los resultados comerciales no responden al esfuerzo, pero la calidad artistica esta ahi y se nota. En 'Surrealistic pillow', editado en 1967, se impone enseguida la fascinante voz de Grace Slick, que interpreta intensos temas como 'My best friend', 'Plastic fantastic lover' y la ya citada 'Somebody to love'. Marty Balin contribuye creativamente cantando la dulce 'Comin' back to me'. Con 'After bathing at Baxter's' aflora prepotente la vena mas psicodelica, como en 'White rabbit' (inspirada en Alicia en el pais de las maravillas) y 'The ballad of you and me and Pooneil', compuesta por Paul Kantner, quien lentamente asume un papel dominante en el equilibrio creativo del grupo y que con Grace Slick da vida a una de las mas intensas y animadas historias de amor del rock. 'After bathing at Baxter's' ensancha el empuje creativo del grupo hasta en la imagen de portada. 

'Crown of creation', editado en 1968, adolece de algunos formalismos excesivos; la primera cara, por lo demas delicada y relajada, contrasta netamente con la vivacidad de las pruebas en directo, e incluye 'Triad', compuesta por David Crosby (y rechazada por The Byrds), y 'Lather', de Grace Slick, una especie de regalo de cumpleanos para Spencer Dryden. En este periodo los miembros de Jefferson Airplane invierten sus primeras ganancias en comprar una lujosa casa en el 2400 de Fulton Street, una dirección que rapidamente sera muy conocida en toda la California hippy, convirtiendose, ademas de ser la vivienda y sala de pruebas del grupo, en lugar de encuentro para artistas de todo tipo y de fiestas desenfrenadas que duraban dias y dias. El año 1969 es un año fundamental para toda la música y la cultura californiana. Tambien es un año importantisimo para Jefferson Airplane: en los primeros meses publica su primer "directo", titulado 'Bless it's pointed little head'; grabado en Fillmore West, el disco se abre con un grito al estilo de King Kong, que servia de introducción al concierto propiamente dicho, sobre el que se superponen los potentes redobles de Dryden, que hacen explosion en el tema '3/5 of a mile in 10 seconds'. 

Todo el disco esta dotado de un notable dinamismo y no faltan los contrastes entre la cruda potencia sonora y, por ejemplo, la aterciopelada belleza del tema 'Fat angel' de Donovan. Ademas, se ha dejado mucho espacio para la improvisación, como en los temas 'Rock me baby' y 'Bear melt'. Tambien el cine se interesa en Jefferson Airplane, cuyos miembros rechazan muchas ofertas ventajosas, aceptando, en cambio, aparecer en una terraza de Nueva York para la pelicula 'American Movie', de Jean-Luc Godard, que despues se titularia 'One PM', de 1970. El grupo tambien aparece despues en Monterey pop de 1968, tocando 'High flying bird' y 'Tod' (esta última con Grace Slick que mueve los labios mientras Balin canta fuera cuadro). Pero 1969 sera recordado sobre todo por el gran Festival de Woodstock ( que excitó la fantasia del movimiento y constituyó un evento irrepetible. Jefferson Airplane aporta su contribución al festival tocando al amanecer, como primicia, parte de su nuevo album que estaba por salir. La grabación en video de la exhibición no se incluyó en la pelicula, pero el tema 'Volunteers' es parte del triple album 'Woodstock'; en cambio, 'Eskimo blue day', 'Won't you try' y 'Saturday afternoon' estan recogidos en el siguiente album doble sobre los tres miticos dias de paz, amor y música.

 EI nuevo album, 'Volunteers', se publica oficialmente en otoño de 1969. Ademas de los componentes oficiales del grupo, participan en la grabación Jerry Garcia, lider de Grateful Dead, David Crosby y Stephen Stills, que estaban a punto de unirse a Graham Nash, y Nicky Hopkins. Los temas son todos de antologia: 'We can be together', inspirada en el Ilamamiento a las armas de Kantner; 'Hey Fredrick', Ilena de alusiones sexuales; 'Good shepherd', de dulce cadencia biblica; hasta Ilegar a la explosiva 'Volunteers', que convoca a los voluntarios norteamericanos dispuestos a luchar por un mundo nuevo. Pero aún es más importante el impacto psicológico que supuso 'Volunteers' para los mismos musicos. Tras aguel tórrido 1969, en efecto, nada vuelve a ser como antes: los sueños y las utopias se disuelven con la nueva decada, Nixon gobierna, la guerra de Vietnam es cada vez mas una trampa mortal, muchos artistas e intelectuales prefieren los dolares a la militancia. Tambien dentro de Jefferson Airplane la vida toma otros derroteros y muchos de los músicos buscan nuevas salidas creativas: Spencer Dryden se casa, se une a New Riders of the Purple Sage y es sustituido en el grupo por Joey Covington; Jorma Kaukonen y Jack Casady vuelven a su viejo amor por el blues y dan vida a Hot Tuna. Para respetar el contrato discografico, el grupo decide publicar un album antológico de exitos, titulado irónicamente 'The worst of Jefferson Airplane'. Pero Grace Slick y Paul Kantner prosiguen implacables en su proyecto artistico; en primer lugar publican un single compuesto por Grace Slick, 'Mexico', inspirado en una operación Ilevada a cabo por Nixon para acabar con el trafico de marihuana. 

Pero el gran proyecto se titula 'Blows against the empire', una absoluta obra maestra, con un conjunto ampliado que comprende tambien a Garcia, David Frieberg, Mickey Hart y Peter Kaukonen (el hermano guitarrista de Jorma), un album concebido claramente tras la estela de 'Volunteers' y firmado por Kantner y Grace Slick, que en ese momento esta esperando un hijo. El disco contiene la larga suite 'Blows against the empire', canción de ciencia-ficción, tanto en lo referente al texto como a la música, que imagina un viaje interestelar en busca de una nueva Tierra para colonizar, una moderna arca de Noe a ritmo de rock. El disco tambien contiene algunas canciones en honor de la criatura que esta por nacer y que simboliza la esperanza de un futuro mejor: 'The baby tree' y 'A child is coming'. EI vuelo de Jefferson Airplane se reanuda oficialmente en 1971, con el abandono de Marty Balin y con el ingreso del anciano violinista negro Papa John Creach (nacido en 1917). En lo que se refiere a los contratos, el grupo continua sus relaciones con RCA, creando incluso una etiqueta propia, Grunt, nacida tambien para seguir la actividad de Hot Tuna y de algunos proyectos en solitario. 

El primer disco de la nueva decada es 'Bark', editado en 1971, que contiene grandes exitos comerciales como 'Pretty as you feel' (con la participacion de Carlos Santana) y 'When the earth move again', que conduce al oyente a los climas incandescentes de 'Volunteers'; ademas Kaukonen compone la dulce 'Third week in Chelsea', otro tema inspirado en el mitico Chelsea Hotel de Nueva York. En 1972, el grupo publica 'Long John Silver', que marca el abandono de Kaukonen y Casady, cada vez más comprometidos con Hot Tuna. A esta nueva deserción Kantner y Slick responden con dos albumes buenos y originales: el primero de ellos es 'Sunfighter', editado en 1971, natural evolución de 'Blows against the empire' y celebración por la recien nacida "China", que aparece en la portada e inspira la canción homónima. En 1973, los dos músicos firman con David Freiberg el album 'Baron Von Tollbooth and the chrome nun', en el que colaboran tambien The Pointer Sisters y aguel joven y maravilloso guitarrista, Craig Chaquico, que despues de algunos meses pasará a ser miembro estable del grupo. 

En cualquier caso, el año 1973 es rico en acontecimientos discográficos: en efecto, Jefferson Airplane publica su segundo album en directo, 'Thirty seconds over Winterland', grabado con ocasión de la gira de conciertos del año anterior y como celebración del famoso local Winterland de San Francisco. Mas tarde, en el transcurso de unos meses Grace Slick da vida a su primer proyecto como solista, ayudada por Kantner. El disco se titula 'Manhole' e incluye la bellisima 'Come again? Toucan'. En este momento, Jefferson se adapta a los nuevos tiempos y cambia su nombre por el de Jefferson Starship, un gran cambio: de "aeroplano" a "astronave", como si se quisiera subrayar la evolución y los continuos cambios del conjunto. Los antiguos Airplane reviven por un momento con la publicación del album 'Early flight', editado en 1974. Grunt afronta tambien una etapa dificil a causa de los fracasos comerciales de algunas publicaciones (entre las que se halla un disco como solista de Papa John Creach y uno de Joey Covington). 

Tambien por este motivo Starship se abre a las exigencias de un nuevo público, ahora distante por edad de los años calientes, y graba 'Dragonfly' con Pete Sears. Es de destacar, de cualquier manera, la maravillosa 'Hyperdrive' y la presencia del resucitado Marty Balin en 'Caroline'. Balin vuelve asi a frecuentar a sus amigos y firma el nuevo exito comercial del grupo, aquella 'Miracles' incluida en el album 'Red octopus', de 1975, que escala las listas de exitos: rock facil, bueno, profesional, pero tambien aseptico. Mientras tanto, no faltan nuevos cambios dentro de la formación. La pareja Slick-Kantner no soporta el desgaste del tiempo, el violinista Creach abandona, y Starship sigue adelante trabajosamente publicando 'Spitfire', en 1976 y 'Earth', en 1978, en el que el grupo toca fondo artisticamente a causa tambien de una Grace Slick ya semialcohólica. En 1979, se publica un nuevo trabajo, 'Gold', y en 1980 el album 'Freedom at point zero', con la intervenciOn de Mickey Thomas, como vocalista y de Aynsley Dunbar. Un tema escala las listas de exitos europeas, 'Jane', pero le sustituye rapidamente el album de 1981, 'Modern times'. 

Al mismo tiempo, Grace Slick habia continuado grabando como solista: en primer lugar el discreto 'Dreams', en 1980, y despues el terrible 'Welcome to the wrecking ball', en 1981. Para Jefferson Starship los años ochenta continuan entre amagos de disolución, conciertos para los veteranos de Vietnam y colaboraciones dispersas. En 1982, se publica 'Winds of change', album sin pena ni gloria, que en la portada muestra el ansia por encontrar un nuevo público. En 1983, Paul Kantner recoge los restos del proyecto alternativo y publica 'Planet earth rock'n'roll orchestra', un album en el que tocan como invitados Freiberg, Chaquico, Thomas y Casady; el disco confirma tambien el debut de China Kantner. Este disco tambien marca la histórica deserción de Paul Kantner, quien, no obstante, participa en el album 'Nuclear primitive', editado en 1984, verdadero preludio de Starship. Asi, con una nueva y flamante formación, el grupo opera un nuevo cambio de nombre: descarta a Jefferson y se queda solo con Starship. 

En 1985, Starship graba 'Knee deep in the hoopla', con una formación compuesta por Pete Sears, Craig Chaquico, Grace Slick, Mickey Thomas y Conny Baldwin. Las canciones tienen un vago sabor a plastico y solo en algunas ocasiones se pueden captar los ecos del antiguo esplendor. A pesar de todo, Starship consigue con una de las canciones de este album, 'We built this city', el primer número 1 de su historia. El grupo parece destinado a una triste decadencia tambien en el plano comercial, cuando en 1987 da en el blanco con la canción 'Nothing's gonna stop us now', que se convierte en el tema principal de la banda sonora de la pelicula 'Maniqui'. La canción, apoyada tambien por un gracioso videoclip, alcanza la cima de las listas de exitos estadounidenses. 

El exito de 'Nothing's gonna stop us now' supera al del album 'No protection', de 1987, producido por Keith Olsen, y en el que destaca 'It's not over ('til it's over)', carne de listas de exitos, aunque no consigue su fin, y culmina con la deserción del bajista Pete Sears, avido por descubrir nuevos horizontes musicales. Pero a pesar de los exitos, fruto de la gran personalidad de Jefferson, los próximos años estan destinados a ver el lento e inexorable desgaste de una de las formaciones mas importantes del rock californiano. No faltaran, sin embargo, los aciertos, el aprecio de la critica y el calor del público. A los inicios de 1988, Grace Slick dejó Starship, reduciéndose la banda a un trío: Thomas, Craig Chaquico, y Donny Baldwin. Agregaron a dos nuevos miembros, Mark Morgan (teclado) y Brett Bloomfield (bajo), y en 1989 lanzaron su tercer álbum “Love Among the Cannibals”.

Banda clave dentro de la psicodelia y el acid-rock desarrollado en la zona californiana de San Francisco, los Jefferson Airplane lideraron las posturas vitales del hippismo, establecieron en su lírica combativos y críticos postulados ideológicos en contra de las usuales pautas de conducta sociales estadounidenses y enarbolaron la bandera de una juventud hastiada de un contexto político con el que no se sentían identificados. Las bandas sucesoras a Jefferson Airplane incluyen a Jefferson Starship y Starship, y bandas paralelas Hot Tuna (formada por Jorma Kaukonen y Jack Kassady) y KBC Band (formada por Paul Kantner, Marty Balin y Jack Casady). Jefferson Airplane fue incluida en el Rock and Roll Hall of Fame en 1996.


Ficha de la banda:


Origen:            San Francisco, California
Seudónimo:     The Airplane
Géneros:         Rock psicodélico, Rock ácido, Folk rock, Hard rock
Períodos:        1965 - 1974, 1989, 1996
Discográficas:  RCA, Grunt Records, Epic Records
 


Miembros



    Paul Kantner - guitarras, coros (1965-1972, 1989)

    Jorma Kaukonen - guitarras, coros (1965-1972, 1989)

    Marty Balin - voz, guitarra (1965-1971, 1989)

    Signe Toly Anderson - voz (1965-1966)

    Bob Harvey - bajo (1965)

    Jerry Peloquin - tambores (1965)

    Jack Casady - bajo (1965-1972, 1989)

    Skip Spence - batería (1965-1966, murió 1999)

    Grace Slick - voz (1966-1972, 1989)

    Spencer Dryden - batería (1966-1970, murió 2005)

    Papa John Creach - violín (1970-1972, 1989, murió 1994)

    Joey Covington - batería (1970-1972)

    John Barbata - batería (1972)

    David Freiberg - voz (1972)



Discografía



    1966: Jefferson Airplane Takes Off

    1967: Surrealistic Pillow

    1967: After Bathing at Baxter's

    1968: Crown of Creation

    1969: Bless Its Pointed Little Head

    1969: Volunteers

    1971: Bark

    1972: Long John Silver

    1989: Jefferson Airplane



lunes, 17 de marzo de 2014

MÙSICOS - TOM WAITS (1949-)









Waits nació en el Park Avenue Hospital de Pomona, California, el 7 de diciembre de 1949. Su padre, Jesse Frank Waits, era descendiente de irlandeses y su madre, Alma Johnson McMurray, descendiente de noruegos estadounidenses. Tras el divorcio de sus padres en 1960, Waits marchó a vivir con su madre a Whittier, y se mudó con posterioridad a National City, cerca de la frontera entre Estados Unidos y México. Waits, que fue autodidacta en el aprendizaje del piano, realizó frecuentes viajes con su padre a México. Años después, comentó que encontró el amor por la música durante esos viajes, a través de baladas mexicanas que eran, según sus palabras, «probablemente rancheras, que ponían en la radio del coche de mi padre».

En 1965, mientras asistía a la escuela secundaria en el Sweetwater Union High School District de Chula Vista, Tom comenzó a tocar en una banda de rhythm and blues/soul llamada The Systems, y encontró su primer trabajo en el Napoleone Pizza House de National City, sobre el cual cantó en las canciones «I Can't Wait to Get Off Work (And See My Baby on Montgomery Avenue)» del álbum Small Change, y en «The Ghosts of Saturday Night (After Hours at Napoleone's Pizza House)» del álbum The Heart of Saturday Night. Años después, Waits admitió que no era muy seguidor de la escena musical de los años sesenta: «No estaba muy emocionado por Blue Cheer, de modo que encontré una alternativa, incluso aunque fuese Bing Crosby». Cinco años después, comenzó a trabajar como portero del club nocturno Heritage de San Diego (California), donde ofreció su primer concierto por 25 dólares. Seguidor de Bob Dylan, Lord Buckley, Jack Kerouac, Louis Armstrong, Howlin' Wolf y Charles Bukowski, Waits comenzó a desarrollar durante estos años su propio e idiosincrático estilo musical.

Tras servir en la Guardia Costera de Estados Unidos, Tom comenzó a tocar en el club The Troubadour de Los Ángeles. En 1971 se trasladó a Echo Park, un barrio residencial de Los Ángeles donde también residían músicos como Glenn Frey de los Eagles, J. D. Souther, Jackson Browne y Frank Zappa, y firmó un contrato de representación con Herb Cohen. Entre agosto y diciembre de 1971, Waits grabó varias demos para el sello discográfico de Cohen, Bizarre/Straight, posteriormente publicadas en los álbumes The Early Years, Volume One y The Early Years, Volume Two.

Waits firmó con Asylum Records en 1972, y tras numerosas sesiones de grabación nefastas, su primer trabajo, Closing Time, fue publicado en 1973. El álbum fue producido y arreglado por el antiguo miembro de Lovin' Spoonful, Jerry Yester, y recibió reseñas positivas por parte de la crítica musical, aunque se granjeó su popularidad a través de versiones de sus canciones; la primera versión de un tema de Waits fue hecha por Tim Buckley en el álbum Sefronia, que versionó la canción «Martha». La canción que abre el disco, «Ol’ 55», fue grabada por The Eagles en 1974 para su álbum On the Border.

Tras publicación de Closing Time, Tom Waits comenzó a salir de gira teloneando a artistas como Charlie Rich, Martha and the Vandellas y Frank Zappa. Waits comenzó a labrarse mejores críticas y ganó nuevos adeptos y seguidores con la publicación de posteriores trabajos discográficos. Así, The Heart of Saturday Night, publicado en 1974, reveló las raíces musicales de Waits como intérprete de clubes nocturnos, con baladas a veces recitadas y otras veces interpretadas con voz de crooner, y acompañado de una banda de jazz. Waits describió The Heart of Saturday Night como «un comprensivo estudio de aspectos en la búsqueda del corazón del sábado noche, lo que Jack Kerouac persiguió incansablemente de un lado a otro del país, e intenté recoger unos pocos diamantes de la magia que vi».

En 1975, Waits se trasladó al motel Tropicana del Santa Monica Boulevard y publicó el álbum doble Nighthawks at the Diner, grabado en un estudio con un público reducido para capturar el ambiente de un pequeño concierto. El álbum sirve de resumen de los conciertos de Waits de aquella época, que incluían largos monólogos introductorios de las canciones. Tom contribuyó el mismo año a los coros de la canción «Your Sweet and Shiny Eyes» de Bonnie Raitt.

Durante estos años Waits consumió frecuentemente alcohol y su estilo de vida comenzó a repercutir física y mentalmente en él, tal y como él mismo reconoció: «Estuve enfermo todo ese periodo. Estuve viajando mucho, viviendo en hoteles, comiendo mala comida, bebiendo mucho… demasiado. Hay un estilo de vida que está antes de que tú llegues y te introducen en él. Es inevitable».

En respuesta a sus dificultades personales, Tom Waits publicó Small Change en 1976, que profundiza líricamente en un estilo de vida cínico y pesimista, con canciones como «The Piano Has Been Drinking (Not Me) (An Evening with Pete King)» y «Bad Liver and a Broken Heart (In Lowell)». Con Small Change, Waits afirmó: «Traté de resolver varias cosas en torno a la imagen de sensiblero y alcohólico depresivo que tenía. No hay nada divertido en un borracho. Comencé a creer que había algo divertido y maravillosamente americano en ser un borracho. Acabé diciéndome a mí mismo que tenía que cortar con esa mierda». El álbum, que incluye el tema «Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)» y cuenta con la colaboración del batería Shelly Manne, estuvo fuertemente influido por el jazz, al igual que sus anteriores trabajos.

La publicación de Small Change, acompañada del sencillo «Step Right Up»/«The Piano Has Been Drinking», fue un éxito de crítica y sobrepasó las ventas de los anteriores trabajos de Tom Waits. Con él, entró por primera vez en la lista de éxitos estadounidense Billboard 200, hecho que no volvió a repetir hasta la publicación de Mule Variations en 1999.El resultado fue una mayor relevancia pública, con entrevistas y artículos extensos en revistas como Time, Newsweek y Vogue.34 Además, Waits reunió una banda bajo el nombre de The Nocturnal Emissions, que incluyó a Frank Vicari en el saxofón, a Fitzgerald Jenkins en el bajo y a Chip White en la batería. Tom Waits y The Nocturnal Emissions salieron de gira por Estados Unidos y Europa entre octubre de 1976 y mayo de 1977, incluyendo apariciones televisivas en el programa «Old Grey Whistle Test» de la BBC2 en mayo de 1976. Waits volvió al programa tres veces más: en 1977 interpretando «Small Change» y «Tom Traubert's Blues», en 1979 para tocar «Burma Shave» y en 1985 interpretando «16 Shells from a 30.06» y «Cemetery Polka».

Foreign Affairs, publicado en 1977, siguió un tono similar a su predecesor, aunque mostró un mayor refinamiento artístico y una mayor dedicación a los estilos de jazz y blues. El álbum incluye a Bette Midler cantando con Tom en «I Never Talk to Strangers». Un año después, Tom Waits publicó el álbum Blue Valentine, que muestra un alejamiento del jazz y un mayor enfoque en la guitarra eléctrica y los teclados en comparación con sus anteriores trabajos, y en donde son poco frecuentes los arreglos de cuerda, con la excepción de «Somewhere», una versión de la canción homónima del musical West Side Story. En 1978 Waits también hizo su primer cameo en un largometraje, Paradise Alley, en el papel de un pianista, y contribuyó a la banda sonora con los temas «(Meet Me in) Paradise Alley» y «Annie's Back in Town».

Heartattack and Vine, el último álbum de Tom para Asylum, fue publicado en 1980 e incluye un mayor predominio de las baladas como «Jersey Girl» y un mayor acercamiento al rhythm and blues.41 Ese mismo año, Waits comenzó a trabajar con Francis Ford Coppola, quien le pidió que compusiera la banda sonora del largometraje One from the Heart.

En agosto de 1980, Waits contrajo matrimonio con la guionista Kathleen Brennan, a la que conoció en la grabación del largometraje One from the Heart. Breenan es generalmente acreditada como compositora de la mayoría de las canciones de Waits en sus álbumes más recientes, y es citada por Tom como su principal influencia en su trabajo. Tras abandonar Asylum, el sello publicó en 1981 Bounced Checks, el primer recopilatorio de su carrera musical, que incluía versiones alternativas de «Jersey Girl», de «Whistlin’ Past The Graveyard» y una versión en directo de «The Piano Has Been Drinking».

Durante este periodo, Waits participó como actor secundario en varias películas, realizando un cameo como pianista ebrio en Wolfen39 y aportando a su banda sonora el tema «Jitterburg Boy». One from the Heart se estrenó en los teatros en 1982, con Waits interpretando el papel de trompetista, lo que supondría la primera de sus colaboraciones con Francis Ford Coppola. En años posteriores, Waits tuvo sucesivas apariciones en películas de Coppola, como The Outsiders, La ley de la calle y The Cotton Club. Además, interpretó al señor Randfield en Drácula de Bram Stoker y contribuyó con dos canciones al documental de 1984 Streetwise.

Tras abandonar Asylum, Waits firmó un contrato con Island Records46 y publicó en 1983 Swordfishtrombones, un álbum que marcó un giro brusco en su estilo musical, relevando a un segundo plano instrumentos como el piano o la guitarra e inclinándose por sonidos poco comunes. Swordfishtrombones también introdujo en el repertorio de Waits instrumentos como la gaita en «Town with No Cheer», la marimba en «Shore Leave», el órgano, la percusión, secciones de viento e incluso instrumentos obsoletos como un chamberlin dañado y un violinofón.

Con Swordfishtrombones, su forma de componer también sufrió un cambio radical, moviéndose de las baladas tradicionales de piano y arreglos de cuerda de los años 70 a estilos ignorados en la música pop, como el cabaret, la rumba, el tango, la música folk europea, la música country primigenia y las canciones de la era Tin Pan Alley.49 Waits también grabó una tema hablado, «Frank’s Wild Years», influido por los trabajos de Ken Nordine de los años 50.

Su nuevo énfasis en la experimentación musical de otros estilos e instrumentos continuó en 1985 con la publicación de Rain Dogs, una extensa colección de 19 canciones que recibió buenas críticas de la prensa musical y fue situado por la revista musical Rolling Stone en el puesto 21 de los 100 mejores discos de los años '80. Las aportaciones de guitarristas como Marc Ribot, Robert Quine y Keith Richards contribuyeron al alejamiento de Tom de las composiciones de piano, unido a un mayor énfasis por instrumentos que se convertirían en habituales de las canciones de Waits, como la marimba, el acordeón, el contrabajo, el trombón y el banjo, entre otros. Rain Dogs dio lugar al maxi sencillo «Downtown Train»/«Tango Till They're Sore»/«Jockey Full of Bourbon» y al video promocional de «Downtown Train», dirigido por Jean Baptiste Mondino y con un cameo de la leyenda del boxeo Jake LaMotta.

Franks Wild Years, una obra de teatro musical de Waits y Brennan, fue puesta en escena como un musical off Broadway en 1986 y dirigida por Gary Sinise, con un estreno en el Teatro Steppenwolf de Chicago, en el que el propio Waits interpretó el papel principal.57 Su carrera cinematográfica prosiguió con papeles en el largometraje Bajo el peso de la ley de Jim Jarmusch, que incluyó dos canciones del álbum Rain Dogs en su banda sonora. El mismo año, Waits también contribuyó en la canción de los Rolling Stones «Harlem Shuffle» para el álbum Dirty Work.

Un año después, Tom publicó el álbum Franks Wild Years, con versiones de estudio de la obra de teatro homónima.59 También continuó su carrera como actor en un papel de apoyo en Tallo de hierro, basada en la novela de William Kennedy y protagonizada por Jack Nicholson y Meryl Streep, donde Waits interpreta la canción «Big Rock Candy Mountain». En 1988, publicó Big Time, un álbum en directo que recoge los últimos conciertos de su gira de 1987.

En 1989, participó en el que, hasta la fecha, ha sido su último papel teatral, interpretando a Curly en Demon Wine junto a Bill Pullman, Philip Baker Hall, Carol Kane y Bud Cort. Waits finalizó la década participando en tres películas: como locutor de radio en el filme Mystery Train de Jim Jarmusch, interpretando el papel de Kenny en Cold Feet, y como papel principal en Bearskin: An Urban Fairytale. Su única aportación musical en 1989 fue la versión del tema de Phil Phillips «Sea of Love» para la banda sonora de Melodía de seducción, posteriormente incluida en el álbum de 2006 Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards, así como su participación en los coros de la canción de The Replacements «Date to Church».


The Black Rider: The Casting of the Magic Bullets, una colaboración teatral entre Waits, el director Robert Wilson y el guionista William S. Burroughs, fue estrenada en el Teatro Thalia de Hamburgo, Alemania, el 31 de marzo de 1990. El proyecto se basó en una ópera alemana llamada El cazador furtivo, al que Waits contribuyó con la música, fuertemente influida por los trabajos de Bertolt Brecht y Kurt Weill. El mismo año, contribuyó a la versión del tema de Cole Porter «It’s All Right With Me» para el álbum Red Hot + Blue, el primero de una serie de recopilatorios publicados por la ONG Red Hot Organization, dedicada a recaudar fondos contra el SIDA. Waits también colaboró con la fotógrafa Sylvia Plachy con una grabación para su libro Sylvia Plachy’s Unguided Tour que acompaña sus fotografías y textos.

Al año siguiente, Tom se centró en su carrera cinematográfica, en la grabación de bandas sonoras y en ayudar a otros artistas. Apareció en el álbum Sailing the Seas of Cheese de Primus poniendo la voz en el tema «Tommy the Cat», que supuso la primera de varias colaboraciones entre Waits y Les Claypool, líder de Primus, en posteriores trabajos. El mismo año, participó en el álbum Devout Catalyst de Ken Nordine y aportó su voz para la canción «Adios Lounge» del álbum de Thelonoius Monster Beautiful Mess. Asimismo, colaboró en dos canciones, «Little Man» e «I’m Not Your Foll Anymore», del saxofonista de jazz Teddy Edwards para su álbum Mississippi Lad.31 64

La única colección de canciones interpretadas exclusivamente por Waits en 1991 fue la banda sonora del largometraje de Jim Jarmusch Night on Earth, publicada al año siguiente. En julio de 1991, Screamin' Jay Hawkins publicó el álbum Black Music for White People, que incluye versiones de las canciones de Waits «Heartattack & Vine» (usada posteriormente por la marca Levi's en un anuncio sin su permiso) e «Ice Cream Man».66 Waits continuó interpretando papeles en varias películas, entre las cuales se incluye un cameo no acreditado como veterano de guerra en The Fisher King. También apareció junto a Kevin Bacon, John Malkovich y Jamie Lee Curtis en la película de Steve Rash Queens Logic, así como en At Play in the Fields of the Lord, de Hector Babenco.

Bone Machine, su primer álbum de estudio en cinco años, se publicó en 1992. Este incluye un abundante uso de percusión y guitarras, con pocas partes de piano o saxofón, siguiendo el estilo marcado por sus anteriores trabajos. Quizás el álbum más cohesivo de Tom Waits. Una pesadilla mórbida, siniestra, que aplica las peculiaridades de sus experimentos clásicos en los 80 con un efecto increíblemente sugerente. Es la grabación más poderosa y afectiva de Waits, aunque no sea la más accesible. El álbum fue premiado con un Grammy al mejor álbum de música alternativa en 1993.

El 19 de diciembre de 1992, Alice, el segundo proyecto teatral de Waits con Robert Wilson, se estrenó en el Teatro Thalia de Hamburgo, Alemania. Paul Schmidt adaptó el texto de las novelas de Lewis Carroll, Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas y A través del espejo, con canciones de Waits presentadas como intersecciones entre el texto. Estas canciones fueron grabadas diez años después y publicadas en el álbum Alice. Ese mismo año, interpretó el papel de Renfield en la película de Francis Ford Coppola Drácula.

En 1993, Waits publicó The Black Rider, formado por las canciones compuestas para el musical homónimo estrenado tres años antes, con la excepción de «Chase the Clouds Away» e «In The Morning», que aparecieron en la producción teatral pero no en el álbum. El mismo año, apareció en la versión cinematográfica de Vidas cruzadas realizada por Robert Altman, y en la película de Jim Jarmusch Coffee and Cigarettes, una película en blanco y negro que contó con la participación de Iggy Pop.

En 1997, Waits y su mujer Kathleen Brennan compusieron e interpretaron la banda sonora de la película de dibujos animados Bunny, ganadora de un Premio Saturn al mejor cortometraje animado. Tras la publicación en 1998 del recopilatorio Beautiful Maladies: The Island Years, Waits abandonó Island Records y firmó con Epitaph, cuyo presidente, Andy Kaulkin, afirmó: «El sello está asombrado de que Tom nos tuviera en cuenta. Somos grandes seguidores suyos». El propio Waits tuvo palabras de elogio para el sello, afirmando: «Epitaph es un sello extraño al estar dirigido y operado por músicos. Tienen buen gusta y mucho entusiasmo, y además son buenas personas. E incluso me regalaron un nuevo Cadillac, por supuesto».

El primer trabajo para Epitaph, Mule Variations, fue publicado en 1999. La revista musical Billboard describió el álbum como «Una mezcla musical de blues provinciano, góspel sesgado y arte rebelde en una pieza sublime de escultura sonora propia de un depósito de chatarra». Mule Variations ganó un Grammy al mejor álbum de folk contemporáneo, mientras que la canción «Hold On» fue nominada a la mejor interpretación vocal de rock masculina.

Ese mismo año hizo su primera incursión como productor musical para otros artistas, colaborando con Chuck E. Weiss en la producción de Extremely Cool y aportando voz y guitarra en el disco. También contribuyó con una versión de la canción de Skip Spence «Book of Moses» al álbum More Oar: A Tribute to the Skip Spence Album, una colección de versiones del artista publicado por el sello Birdman.

En 2002, Waits publicó simultáneamente dos álbumes, Alice y Blood Money. Ambos trabajos fueron compuestos casi 10 años antes y están basados en colaboraciones teatrales con Robert Wilson: el primero, Alice, incluye las canciones de una obra que adaptó las novelas de Lewis Carroll, mientras que el segundo, Blood Money, es una interpretación de la obra teatral de Georg Büchner Woyzeck.64 Ambos trabajos revisitan el tango, el sonido Tin Pan Alley y otros géneros ya vistos en Swordfishtrombones, mientras que las letras combinan el cinismo y la melancolía, ejemplificados en canciones como «Mysery is the River of the World» y «Everything Goes to Hell». «Diamond In Your Mind», canción que Waits compuso para Woyzeck, no fue publicada en Blood Money y apareció por primera vez en el álbum de Solomon Burke Don’t Give Up On Me.

También contribuyó con una versión del tema «The Return of Jackie and Judy» de Los Ramones al álbum tributo We’re a Happy Family: A Tribute to Ramones, publicado en 2003 por Columbia Records.31 Además, actuó como juez en los Premios de Música Independiente, apoyando la carrera de nuevos músicos.

Real Gone, su primer álbum de estudio no teatral desde Mule Variations,84 fue publicado por ANTI- en 2004, y supone el único trabajo hasta la fecha que no incluye el piano en ninguno de sus temas. Muchas de las canciones están marcadas por prácticas como el beatboxing, y refleja una menor influencia del blues con respecto a trabajos anteriores. Los editores de la revista Harp Magazine escogieron a Real Gone como el mejor álbum de 2004, mientras que la canción «Metropolitan Glide» fue nominada al Grammy a la mejor interpretación vocal de rock solista en 2005. También en 2004 contribuyó a los coros de la canción «Go Tell It On The Mountain», publicada en el álbum homónimo de The Blind Boys of Alabama, y versionó el tema «King Kong» de Daniel Johnston para el álbum tributo The Late Great Daniel Johnston: Discovered Covered.

Tras cinco años de inactividad a nivel cinematográfico, Waits actuó como adivino en la película de Tony Scott Domino, y participó en la comedia romántica de Roberto Benigni El tigre y la nieve, en la que aparece tocando al piano la balada «You Can Never Hold Back Spring» al comienzo de la película, perteneciente a la banda sonora del film.

En noviembre de 2006, se publicó una colección de 54 canciones, incluyendo rarezas, temas inéditos y nuevas composiciones bajo el título de Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards.88 Los tres discos que componen la colección están divididos según su contenido: el primer disco, titulado Brawlers, incluye canciones orientadas al rock y al blues; el segundo, titulado Bawlers, incluye baladas y canciones de amor; y el tercero, Bastards, canciones que no entran en ninguna categoría, incluyendo temas hablados.

Orphans indaga en el nuevo interés del músico por la política, con el tema «Road to Peace», que relata el conflicto israelí-palestino, y es notable por contener un número considerable de versiones de otros artistas, incluyendo The Ramones («The Return of Jackie and Judy» y «Danny Says»), Daniel Johnston («King Kong»), Kurt Weill, Bertolt Brecht («What Keeps Mankind Alive») y Leadbelly («Ain't Goin' Down to the Well» y «Goodnight Irene»), así como interpretaciones de obras de poetas y autores admirados por Waits, tales como Charles Bukowski y Jack Kerouac.

Entre 2006 y 2010, Waits ofreció varias apariciones televisivas y simultáneas giras, contrastando con la lejanía de los escenarios que mantuvo durante la década anterior. El 7 de mayo de 2008 anunció la gira Glitter and Doom Tour, que dio comienzo en junio de 2008 y visitó ciudades del sur de Estados Unidos, para extenderse posteriormente al Reino Unido, Irlanda y al resto de Europa.

A finales de 2009, Waits interpretó el papel de Mr. Nick en la película de Terry Gilliam The Imaginarium of Doctor Parnassus, cuya producción comenzó en Londres en diciembre de 2007. Waits comenzó la nueva década interpretando el papel de ingeniero en el filme The Book of Eli junto a Denzel Washington, que se estrenó en enero de 2010. A comienzos de 2011, completó un libro con veintitres poemas titulado Seeds on Hard Ground, inspirados en fotografías de gente sin hogar tomadas por Michael O’Brien y publicadas con los poemas. De forma anticipada, ANTI- publicó una edición limitada del libro con el fin de recaudar fondos para el banco de alimentos Redwood Empire de Sonoma, California.

El 9 de febrero de 2011 se hizo público el ingreso de Waits como miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll. La ceremonia tuvo lugar en el hotel Waldorf-Astoria el 14 de marzo y fue presentada por Neil Young.

Artista único, ecléctico e inquieto, de voz lijosa, influenciado por la escritura beatnik de William Burroughs o Jack Kerouac y los sonidos primarios del jazz, el blues y el cabaret, Tom Waits se inspirò en las composiciones pop del Tin Pan Alley, la vanguardia, Lenny Bruce t Harry Partch para trasladar a su mùsica elementos reconocibles como los legados de Louis Armstrong y Kurt Weill, como el burlesque  o el rock experimental.

Creador y espejo de outsiders dados al alcohol y a la bohemia que pueblan ambientes tan sórdidos como románticos, tan míseros como fascinantes, tan teatrales como reales, Tom Waits es uno de los grandes personajes de la historia del rock, un crooner noctívago del lumpen, de los clubes de barrios bajos llenos de alcohol y humo.



Discografía
 
    1973: Closing Time Tour
    1974–1975: The Heart of Saturday Night Tour
    1975–1976: Small Change Tour
    1977: Foreign Affairs Tour
    1978–1979: Blue Valentine Tour
    1980–1982: Heartattack and Vine Tour
    1985: Rain Dogs Tour
    1987: Big Time Tour
    1999: Get Behind the Mule Tour
    2004: Real Gone Tour'
    2006: The Orphans Tour
    2008: Glitter and Doom Tour

Premios y nominaciones


1982      Premios Óscar  - Mejor banda sonora      
             One from the Heart - Nominado
1993      Premios Grammy - Mejor álbum de música alternativa
             Bone Machine -  Ganador
2000      Premios Grammy - Mejor álbum de folk contemporáneo   
             Mule Variations - Ganador
             Premios Grammy - Mejor interpretación de rock masculina
             «Hold On» - Nominado
2005      Premios Grammy - Mejor interpretación vocal de rock solista
            «Metropolitan Glide» - Nominado