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martes, 14 de octubre de 2014

DISCOS - BOBBY CHARLES (1972) de Bobby Charles (*)







"Como gastar los ahorros en vinilos" - por Andrés Calamaro para Revista Rolling Stone:


Cuando compramos discos es importante elegir, aunque también es interesante aventurarse a ver qué encontramos. Una tercera opción es dejarse aconsejar y este es el caso de un disco que no hubiera visto de no ser por la disquería Revolver, en Barcelona.

Se estaba reeditando parte del repertorio de Bearsville Records. No es un detalle menor: los coleccionistas buscan los "labels". Y Bearsville es uno con garantías.

Así es que estamos escuchando el disco Bobby Charles, donde él es producido por integrantes de The Band, además de otros "aristócratas" como Mac Rebbenack, David Sanborn, Billy Mundi o Bob Neuwirth.

Bobby Charles fue editado originalmente en 1972, y más recientemente en un impecable vinilo de 180 gramos. Lo disfrutarán los adoradores de la música de raíces, con origen genético en New Orleans, el Second Line y el blues, también en versión de rock libre grabado por blancos que interpretan el sonido profundo de la tierra. Es el caso del alma que canta, la de Bobby Charles, y la delicia en cada compás, en cada instrumento: una grabación con denominación de origen y aromas que recuerdan todo lo legítimo y auténtico que encontramos en las grabaciones de Little Feat, The Band, The Meters, JJ Cale, Ry Cooder y la tropilla angelina y texana, siempre abierta a los sonidos del american soul y el folk funk. Aromas al tiempo de Bobby y sus amigos en Woodstock, hogar de Bearsville Studios y la otra "casa rosada", la de las grabaciones del sótano formadas por "la banda" y Bob Dylan. Tampoco estoy tan seguro, pero es un antecedente insobornable de las actuales Bootleg Series.

Como suponen los cánones que mandan cuando se trata de discos buenos, no se puede destacar una canción: es un álbum. Mas que una colección de canciones, una declaración de principios y feeling. Country funk, el legado de Bearsville que vuelve a despertar en su formato original. Todo eso.

 (*) Por Andrés Calamaro




Acerca de...

Bobby Charles (Cantautor)
Fecha de nacimiento: 21 de febrero de 1938, Abbeville, Luisiana, Estados Unidos

Fecha de la muerte: 14 de enero de 2010, Luisiana, Estados Unidos

Álbumes: Louisiana Days, Timeless, Chess Masters, Más
 


Link - "All the Money":



Fuente: 12.09.2014 | REVISTA ROLLING STONE - la columna de Calamaro: cómo escuchar Bobby Charles - WWW.ROLLINGSTONE.COM.AR

 

lunes, 6 de octubre de 2014

DISCOS - LIVE IN MANCHESTER (2010) de Slash feat. Myles Kennedy










* * * *
MUY BUENO




Reseña:


"Live in Manchester" es un álbum doble en vivo del guitarrista Slash acompañado del cantante Myles Kennedy que recoge el concierto que dio el guitarrista angloamericano el 3 de julio del 2010 en la sala Academy de Mánchester (Reino Unido). El concierto hacía parte de la gira mundial iniciada después del lanzamiento de "Slash", primer álbum epónimo del guitarrista. 

El disco fue grabado y mezclado por la presitigiosa empresa Abbey Road Live y salió a la venta inmediatamente después del concierto. Tan solo se publicaron 1200 ejemplares del álbum que se agotó rápidamente y se ha convertido en una pieza de colección para los fanáticos del emblemático guitarrista. El disco contiene temas recientes del álbum estreno en solitario de Slash y también temas clásicos de Velvet Revolver, Slash's Snakepit y Guns N'Roses, así como covers de Led Zeppelin y Alter Bridge.



Lista de canciones

Disco uno           
         
1.            «Ghost» (Slash)               4:37
2.            «Mean Bone» (Ain't Life Grand)              4:06
3.            «Nightrain» (Appetite for Destruction)                5:34
4.            «Dirty Little Thing» (Contraband)            4:59
5.            «Back from Cali» (Slash)              4:02
6.            «Beggars & Hangers-on» (It's Five O'Clock Somewhere)             6:56
7.            «Civil War» (Use Your Illusion II)              8:16
8.            «Rocket Queen» (Appetite for Destruction)      6:45
9.            «Fall to Pieces» (Contraband)   4:58
10.          «Sucker Train Blues» (Contraband)        5:58
11.          «Nothing to Say» (Slash)             7:50
12.          «Starlight» (Slash)          6:00


Disco dos           
   
1.            «Watch This» (Slash)     4:09
2.            «The Godfather» (Solo)              10:46
3.            «Sweet Child O' Mine» (Appetite for Destruction)         6:45
4.            «Rise Today» (Alter Bridge)       4:12
5.            «Slither» (Contraband)                10:23
6.            «Communication Breakdown» (Led Zeppelin)  3:38
7.            «Paradise City» (Appetite for Destruction)         10:48


Créditos

Slash – Guitarra
Myles Kennedy – Voz
Bobby Schneck – Guitarra rítmica
Todd Kerns – Bajo, coros
Brent Fitz – Batería

Mezcla: Abbey Road Live, Paul Nickson – grabación y mezcla

Equipo de grabación:

-Caitlin Cresswell
-Dan Hardingham
-Holly Johnsen
-Louise Downer
-Margot Meyer
-MJ
-Noggin
-Rizzo
-Zach Bair

Ficha del álbum:

Publicación:    13 de julio 2010
Grabación:      3 de junio 2010, sala Academy de Mánchester
Género:            Rock, Hard rock, Blues-rock
Formato:         Disco en vivo
Duración:        120:42
Discográfica:  Dik Hayd International
Productor:      Paul Nickson

 
Link - audio del album completo:



jueves, 25 de septiembre de 2014

DISCOS - ALIVE (2012) de Adler's Appetite










ADLER, ESE AVE FÉNIX



* * * 
BUENO




Reseña:

El sello de los miembros de Warrant- Jerry Dixon (bajo) y Erik Turner (guitarra)- "Down Boys Records", ha editado el EP de Adler's Appetite "Alive" (2012). El nuevo material antecede al anterior EP (titulado de forma homónima a la banda) que se editara en 2005. Respecto a su flamante producción, el lanzamiento oficial se produjo el pasado día 2 de Abril y está disponible en formato digital y CD físico.

El material fue grabado por el propio Adler en compañia del cantante Rick Stitch, el bajista Chip Z'Nuff (Enuff Z'Nuff) y el guitarrista Alex Grossi (Hotel Diablo, Bang Tango, ex Quiet Riot, Beautiful Creatures), quienes dejaron la banda luego de concluido el proyecto. 

El baterista se describe a sí mismo como una persona alocada, temeraria, extrovertida, apasionada de la música y con una tendencia autodestructiva hacia los excesos que le ha llevado a poner en riesgo su carrera musical y su propia vida, nada menos. Sin embargo, y ya pasada la tormenta, Adler encuentra ocupación e inspiración manteniendo la adrenalina bien alta. Desde sus infiernos ya vencidos y en una suerte de método catártico surge este material discográfico, un breve pero contundente estallido de rock de comienzo a fin.
 
 Adler's Appetite fue una banda formada y liderada por Steven Adler -el ex baterista de Guns N' Roses- cuyo principal repertorio se sustenta en covers de Appetite For Destruction -el disco debut de los californianos- agregando algunas canciones de los discos Use Your Illusion I y Use Your Illusion II que fueron tocadas en vivo por Adler cuando estaba en Guns N' Roses, como Civil War, Knockin' on Heaven's Door y Don't Cry. El grupo ha realizado sucesivas presentaciones en eventos locales estrenando canciones de su último trabajo de estudio, que incluye un brillante cover de Aerosmith de su clásico "Draw the Line". 


De esta forma, la banda esta apuntando a un mercado joven, y desde el punto de marketing le permitirá hacerse conocer entre las nuevas generaciones que empiezan a escuchar hard rock y donde el ex Gn'R sigue siendo un punto de referencia en el firamemento musical. La huella gunner trazada por Adler y companía allá por fines de unos peligrosos y salvajes años '80 es una marca imborrable que aún persigue los caminos solistas de Steven.


Lista de temas que incluye el EP: 

01. Alive
02. Stardog
03. Fading
04. Alive [Instrumental] 
05. Draw the Line 


Ficha del album de  de Adler's Appetite:

Género: Hard Rock
Duración: 22:22
Formato: EP
Discografica: "Down Boys Records" / Arrogant Bastard Ltd.


Clip - "Alive"



jueves, 4 de septiembre de 2014

DISCOS - STRATHOSPHERE (2014) de Matt Sorum's Fierce Joy








EL SONIDO INTERGALÁCTICO



* * *
BUENO


Ficha Técnica del album:

Duración: 51:15
Género: Rock, Folk, Blues
Edición: 2014
Discográfica: Hollywood Zen

“Stratosphere” Track Listing:



01. Intro – Stratosphere Part 1
02. The Sea
03. What Ziggy Says
04. For The Wild Ones
05. Goodbye To You
06. Gone
07. Lady of the Stone
08. Ode to Nick Drake
09. Blue
10. Josephine
11. Land of the Pure
12. Killers N Lovers
13. The Lonely Teardrop
14. Outro – Stratosphere Part 2

Reseña:
Stratosphere es el nombre del 1er disco en solitario de Matt Sorum (The Cult, GNR,s Velvet Revolver.). El disco saliò en marzo de 2014 y segùn el propio artista, rescata sus influecias de The Beatles, David Bowie, Genesis y Tom Petty, entre otros. El exbaterista de Guns N’ Roses retoma su carrera musical con el lanzamiento de su nuevo álbum, “Stratosphere” el cual editó a través de su propio sello, Rok Dok Recordings. El músico de 54 años está acompañado en este nuevo proyecto por su banda Matt Sorum’s Fierce Joy
 Quien fuera baterista de bandas como The Cult, Guns N’ Roses y Velvet Revolver, publica un trabajo de suaves melodías acústicas y orquestadas, en el que Matt Sorum también se atreve con la voz. Y no lo hace nada mal. Como si fuera poco, escasos músicos pueden presumir de haber pertenecido a varias bandas de tanto renombre. Matt Sorum sí. El que fuera baterista de grupos como The Cult, Guns N’ Roses, Neurotic Outsiders o Velvet Revolver, anunciò a principios de este año nuevo disco en solitario.  ¿Será el nuevo disco de Sorum otro ejercicio hardrockero? Nada más lejos de la realidad. El músico californiano nos sorprende con canciones acústicas, relajadas y orquestadas, en las que también lleva la voz cantante. Sus influencias para este trabajo, como dicho, han sido artistas como Joni Mitchell, Neil Young o Tom Petty.
 Stratosphere no es su primer trabajo como solista, ya que en 2004 publicó Hollywood Zen, trabajo co-producido junto a Lanny Cordola (House of Lords), para el que contó con colaboraciones de Duff McKagan y Slash. Entre los cambios que tendrá respecto a su historia musical, asegura que, además de componer, esta vez no estará a cargo de la batería: “Siempre he tocado guitarra acústica y escribí un par de canciones para Velvet Revolver. En Guns N’ Roses, Axl y Slash me buscaban para los arreglos. No era el compositor principal, pero siempre he estado involucrado en el proceso”.


Clip - trailer del album:






sábado, 12 de abril de 2014

DISCOS - RAW POWER (1973) de Iggy Pop & The Stooges









* * * * *
EXCELENTE
 




Reseña:



Raw Power es el tercer álbum de la banda de protopunk estadounidense The Stooges. Fue ampliamente ignorado cuando se publicó en 1973, y el grupo se separó un año después. A pesar de ello, fue bien recibido por un reducido grupo de fanáticos entre los que se encontraban muchos jóvenes músicos que ayudarían a crear el punk rock a mitad de la década de los 70, convirtiendo a Raw Power en uno de los documentos más importantes del protopunk.

Al no poseer compañía discográfica, la banda se quedó durante un tiempo sin nadie que les consiguiese actuaciones ni el dinero necesario como para seguir con la producción de nuevos discos, por lo que se produjo durante un tiempo un parón musical. Afortunadamente, Pop conoció a David Bowie en septiembre de 1971, convirtiéndose ambos rápidamente en buenos amigos. De esta forma, Bowie ayudó a Pop a reconstruir la banda como seguidamente convenció a su discográfica, Columbia Records, de que los contratase. Su tercer trabajo, Raw Power, salió pronto a la luz, en 1973, y aunque es considerada como una de las piedras angulares del punk rock, tuvo el mismo poco éxito que sus dos predecesores. El grupo se embarcó en una gira promocional que duró varios meses.



The Stooges se había formado en Detroit, Michigan a finales de los 60. Sus primeros dos álbumes, The Stooges (1969) y Fun House (1970) fueron igualmente un fracaso comercial y el grupo se separó. Tras la separación, el cantante Iggy Pop fue contratado individualmente por MainMan Management, que también contaba con David Bowie. Dave Alexander luchaba contra su alcoholismo, y la adicción de Pop a la heroina iba en aumento antes de conocer a Bowie. Aun así, Pop estaba decidido a reformar la banda.



Iggy Pop firmó con Columbia Records y fue mandado a Londres a componer y grabar el nuevo álbum con su nuevo colaborador, el guitarrista James Williamson. Pop insistió en que sus ex compañeros de Stooges, Ron y Scott Asheton participaran en la grabación. Williamson se encargó de la guitarra, Ron Asheton pasó a tocar el bajo (habiendo sido el guitarrista con The Stooges), y Scott Asheton la batería.



Fue el propio Iggy Pop quien produjo y mezclo el álbum, si bien su primer intento fue lamentable mezclando casi todos los instrumentos en un canal y las voces en otro. MainMan exigió que el álbum fuera remezclado, pero Pop se negó. Cuando MainMan informó a Pop de que si el disco no era remezclado por Bowie, no lo publicaría, Pop aceptó, pero insitiendo en que su mezcla de "Search and Destroy" se mantuviera. Debido a problemas de presupuesto, Bowie remezcló las otras siete canciones en un sólo día en un estudio barato de Los Ángeles.



Iggy Pop dijo que los directivos de Columbia insistieron en que intodujeran dos baladas, una en cada cara del disco. Estas baladas fueron "Gimme Danger" y "I Need Somebody", ambas mucho más oscuras y amenazadoras que las baladas tradicionales. "Search and Destroy" y "Shake Appeal" fueron los singles publicados. Las ventas de Raw Power fueron bajas, aunque logró llegar al número 182 en el Bilboard de álbumes de pop. La banda continuó sus actuaciones en vivo, pero Columbia terminó por rescindir su contrato y The Stooges se separaron.




A pesar de la tibia recepción del disco, la reputación del álbum aumentó de forma abrumadora en los siguientes años, y el volumen y ferocidad del álbum se convirtieron en el punto de referencia para los demás discos. En 2003, el álbum fue situado en el puesto 125 de la lista de los 500 mejores álbumes elaborada por la revista Rolling Stone. La explosión punk en el Reino Unido en 1977 marcó el inicio del culto de este disco a gran escala, prueba de lo cual es el hecho de que una reedición del álbum entró en las listas de éxitos británicas en dicho año.1 Algunas bandas punk se han inspirado en títulos de temas del álbum para escoger sus nombres, como es el caso de los británicos Penetration, formados en 1976, o los italianos Raw Power, formados en 1981.



Entre otros, Kurt Cobain, cantante y guitarrista de la banda de grunge Nirvana, Johnny Marr de The Smiths y Euroboy de Turbonegro han repetido en diversas ocasiones que éste es su álbum favorito. Henry Rollins de Black Flag tiene las palabras "Search And Destroy" tatuadas entre los omóplatos. Copias de poca calidad de la mezcla original del disco de Pop han circulado entre los fans durante años, y en 1995, una selección de estos temas fue publicada por Bomp Records con el nombre de Rough Power.




En 1997 Columbia Records invitó a Iggy Pop a remasterizar el álbum entero para su publicación en CD. Pop comentó que de haber rechazado él el trabajo, el estudio lo habría hecho. Entre las razones que le llevaron a hacerlo, Pop citó los ánimos de fans y colegas profesionales, la existencia del disco Rough Power, el desagrado de la versión de Raw Power editada en CD en 1989 y el hecho de que Columbia fuera a publicar una nueva mezcla en su filial Legacy Records.




Las canciones del álbum han sido frecuentemente versionadas. Destacan las versiones de "Search and Destroy" realizadas por The Dictators, Sid Vicious, Red Hot Chili Peppers y Dead Boys; Guns N' Roses grabaron una versión de "Raw Power" en su álbum de versiones "The Spaghetti Incident?" e Ewan McGregor grabó una versión de "Gimme Danger" para la película Velvet Goldmine.



Lista de temas:



Todas las canciones escritas y compuestas por Iggy Pop y James Williamson. 


Cara A           

N.º       Título   Duración         

1.         «Search and Destroy»              3:29

2.         «Gimme Danger»         3:33

3.         «Your Pretty Face Is Going to Hell»   4:54

4.         «Penetration»               3:41


Cara B            

N.º       Título   Duración         

1.         «Raw Power»              4:16

2.         «I Need Somebody»   4:53

3.         «Shake Appeal»          3:04

4.         «Death Trip»   6:07


Músicos



    Iggy Pop - voz

    James Williamson - guitarra

    Ron Asheton - bajo, coros

    Scott Asheton - batería



Créditos


Versión original de 1973



-Grabado en los estudios CBS, Londres.

-Mezclado por David Bowie en Western Sound, Hollywood


Reedición de 1997



-Producido y mezclado por Iggy Pop en Sony Studios, New York.

-Productor Ejecutivo: Bruce Dickinson++



Ficha Técnica:



Publicación:   Febrero de 1973

Grabación:     10 de Septiembre - 6 de octubre 1972

Géneros:        Protopunk, Hard rock

Duración:       34:00

Discográfica:  Columbia Records

Productores:   David Bowie (versión original), Iggy Pop (versión 1997)



Link - album completo:




viernes, 7 de marzo de 2014

DISCOS - REMAIN IN THE LIGHT (1980) de Talking Heads







VANGUARDISMO Y RUPTURA



* * * * *
EXCELENTE





Reseña:


Remain in Light es el cuarto álbum de estudio de la banda de new wave estadounidense Talking Heads, lanzado en octubre de 1980 en Sire Records. Fue grabado en Bahamas y Estados Unidos entre julio y agosto de 1980 y fue producido por el antiguo colaborador del cuarteto Brian Eno. El álbum alcanzó la posición nº 19 en el Billboard 200 de Estados Unidos y el puesto 21 en el UK Albums Chart. Dos sencillos fueron sacados a la venta de Remain in Light: «Once in a Lifetime» y «Houses in Motion». El álbum fue certificado disco de oro en Estados Unidos y en Canadá durante los ochentas.

Los integrantes de los Talking Heads querían hacer un álbum que disipara la idea del líder y letrista jefe David Byrne dirigiendo una banda de apoyo. Por lo que decidieron experimentar con polirritmos africanos, y con Eno, grabaron las pistas instrumentales como una serie de samples y loops, una idea novedosa para esos tiempos. Músicos adicionales colaboraron frecuentemente durante las sesiones de estudio. El proceso de la escritura de las letras atrasó el avance de Remain in Light, pero éste fue concluido después de que Byrne se inspirara en la literatura académica en África. Las ilustraciones fueron hechas con la ayuda de los computadores del Instituto Tecnológico de Massachusetts y la compañía de diseño M&Co.. Después de la finalización del álbum, la banda se expandió a nueve integrantes para conciertos promocionales.

Remain in Light fue ampliamente aclamado por los críticos. Los elogios se centraron en su fusión cohesiva de géneros dispares y su experimentación sónica. El álbum ha sido puesto en varias listas de los mejores álbumes de los 80 y los mejores álbumes de todos los tiempos. Es a menudo considerado el magnum opus de los Talking Heads. En el año 2006, fue remasterizado y relanzado con la adición de 4 tomas descartadas sin finalizar.
 
En enero de 1980, los integrantes de Talking Heads volvieron a Nueva York después de la gira hecha para promocionar su aclamado tercer álbum Fear of Music, y decidieron tomarse tiempo libre para cumplir intereses personales. Byrne trabajó con Eno, el productor del álbum, en un álbum experimental llamado My Life in the Bush of Ghosts. Jerry Harrison produjo un álbum de la cantante soul Nona Hendryx en la sucursal de Sigma Sound Studios en Nueva York; la cantante y el estudio serían usados durante la grabación de Remain in Light por consejo de Harrison. La pareja Chris Frantz y Tina Weymouth discutieron la posibilidad de dejar la banda después de que Weymouth sugirió que el nivel de control de Byrne era excesivo. A Frantz no le gustaba la idea de terminar con los Talking Heads, y los dos decidieron tomar unas largas vacaciones en el Caribe para considerar la situación de la banda y su matrimonio. Durante el viaje, la pareja participaría en ceremonias religiosas de vudú y practicaron con numerosos tipos de intrumentos de percusión de la zona. En Jamaica, ellos socializaron con la famosa sección rítmica de la banda reggae Sly and Robbie.

Frantz y Weymouth terminaron sus vacaciones comprando un departamento sobre Compass Point Studios en Nassau, Bahamas, donde la banda había grabado su segundo álbum More Songs About Buildings and Food. Byrne se reunió allí con el dúo y Harrison en la primavera de 1980. Los miembros de la banda se dieron cuenta que solamente Byrne soportó la carga creativa de crear canciones aunque las composiciones fueran interpretadas como un cuarteto. La concepción de Remain in Light ocurrió parcialmente debido a que se cansaron de la noción de un cantante liderando una banda de acompañamiento; el objetivo que ellos tenían; según Byrne, era "sacrificar nuestros egos para la cooperación mutua". Además, el líder quería escapar de "la paranoia sicológica y el tormento personal" del que había estado escribiendo y sintiendo en la Nueva York de los años setenta. En lugar de tener una banda componiendo música a las letras de Byrne, Talking Heads hacía jams instrumentales usando la canción «I Zimbra» de Fear of Music como punto de partida.

Eno llegó a Bahamas tres semanas después que Byrne y estaba inicialmente reacio a trabajar con la banda de nuevo después de colaborar en los dos anteriores álbumes. Él cambiaría de opinión después de escuchar los demos intrumentales y dijo: "me encanta el camino que están tomando". Ambos grupos decidieron experimentar con la manera africana de hacer música, en las cuales las partes individuales se mezclan como polirritmos para crear un conjunto cohesivo. El álbum afrobeat Afrodisiac, del músico Nigeriano Fela Kuti, se convirtió en la plantilla para el álbum. Weymouth ha comentado que la llegada de los ochentas marcó el comienzo del hip hop, lo cual hizo que los Talking Heads se dieran cuenta de que la escena musical estaba cambiando. Antes de las grabaciones, el amigo de la banda David Gans instruyó a los miembros de la banda que "las cosas que uno no tiene intención de hacer son las semillas para un futuro más interesante". Él animó a la banda a experimentar e improvisar mientras grababan y a utilizar los "errores".

Grabación

Las grabaciones empezaron en los estudios Compass Point en julio de 1980. Se requirieron músicos adicionales para la creación del álbum, especialmente nuevos percusionistas.9 La banda usó el nombre provisional Melody Attack a lo largo de toda la grabación después de ver un programa de concursos japonés del mismo nombre. Harrison ha comentado que la intención era mezclar rock y géneros musicales africanos, más que imitar la música africana. Las técnicas de producción y el enfoque de Eno fueron claves para la concepción del álbum. El proceso fue orientado a promover la expresión del instinto y la espontaneidad sin enfocarse demasiado en el sonido del producto final. Secciones y partes instrumentales fueron grabadas una a la vez en un proceso discontinuo. Los samples y loops fueron claves cuando las máquinas aún no podían desempeñar esa función. Las actuaciones y jam sessions de la banda servían como mecanismos de samples y de loop. Eno ha comparado el proceso creativo a "mirar hacia el mundo y decir 'Que fantástico es el mundo en que vivimos. Celebrémoslo'".

A los pocos dias de grabación, el ingeniero Rhett Davies se fue tras una discusión con el productor acerca de la rapidez de las grabaciones. Stephen Stanley, quien desde los 17 años había sido ingeniero para artistas como Bob Marley, intervino para cubrir el trabajo. Fue acreditado por Frantz por ayudar a crear el sencillo «Once in a Lifetime». El álbum fue creado usando un estudio digital con unidad de efectos de resonancia Lexicon 244 obtenida por el ingeniero y mezclador Dave Jerden; la máquina fue una de las primeras de su tipo y era capaz de simular ambientes como cámaras y habitaciones a través de programas intercambiables. Al igual que Davies, Jerden no estaba contento con el ritmo acelerado en el cual Eno quería grabar composiciones sónicamente complicadas, pero no se quejó. Los primeras temas se enfocaban completamente en los ritmos, los cuales eran todos ejecutados de forma minimalista usando solo un acorde. Cada sección era grabada como un largo loop para permitir la creación de composiciones a través del posicionamiento o la mezcla de loops en diferentes formas.

Las pistas hicieron que Byrne replanteara su modo de cantar. Intentó cantar sobre los temas instrumentales, pero el resultado fue muy "artificial". Pocas voces fueron grabadas en Bahamas. El proceso de escritura de las letras ocurrió cuando la banda volvió a los Estados Unidos y los miembros se dispersaron entre Nueva York y California. Harrison reservó para la banda los estudios Sigma Sound, quienes se enfocaban fundamentalmente en música R&B, tras convencer a los dueños que trabajar con la banda les podía traer un nuevo tipo de clientela. En Nueva York, Byrne luchaba contra el bloqueo del escritor.10 Harrison y Eno pasaron el tiempo perfeccionando las composiciones grabadas en Bahamas, mientras Frantz y Weymouth no siempre se aparecían por el estudio. Empezaron a surgir dudas acerca de cuando el álbum estaría listo. Las grabaciones solo tomaron forma después de la contratación de Adrian Belew a pedido de Byrne, Harrison y Eno. Él fue instruido a añadir solos a los temás grabados en Compass Point usando su distintivo estilo de tocar instrumentos a través de una Guitarra sintetizador Roland. 

Byrne grabó todos los temas en un cassete después de que Belew tocara, y miró hacia África para buscar ideas. Él se dio cuenta de que cuando los músicos africanos olvidan palabras, a menudo improvisan y crean nuevas. El letrista usó una grabadora portátil e intentó crear rimas onomatopéyicas al estilo de Eno, quien creía que las letras nunca fueron el centro del sentido de una canción. Byrne escuchó continuamente el scatting grabado hasta convencerse de que no estaba "escuchando tonterías".20 Después de que Byrne quedó satisfecho, Harrison invitó a Nona Hendryx a Sigma Sound a grabar voces de acompañamiento para el álbum. Ella fue extensamente asesorada en su expresión vocal por Byrne, Frantz y Weymouth, y con frecuencia cantó a trio con Byrne y Eno.21 Las grabaciones de voz fueron seguidas por el proceso de overdubbing. El Trompetista Jon Hassel, quien trabajó en partes de My Life in the Bush of Ghosts, fue contratado para tocar partes de trompeta y trompa. En agosto de 1980, una mitad del álbum fue mezclada por Eno y el ingeniero John Potoker en Nueva York con la ayuda de Harrison, mientras la otra mitad fue mezclada por Byrne y Jerden en Eldorado Studios en Los Ángeles.

Arte de tapa

La portada fue creada por Weymouth y Frantz con la ayuda del profesor del Instituto Tecnológico de Massachusetts Walter Bender y su equipo del MIT Media Lab. Usando Melody Attack como inspiración, la pareja creó un collage de aviones de guerra rojos volando en formación sobre los Himalayas. Los aviones eran una representación de los Grumman Avenger en honor al padre de Weymouth, quien era un almirante de la Armada de los Estados Unidos. La idea para la contraportada incluía retratos sencillos de los miembros de la banda. Weymouth asistía regularmente durante el verano de 1980 y trabajaba con el asistente de Bender, Scott Fisher, en las interpretaciones de los computadores de las ideas. El proceso fue tortuoso debido a que la potencia de las computadoras era limitado y la computadora central de por sí ya ocupaba varias habitaciones. Weymouth y Fisher compartían una pasión por las máscaras y usaron el concepto para experimentar con los retratos. Las caras fueron borradas con bloques de color rojo. Weymouth consideró sobreponer la cara de Eno encima de los cuatro retratos para insinuar su egotismo—el productor quería estar en la portada junto los Talking Heads—pero al final decidieron no hacerlo.

El resto de las ilustraciones y el libreto del álbum fue producido por el diseñador gráfico Tibor Kalman y su compañía M&Co. Kalman era un ferviente crítico del formalismo y el diseño profesional en arte y publicidad. Él ofreció sus servicios gratis para crear publicidad, y discutió el uso de materiales no convencionales como el papel de lija y velur para la carátula del LP. Weymouth se mostraba escéptico con la idea de contratar una firma diseñadora, vetó las ideas de Kalman y se afirmó en las imágenes computarizadas del MIT. El proceso de diseño hizo que los miembros de la banda se dieran cuenta que el título Melody Attack era "muy frívolo" para la música grabada, por lo que escogieron Remain in Light en su lugar. Byrne ha dicho "Aparte de no ser tan melódica, la música tenía algo que decir que para la época sonaba nuevo, trascendente e incluso revolucionario, al menos para canciones Funk Rock." La imagen de los aviones de guerra fue relegada a la parte posterior de la carátula y los retratos adulterados se convirtieron en la portada del álbum. Kalman sugeriría que los aviones no fueran removidos porque se veían apropiados durante la época de la Crisis de los rehenes en Irán entre 1979 y 1981.

La versión final de Remain in Light lucía una de las primeras carátulas diseñadas por computador en la historia de la música. Michael A. Brog ha llamado a su portada una "cautivadora imagen, la cual sugiere tanto la separación y la obliteración de la identidad" y que introduce al oyente a la temática recurrente del álbum de "alteraciones de la identidad". Él plantea que "la imagen tiene un sombrío contraste con el título con las imágenes de los miembros de la banda incapaces de 'mantenerse iluminados'".

Lanzamiento

Remain in Light fue lanzado el 8 de octubre de 1980 en todo el mundo. Los Talking Heads y Eno originalmente habían acordado acreditar todas las canciones en orden alfabético a "David Byrne, Brian Eno, Chris Frantz, Jerry Harrison y Tina Weymouth" después de fallar al inventar una fórmula matemática para la ruptura, pero el álbum fue editado con los créditos "David Byrne, Brian Eno, Talking Heads". Frantz, Harrison, y Weymouth discutieron con Byrne y Eno acerca del intento de apropiarse de los créditos, especialmente para un proceso que había sido sostenido gracias al apoyo de cada uno de sus integrantes. Según Weymouth, Byrne le dijo a Kalman que adulterara los créditos por consejo de Eno. Ediciones posteriores han rectificado el error. El álbum tuvo su estreno mundial el 10 de octubre de 1980 al ser transmitido en su integridad por WDFM. Fue certificado disco de oro por la CRIA en febrero de 1981 y por la RIAA en septiembre de 1981 al certificarse 500 000 envíos en Estados Unidos. Más de un millón de copias se han vendido alderedor del mundo.

Canciones: letra y composiciòn

Según el sicoanalista Michael A. Brog, Remain in Light contiene 8 canciones que poseen un "ambiente asombroso de asociación libre" en donde no hay ninguna idea coherente duradera que pueda ser seguida en las letras del monólogo interior. David Gans instruyó a Byrne a que fuera más libre con el contenido de sus letras aconsejándole que "el pensamiento racional tiene sus límites".

El líder incluyó una bibliografía con el comunicado de prensa del álbum junto a una declaración que explicaba como el álbum había sido inspirado por mitologías y ritmos africanos. El comunicado enfatizaba que la mayor inspiración a las letras fue African Rhythm and African Sensibility del profesor John Miller Chernoff, en la cual examinaba el mejoramiento musical de la vida en las comunidades rurales del continente.
Como todos los demás temas, el abridor del álbum «Born Under Punches (The Heat Goes On)» pide prestado "sermoneo, griterío y despotricamiento".6 Byrne reescribió el titulo de la canción «Don't Worry About the Government» del álbum debut de los Talking Heads en la línea "Look at the hands of a government man". La expresión "And the Heat Goes On", usada en el título y repetida en el coro, está basada en un titular del New York Post que Eno leyó en el verano de 1980. La "diatriba rítmica" en «Crosseyed and Painless»—"Facts are simple and facts are straight. Facts are lazy and facts are late."—está influenciada por el Old school rap, específicamente por la canción «The Breaks» de Kurtis Blow, la cual Frantz le había dado a Byrne. «Once in a Lifetime» toma gran parte de las diatribas de los predicadores.

Algunos críticos han sugerido que la canción es "Una clase de golpe profético en los excesos de los 80". Byrne no estuvo de acuerdo con la categorización y comentó que las letras estaban hechas para ser interpretadas literalmente; él indicó, "Estamos en gran parte inconscentes. Tú sabes, operamos medio despiertos o en piloto automático y terminamos, con una casa, familia, trabajo y todo lo demás, y no nos hemos realmente detenido a preguntarnos '¿Como llegué hasta acá?'".

Byrne ha descrito la mezcla final del álbum como una obra de arte "espiritual", "alegre y extática y aun así es seria"; él además ha señalado que al final había "menos africanismo en Remain in Light de lo que suponíamos... pero las ideas africanas eran mucho más importantes de comunicar que los ritmos específicos". Según Eno, el álbum sólo mezcla funk con punk o new wave.6 Ninguna de las composiciones incluyen cambios de acordes y en cambio dependen del uso de diferentes armónicos y notas. Riffs y pistas en capas de bajos y percusión son muy usados a lo largo del álbum.

El primer lado del vinilo contiene las canciones más rítmicas—«Born Under Punches (The Heat Goes On)», «Crosseyed and Painless», y «The Great Curve»—las cuales incluyen largos interludios instrumentales. Este último tema contiene largos solos de guitarra de Adrian Belew. La segunda cara de Remain in Light contiene canciones más introspectivas. «Once in a Lifetime» rinde homenaje a las primeras técnicas del rap y a la música de The Velvet Underground. El tema se llamaba originalmente "Weird Guitar Riff Song" debido a su composición. La canción fue concebida como un riff sencillo antes de que la banda añadiera un segundo y más rápido riff encima del primero. 

Eno alternó 8 compases de cada riff con los correspondientes compases de su contraparte. «Houses in Motion» incorpora interpretaciones largas de instrumentos de metal de John Hassel, mientras «Listening Wind» incorpora elementos de la música árabe. El último tema del álbum, «The Overload», fue un intento de emular el sonido de la banda británica de post-punk Joy Division. La canción fue hecha a pesar de que ningún integrante de la banda había escuchado la música de Joy Division; fue basada en una idea de cómo el cuarteto británico podría sonar basado en las descripciones de la prensa músical. La canción contiene rítmos "tribal-cum-industrial" creados principalmente por Harrison y Byrne.

Recepciòn crìtica

El álbum ha obtenido extendidos elogios de los medios de comunicación desde su lanzamiento. Ken Tucker de Rolling Stone explicó que era un intento valiente y fascinante encontrar un terreno común en los divergentes y a veces hostiles géneros de comienzos de los ochenta; él concluyo "Remain in Light tiene tenebrosa, divertida música con la cual tu puedes bailar y pensar, pensar y bailar, bailar y pensar, ad infinitum". Robert Chrstgau, de The Village Voice, describió el álbum como uno "En el que David Byrne derrota su miedo de la música en una síntesis visionaria de Afrofunk—clarividente, indiferente, casi místicamente optimista". 

Michael Kulp de The Daily Collegian comentó que el álbum merece la etiqueta de "clásico" al igual que los anteriores tres discos de la banda, mientras John Rockwell, quien escribía en The New York Times indicó que el disco cofirmaba la posición de los Talking Heads como "la banda de rock más emprendedora de Estados Unidos". Sandy Robertson de Sounds elogió la naturaleza innovativa del álbum, mientras Billboard escribió "casi todos los LP que los Talking Heads han editado en los últimos cuatro años ha terminado en prácticamente en todas las listas de 'lo mejor de'. Remain in Light no debería ser la excepción".

William Ruhlmann de Allmusic apuntó que la transición musical de los Talking Heads, evidenciada en Fear of Music llega a su plenitud en Remain in Light; él añadió que "Talking Heads fueron conectándose con una audiencia lista para seguir su evolución musical, y el álbum fue muy ingenioso e influyente". En la Spin Alternative Record Guide del año 1995, Eric Weisbard alabó el esfuerzo de producción de Eno en controlar cualquier apropiación excesiva de la música africana de parte de los Talking Heads. En el 2004, Barry Walsh de Slant catalogó los resultados como "simplemente mágicos" después de que la banda transformó música rock en una entidad más global en términos musicales y en el alcance de las letras.48 En el año 2008, Sean Fennessey de Vibe concluyó "Talking heads trajo polirritmos africanos a Nueva York e hicieron un viaje de retorno con elegante, foraneo post-punk a remolque".


Lista de canciones

Todas las canciones fueron escritas y compuestas por Talking Heads y Brian Eno:

Cara A
N.º         Título    Duración            
1.            «Born Under Punches (The Heat Goes On)»     5:49
2.            «Crosseyed and Painless»          4:48
3.            «The Great Curve»        6:28

Cara B
N.º         Título    Duración            
4.            «Once in a Lifetime»     4:23
5.            «Houses in Motion»      4:33
6.            «Seen and Not Seen»                  3:25
7.            «Listening Wind»            4:43
8.            «The Overload»              6:01

Tomas descartadas incluidas en el CD Expandido
N.º         Título    Duración            
9.            «Fela's Riff»       5:19
10.          «Unison»            4:50
11.          «Double Groove»           4:28
12.          «Right Start»     4:07

    -La reedición remasterizada fue producida por Andy Zax con la ayuda de los Talking Heads.  La parte DVD de la reedición europea contiene videos de la banda tocando "Crosseyed and Painless" y "Once in a Lifetime" en el programa musical alemán Rockpop en el 1980-.

Personal

      David Byrne – Voz, guitarras, bajo, teclados, percusión, arreglos vocales
    Jerry Harrison – guitarras, teclados, acompañamiento vocal
    Tina Weymouth – bajo, teclados, percusión, acompañamiento vocal
    Chris Frantz – batería, percusión, teclados, acompañamiento vocal

Músicos adicionales

    Brian Eno – bajo, teclados, percusión, acompañamiento vocal, arreglos vocales
    Nona Hendryx – acompañamiento vocal
    Adrian Belew – guitarra
    Robert Palmer – percusión
    Jose Rossy – percusión
    Jon Hassell – trompetas, horns          
 
Producción

    Brian Eno – productor; mezcla
    Dave Jerden – ingeniería de sonido; mezcla
    John Potoker – ingeniería adicional; mezcla
    Rhett Davies – ingeniería adicional
    Jack Nuber – ingeniería adicional
    Steven Stanley – ingeniería adicional
    Kendall Stubbs – ingeniería adicional
    David Byrne – mezcla
    Greg Calbi – masterización

Diseño

    Tina Weymouth – diseño de portada
    Chris Frantz – diseño de portada
    Walter Bender – asistente diseño de portada
    Scott Fisher – asistente diseño de portada
    Tibor Kalman – ilusraciones
    Carol Bokuniewicz – ilusraciones
    MIT Architecture Machine Group – renderizado por computadora

Ficha Tècnica:

Publicación:     8 de octubre de 1980
Grabación:       Julio–agosto de 1980 en Sigma Sound Studios, Nueva York
Géneros:          New Wave/post-punk, funk rock, worldbeat
Duración:         40:10
Discográfica:    Sire
Productor:       Brian Eno


Link - audio del àlbum: