jueves, 22 de agosto de 2013

MÚSICOS - VANGELIS (1943-)





EL HOMBRE DEL PIANO



Evángelos Odiseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis (nacido en Volos, el 29 de marzo de 1943) es un famoso tecladista y compositor griego de música electrónica y rock sinfónico.

Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982), y 1492: La conquista del paraíso (1992).

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica acontecida a mediados de los años 1970.

Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985), The Beauty and the Beast (1986).

Desarrolla una carrera paralela como pintor, habiendo realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia.

La posición acomodada de la familia Papathanassiou hizo que Vangelis, quien ya realizaba pequeños conciertos con sus propias composiciones a los seis años de edad, fuese uno de los primeros poseedores de un sintetizador en Grecia. Debuta en el mercado discográfico como teclista del grupo The Forminx, una de las muchas bandas juveniles que se forman a mediados de los sesenta para seguir la estela musical y estética de The Beatles. En 1967, Vangelis tiene la oportunidad de realizar la banda sonora de 5000 Psemmata, una película cómica griega.

Más tarde, Vangelis entra a formar parte de la banda de rock progresivo Aphrodite's Child junto a Demis Roussos (primo del artista) y Lucas Sideras. El trío consigue notables éxitos -sobre todo en Europa- con temas como Spring Summer Winter and Fall, Rain and Tears y Let Me Love, Let Me Live. Los Aphrodite's Child publican tres álbumes de estudio, siendo el más destacado 666 (The Apocalypse of John, 13/18), un doble vinilo conceptual sobre el Apocalipsis de San Juan que por un lado les vale el reconocimiento de la crítica como pioneros del rock sinfónico, y por otro, la censura en algunos países debido a los supuestos mensajes satánicos y/u obscenos que contendría dicha obra. En uno de los temas, la actriz Irene Papas grita repetidamente una frase ambigua en una mezcla de éxtasis alucinógeno y orgásmico, y el segundo vinilo concluye con la frase "do it", "hazlo", que fue suprimida en Estados Unidos. 666 es considerado como uno de los álbumes más influyentes de su época y todo un hito de la música conceptual, alabado, entre otros, por el pintor Salvador Dalí. El rumbo experimental impuesto en este último disco por Vangelis, espina dorsal de los Aphrodite's Child, trae como resultado la separación del grupo. A partir de este momento, el teclista iniciará una peregrinación por las principales capitales culturales europeas que le llevará a grabar varios álbumes en ciudades como París o Londres, llegando a construir en la segunda su propio estudio de grabación, al que bautiza como Nemo.

Es en esta época cuando Vangelis publica varios singles bajo pseudónimo, tal vez tanteando la reacción del público ante el sonido que podría adoptar para su carrera como solista, o quizá utilizando estas incursiones como una forma de dar salida a facetas poco conocidas de su creatividad en lo que a amplitud de géneros se refiere, sin comprometer con ello su imagen ante sus seguidores.

Antes de que la banda Aphrodite's Child se disolviera, Vangelis ya había publicado un primer álbum como solista titulado Sex Power, banda sonora de la película del mismo título, dirigida por Henry Chapier, para quien también compondría la música de Amore. A este primer trabajo le suceden dos álbumes correspondientes a sesiones de improvisación, que —aunque son piezas interesantes— son publicados sin el permiso del artista, que afirma no considerarlos representativos de su estilo. Hypothesis , el primero de ellos, es un experimento de jazz electroacústico, y The Dragon, el segundo, se trata de una pieza de rock progresivo con un mayor grado de intencionalidad. En el álbum Earth, de nuevo una pieza progresiva, Vangelis propone una fusión de música rock con folclore mediterráneo, un camino por el que no transitaría en sus siguientes creaciones.

Durante mediados de los 70, Vangelis está especialmente ocupado en la composición de varias bandas sonoras para películas independientes (la mexicana ¿No oyes ladrar a los perros?, rebautizada como Ignacio, o Crime and Passion), así como algunas obras relativamente poco conocidas, sobre todo Fais Que Ton Rêve Sois Plus Long Que La Nuit, un poema sinfónico en dos movimientos sobre las revueltas de mayo de 1968 en París. Destaca en esta época su música para la serie documental L'Apocalypse Des Animaux, trabajo enmarcado en una larga lista de colaboraciones con el cineasta Frederic Rossif (George Mathieu ou la Fureur d'Etre, Pasteur le Siecle y De Nuremberg a Nuremberg, entre otras), que supone su primer éxito en listas de ventas como artista en solitario.

Entre los años 1975 y 1980, Vangelis afianza su particular sonido mediante una serie de álbumes que, en muchos casos, surgen como evolución lógica unos de otros. Heaven and Hell (1975) se trata de un álbum conceptual con múltiples piezas corales ensambladas en dos largas suites, ofreciendo un sonido cercano al de la música clásica en la primera cara del vinilo, que concluye con el tema vocal So Long Ago, So Clear, y composiciones más experimentales en la segunda; Albedo 0.39 (1976) constituye una de las obras más conocidas de la llamada música cósmica, fluyendo entre pasajes de rock progresivo y movimientos de vanguardia electrónica, y con un sonido más espontáneo y minimalista que el de Heaven and Hell. No en vano, Vangelis se verá a menudo ligado al mundo de la ciencia-ficción, no sólo por esta clase de sonido "espacial" que desarrolla en algunos álbumes, sino también por su participación en Blade Runner, en la serie Cosmos y en un proyecto de la NASA. El autor de 2001, Arthur C. Clarke le agradece, además, su inspiración para la novela 2010: Odisea dos.

A la misma época pertenecen otros álbumes como Beaubourg (1978), hermético, envolvente y extremadamente provocador en su aparente ausencia de melodías o esquemas rítmicos; el comercial Spiral (1977), que contiene el clásico To the Unknown Man junto a otras piezas electrónicas muy versionadas desde entonces, como Dervish D; China y Opera Sauvage (1979), ambos con abundancia de temas cortos y melódicos, fácilmente accesibles para el público general sin que por ello se renuncie a la búsqueda de profundidad artística. De ambos álbumes destacan, entre otros, los temas Himalaya y Rêve. En aquellas fechas, la película de Peter Weir El año que vivimos peligrosamente (The Year of Living Dangerously), adopta el tema L'Enfant, de Opera Sauvage, como sintonía principal.

En 1980 se edita el álbum See You Later, arriesgada reflexión sobre el convencionalismo de la vida cotidiana en la sociedad actual, abordada en algunos momentos con ademanes satíricos. Este álbum contiene una de las piezas emblemáticas del griego, Memories of Green, que aparecerá de nuevo en la película Blade Runner como parte integrante de su ambientación musical. El disco sin embargo había sido concebido en 1975, antes incluso de que se publicara Heaven and Hell.

La expansión y aceptación de la música de Vangelis a nivel comercial y crítico recibe un gran impulso gracias a la inclusión de varios temas de sus álbumes de los años setenta (Heaven and Hell, Ignacio...) en la exitosa serie televisiva Cosmos: Un viaje personal, un documental sobre el Universo y el origen de la vida en la Tierra creado por Carl Sagan, que ha sido emitido repetidas veces internacionalmente.

Los años ochenta comienzan exitosamente para Vangelis, consiguiendo la estatuilla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para Carros de fuego (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para En busca del arca perdida. El contenido del álbum en cuestión, tal y como sucederá con el resto de sus futuros trabajos para el cine, no guarda una relación estricta con las piezas utilizadas en la película, sino que éstas son reeditadas y reordenadas para crear una obra musical que funcione como disco de estudio, de cara a su escucha independiente. Es más, a menudo se tiene la sensación mientras se visiona la película Carros de fuego, dirigida por Hugh Hudson, de que en ella están efectivamente los temas del álbum, aunque parcialmente reinterpretados. También aparecen en la película temas del griego, como Hymne, compuesto para el seminal Opera Sauvage. En cualquier caso, debe aclararse que en las demás películas musicalizadas por Vangelis no cabe la menor duda de que los temas utilizados en el montaje se corresponden exactamente con las versiones del álbum, con independencia de que en éste haya temas inéditos o el orden de las piezas varíe.

Es interesante mencionar el método que utiliza el griego para musicalizar películas, ya que suele limitarse a improvisar en los teclados mientras visualiza los montajes provisionales que le facilitan los directores siguiendo una técnica de "creación directa". Varios cineastas han comentado su asombro ante la capacidad de Vangelis para crear piezas sobre la marcha que encajen perfectamente con sus escenas.

A partir del momento de recibir el Oscar, y tal vez temiendo la posibilidad de quedar encasillado como músico de cine, Vangelis decide no publicar comercialmente todos sus trabajos para el séptimo arte, decisión que de hecho sólo ha sido quebrantada en contadas ocasiones. Entre los ejemplos de sus bandas sonoras inéditas se encuentran las partituras para las películas Desaparecido (Missing), de Costa Gavras, y Motín a bordo (The Bounty), de Roger Donaldson, todas oficialmente inexistentes como álbumes. Del documental de Frederic Rossif Sauvage et Beau, tan sólo queda el tema del mismo título, que sería incluido en el recopilatorio Portraits.

Su siguiente obra para la gran pantalla se convertirá en uno de sus mayores logros, una banda sonora mítica para una película de culto, Blade Runner, de Ridley Scott, grabación que tan sólo se publicó en una edición revisada en 1994, si bien las ediciones piratas abundaron en este tiempo. Scott, en su faceta de director de anuncios para la televisión, ya ha trabajado con música del griego, y aunque se contrata a Jerry Goldsmith para suplir el retraso en el envío de la grabación requerida a Vangelis, finalmente ésta es acoplada al montaje de la película antes del estreno oficial. Fue precisamente la presión de las fechas la que impidió al músico acudir a recoger el Oscar por Carros de Fuego. La partitura de Blade Runner se caracteriza sobre todo por amalgamar música electrónica y étnica con sonidos del jazz y el blues, logrando ambientar a la perfección el homenaje al cine negro desde un enfoque distópico que la película propone. El tema Memories of Green fue reutilizado con posterioridad en otra película de Scott, La sombra del testigo (Someone to Watch Over Me), aunque versionado por otro artista.

El resto de los años ochenta están marcados por la alternancia de trabajos muy comerciales con otros más arriesgados, en los que Vangelis amplía sus registros musicales, obteniendo una respuesta irregular por parte de crítica y público. Ejemplos del primer tipo son Antarctica, banda sonora para una exitosa película japonesa, y Direct, grabado para su nueva compañía discográfica, y que presenta un sonido algo más aséptico y despersonalizado, destacándose los temas Elsewhere, Ave, e Intergallactic Radio Station. Al segundo tipo de álbumes corresponden Soil Festivities, con un carácter atmosférico y ambiental, e Invisible Connections, primer disco publicado por el sello alemán de música clásica Deutsche Grammophon de un compositor procedente de la esfera pop, y dominado por el carácter atonal e indescifrable de la música culta contemporánea. A medio camino entre ambas tendencias se encuentra Mask, ambicioso en su sonoridad y accesible, por otra parte, para el público no iniciado. Este álbum influiría decisivamente en algunas de sus grabaciones más conocidas de la siguiente década, especialmente en Mythodea.

Desde el punto de vista discográfico, los años ochenta concluyen para Vangelis con la partitura nunca editada de Francesco, película italiana sobre la vida de San Francisco de Asís protagonizada por Mickey Rourke; y con el álbum The City, obra que explora la combinación de ambientes urbanos con minimalismo electrónico. Este disco fue grabado en Roma, y de su carácter da testimonio la pieza Good to See You, en el que los primeros 23 segundos sólo consisten en ruidos de ciudad. En este trabajo participan con sus voces el director de cine Roman Polanski y su pareja, la actriz Emmanuelle Seigner, con quienes el griego trabajará a continuación en la película Lunas de hiel (Bitter Moon), banda sonora que tampoco vería la luz, oficialmente, en forma de álbum.

En 1992, y tras la tibia acogida de The City (primer trabajo en el sello Warner - East West) Vangelis obtiene el espaldarazo necesario para continuar en la cima durante la nueva década. Lo consigue con el gran éxito de su banda sonora para 1492: La conquista del paraíso (1492: Conquest of Paradise) (de nuevo junto a Ridley Scott). El tema central, Conquest of Paradise, es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams y Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este himno coral.

La celebridad de Conquest of Paradise alcanza con rapidez el mundo de la publicidad, como había ocurrido en innumerables ocasiones con la música de Vangelis, siendo adoptado este tema por el boxeador Henry Maske para sus propias campañas de imagen.

La colaboración con Ridley Scott en estos años no concluye con la película sobre Colón, sino que el director británico estrena con posterioridad Blade Runner: el montaje del director, en la que la eliminación de los monólogos de Harrison Ford da mayor notoriedad a la banda sonora. La trascendencia de este reestreno anima a Vangelis a publicar finalmente el álbum con su música original, aprovechando la ocasión para añadir algunos temas descartados en 1982, así como piezas totalmente nuevas que contienen fragmentos de diálogos entre los personajes. En la portada de Blade Runner no se especifica que se trate de la música original de la película, y esto es un ejercicio de objetividad por parte del griego, pues el álbum en su conjunto se puede entender más como una obra conceptual que como una banda sonora al uso. Ciertamente, y aunque los temas clásicos de la película son respetados escrupulosamente (no son retocados ni regrabados), los cortes del disco van ligados unos a otros, como ya venía siendo costumbre en las obras de Vangelis. En adelante, y aunque Vangelis y Scott no han vuelto a coincidir en un mismo proyecto, el director ha contado habitualmente con Hans Zimmer para sus bandas sonoras, un músico que, considerando su estilo compositivo, podría tener a Vangelis entre sus más importantes influencias creativas.

Los años noventa suponen para el artista un mayor acercamiento a los esquemas compositivos y la gravedad de la tradición clásica, sin insistir tanto en la creación de música experimental como lo hiciese en décadas anteriores. El disco Voices explora las diferentes posibilidades sonoras de la voz humana, desde el himno pseudo-comunista Voices hasta un tema pop junto a Paul Young. Las letras de los tres temas cantados fueron escritas por los propios vocalistas: Caroline Lavelle, Stina Nordenstam y el mencionado Paul Young. Oceanic, por otra parte, es un disco conceptual sobre los océanos, inspirado por las películas de nadadoras de los años 50. Es difícil calificarlo como un trabajo arriesgado, si bien es cierto que cosechó un aceptable éxito comercial y crítico entre los seguidores de la música New Age. Su siguiente álbum, basado casi íntegramente en una edición limitada de 3.000 ejemplares para coleccionistas que se había publicado en 1995, se trata de El Greco, probablemente uno de los más conseguidos de su discografía. El Greco es un tributo al genio del manierismo y a los sobrios ambientes religiosos y palaciegos de su época, capturando mediante diez movimientos el personal universo creativo del pintor cretense. Los movimientos III, V y VII, los relativamente más cálidos del disco, no corresponden a la partitura original del 95, sino que fueron añadidos en 1998.

Coincidiendo con la publicación del álbum Oceanic, aparece en Internet la que iba a convertirse en página web oficial del músico, www.vangelisworld.com, que sin embargo nunca llegó a quedar terminada.

En 2001, la NASA se pone en contacto con Vangelis para encargarle la composición de un tema que sirva de himno para la misión no tripulada a Marte 2001: Mars Odyssey. El encargo deriva en el álbum Mythodea, en parte basado en una obra anterior del artista no publicada oficialmente. Mythodea es presentado en directo en Atenas, y el evento supone la primera edición de una obra de Vangelis -poco pródigo en conciertos, por otra parte- en formato DVD. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa del mundo de la FIFA de Corea y Japón, compuesto e interpretado por el artista.

Circulan también rumores sobre la participación de Vangelis en la película Matrix Reloaded. No se sabe si Vangelis había creado temas originales para ella o si se pensaba utilizar temas clásicos de sus álbumes, aunque finalmente el músico aparece totalmente desligado del proyecto.

En 2005 sale al mercado la banda sonora original de Alejandro Magno (Alexander), de Oliver Stone, un trabajo muy ambicioso en el que el sonido de Vangelis se mezcla con el de una orquesta sinfónica completa. Una de sus pistas, Roxanne's Veil, había aparecido anteriormente en un álbum de Vanessa Mae, cuyo violín interpreta la melodía principal. Resultó enigmática la ausencia del músico griego en las ceremonias de inauguración y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas el año anterior, y al parecer esto se debió al trabajo que estaba realizando para la película de Stone. La posterior aparición de Alexander, The Final Cut revela que la partitura de Vangelis era mucho más extensa que la publicada en el álbum. Vangelis asegura sentirse atraído desde un principio hacia esta obra por la evidente herencia cultural que, como griego, le vincula al personaje principal de la misma.

A lo largo de 2007 aparecen en el mercado dos nuevos discos de Vangelis, el primero en homenaje a Blade Runner en el 25º aniversario de su estreno, y coincidiendo con el reestreno en cine y DVD de su versión definitiva (la quinta). El disco, llamado BR 25, expande el universo musical de la película con temas en los que colaboran Roman Polanski, Oliver Stone y Ridley Scott, entre otros personajes del mundo de la cultura y la política internacional. Forma parte de un estuche titulado Blade Runner Trilogy, y contiene también el álbum Blade Runner de 1994, junto a un tercer disco con temas de la película nunca publicados oficialmente. El segundo trabajo de 2007 es la banda sonora original de El Greco, coproducción hispano-griega sobre la vida y obra del pintor que le da título. Ha de tenerse en cuenta que la música contenida en este álbum nada tiene que ver con la de El Greco de 1998. Esta obra, editada (en principio) sólo en Grecia, supone la segunda colaboración de Vangelis con el director Yannis Smaragdis tras Cavafy, para la que también compuso su partitura.

En 2008, Vangelis aporta tres nuevas piezas musicales para los títulos iniciales y finales de Swiadectwo (o Testimony), un filme documental polaco sobre Juan Pablo II.

Son de destacar las muchas colaboraciones de Vangelis con otros artistas de renombre (además de los ya mencionados). Las más importantes son las que llevó a cabo junto a Jon Anderson, vocalista de la banda de rock Yes (que estuvo a punto de contratarlo como teclista, en sustitución de Rick Wakeman), integrando el dúo Jon and Vangelis. Esta formación es responsable de los álbumes Short Stories, The Friends of Mr. Cairo, Private Collection y Page of Life. Anderson también aparece como invitado en el tema So Long Ago, So Clear, incluido en Heaven and Hell, y en Opera Sauvage, en cuyo tema final interpreta el arpa. Dichas colaboraciones incluyen asimismo a Demis Roussos y al saxofonista de jazz británico Dick Morrissey, colaborador habitual tanto de Anderson como de Vangelis, y notablemente en el popular Blade Runner Love Theme.

Igualmente, Vangelis formó un dúo con la cantante y actriz Irene Papas, editando junto a ella los álbumes Odes y Rapsodies, ambos dedicados a recuperar para la modernidad las sonoridades del folclore tradicional helénico, si bien el primero se centra en las canciones populares de resistencia frente al empuje otomano de siglos pasados, y el segundo, en aspectos de la tradición cristiana griega.

Vangelis ha colaborado también con Montserrat Caballé, Vanessa Mae, Caroline Lavelle, Demis Roussos, Melina Mercouri, Suzanne Ciani, Claudio Baglioni, Mariangela, Stina Nordenstam, Michael Hoppé, Richard Anthony, Michel Huygen y Carlos Guirao (con quienes improvisa en directo para Televisión Española - programa Musical Express), Milva, y hasta con el actor Sean Connery (que en el single Ithaca recita el poema homónimo de Cavafis).


Discografía

Como Vangelis

Álbumes:

    1970 - "Sex Power" Bande Sonore Originale du Film de Henry Chapier (Philips - Francia)
    1971 - Hypothesis (Affinity 1978 - Reino Unido, publicado sin autorización)
    1971 - The Dragon (Charly 1978 - Reino Unido, publicado sin autorización)
    1972 - "Fais Que Ton Rêve Soit Plus Long Que La Nuit" Poéme Symphonique de Vangelis Papathanassiou (Reprise - Francia)
    1973 - L'Apocalypse des animaux Bande Originale du Film de Frédéric Rossif (Polydor - Francia) (banda sonora de la serie de televisión francesa)
    1973 - Earth (Vertigo - Francia)
    1975 - "Entends-tu Les Chiens Aboyer?" Bande Originale du Film de François Reichenbach (Vampir - Francia) (reeditado en 1977 como "Ignacio")
    1975 - Heaven and Hell (RCA - Reino Unido)
    1976 - La Fête Sauvage Banda Sonore Original del Film de Frédéric Rossif (EMI/Pathé-Marconi - Francia)
    1976 - Albedo 0.39 (RCA - Reino Unido)
    1977 - Spiral (RCA - Reino Unido)
    1978 - Beaubourg (RCA - Reino Unido)
    1978 - The Best of Vangelis (RCA - Reino Unido) (recopilatorio)
    1979 - China (Polydor - Reino Unido)
    1979 - Opera Sauvage Musique Originale de Vangelis Papathanassiou pour la Série Télevisée de Frédéric Rossif (Polydor - Francia)
    1980 - See You Later (Polydor - Reino Unido)
    1981 - "Chariots of Fire" Music From The Original Soundtrack by Vangelis (Polydor - Reino Unido)
    1983 - "Antarctica" Music From Koreyoshi Kurahara's Film (Polydor - Japón)
    1984 - Soil Festivities (Polydor - Reino Unido)
    1985 - Mask (Polydor - Reino Unido)
    1985 - Invisible Connections (Deutsche Grammophon/Polydor - Alemania)
    1988 - Direct (BMG/Arista - Reino Unido) (con dos temas adicionales en formato CD y cassette)
    1989 - Themes (Polydor - Reino Unido) (recopilatorio con cinco temas inéditos de bandas sonoras)
    1990 - The City (Warner - Reino Unido)
    1992 - "1492 - Conquest Of Paradise" Music From the Original Soundtrack (Warner - Reino Unido)
    1994 - "Blade Runner" (Warner - Reino Unido) (banda sonora de 1982 con varios temas adicionales)
    1995 - Voices (Warner - Reino Unido)
    1995 - A Tribute To El Greko (Warner - Reino Unido/Grecia) (estuche de lujo con libro y CD, edición limitada de 3000 copias)
    1996 - Portraits (So Long Ago, So Clear) (Polydor - Reino Unido) (recopilatorio con dos temas inéditos)
    1996 - Oceanic (Warner - Reino Unido)
    1998 - El Greco (Warner - Reino Unido) (reedición con tres temas adicionales de "A Tribute To El Greko")
    1999 - Reprise 1990-1999 (Warner - Reino Unido) (recopilatorio con dos temas inéditos)
    2001 - Mythodea - Music for the NASA Mission 2001: Mars Odyssey (Sony - Reino Unido)
    2003 - Odyssey - The Definitive Collection (Universal - Reino Unido) (recopilatorio con dos temas inéditos)
    2004 - "Alexander" Original Motion Picture Soundtrack (Sony&BMG - Reino Unido)
    2007 - "Blade Runner Trilogy" 25Th Anniversary - Music Composed by Vangelis (Universal - Reino Unido)
    2007 - "El Greco" Original Motion Picture Soundtrack (Universal - Grecia)
    2012 - "Chariots Of Fire" The Play - Music From The Stage Show (Decca - Reino Unido)
    2012 - The Collection (Rhino/Warner - Reino Unido) (recopilatorio con dos temas inéditos)
 
Singles y Maxi-singles con temas inéditos:

    1968 - The Clock / Our Love Sleeps on the Waters (Zodiac - Grecia; "Vangelis Papathanassiou and his group")
    1971 - Astral Abuse / Who Killed? (BYG - Francia; single del grupo "Alpha-Beta")
    1974 - Who / Sad Face (WWA - Reino Unido; single del grupo "Odyssey")
    1978 - Red Square / When the Cat's Away (Logo - Reino Unido; single firmado por "Mama 'O")
    1980 - My Love / Domestic Logic One (Polydor - Reino Unido; single publicado como adelanto del álbum "See You Later")
    1981 - Don't Be Foolish / Doesn't Matter (Polydor - Reino Unido; single de Peter Marsh & Vangelis)
    1981 - In London (como Neuronium & Vangelis) (4U 1993 - Alemania; tema grabado originalmente en 1981 para el programa de TVE "Musical Express", publicado sin autorización de Vangelis)
    1984 - Silent Portraits (Spheric - Reino Unido; disco acompañando a un libro fotográfico de Gian Paolo Barbieri)
    2002 - Anthem 2002 FIFA World Cup (Sony - Japón)
    2003 - Ithaca (con recitado de Sean Connery, suplemento a un libro de la esposa de Connery)
    2008 - "Swiadectwo" Muzyka Filmowa (KO - Polonia) (4 temas del disco, compartido junto a Robert Janson)
 
Singles editados:

   - Heaven And Hell, Part 1 (Riff Things) / So Long Ago, So Clear (1976 RCA Victor ESP-554 Promo white label, hoja de prensa, funda de RCA)
   - Pulstar (Edit) / Alpha (Edit) (1977 RCA PB-5027 Normal+Promo white label)
   - To The Unknown Man (Edit) / To The Unknown Man (II) (1978 RCA Victor PB-5064 Normal+Promo white label)
   - Red Square / When the Cat's Away (1978 Logo L-37010 Normal+Promo con hoja de prensa; single firmado por "Mama 'O")
   - Not A Bit-All Of It / Multi-Track Suggestion (1981 Polydor 2002 051)
   - Chariots Of Fire / Eric's Theme (1981 Polydor 20 59 341)
    L’Enfant / Cromatique, Irlande (Maxi-Single, 1983 Polydor 815 602-1)
   - End Titles from "Blade Runner" / End Titles from "Blade Runner" (1992 Polydor VANGEL-7 Promo)
   - End Titles From "Blade Runner", Chariots Of Fire, L'enfant (CD-Single, 1992 Polydor VANGEL 3 Promo)
   - Chariots Of Fire / Chariots Of Fire (1992 Polydor 863 220-7 Promo white label)

Aphrodite's Child

Albums:

    1968 - End Of The World-Rain And Tears (Mercury - Francia)
    1969 - It's Five O'Clock (Mercury - Francia)
    1970 - Best Of Aphrodite's Child (Mercury - Alemania) (recopilatorio)
    1972 - 666 - The Apocalypse Of John, 13/18 (Vertigo - Reino Unido)
    1974 - 666 - The Apocalypse Of John, 13/18 (Vertigo - Grecia) (versión original sin editar de 1971, conocida como "Apocalypse")
 
Singles editados en España:

    Rain And Tears / Don't Try To Catch A River (1968 Mercury Records 132 501 MCF mono)
    End Of The World / You Always Stand In My Way (1968 Mercury Records 132 502 MCF mono)
    I Want To Live / Magic Mirror (1969 Mercury Records 132 505 MCF mono)
    Let Me Love, Let Me Live / Marie Jolie (1969 Mercury Records 132 506 MCF mono)
    It's Five O'Clock / Funky Mary (1970 Mercury Records 51 32 508 MCF mono)
    Spring Summer Winter And Fall / Air (1970 Mercury Records 60 33 003 MCF mono)
    Babylon / Break (1972 Vertigo 60 32 900 stereo)

 Irene Papas / Vangelis Papathanassiou

Albums:

    1979 - Odes (Polydor - Grecia)
    1986 - Rapsodies (Polydor - Grecia)
 
Jon And Vangelis

Albums:

    1980 - Short Stories (Polydor - Reino Unido)
    1981 - The Friends of Mr Cairo (Polydor - Reino Unido)
    1982 - The Friends of Mr Cairo (Polydor - Reino Unido) (segunda edición, incluye "I'll Find My Way Home")
    1983 - Private Collection (Polydor - Reino Unido)
    1984 - The Best of Jon and Vangelis (Polydor - Reino Unido) (recopilatorio)
    1991 - Page of Life (BMG/Arista - Reino Unido)
    1998 - Page of Life (OmTown - Estados Unidos) (segunda edición y no autorizada por Vangelis, incluye distinto contenido a la primera edición)

 Singles editados:

   - I Hear You Now (Edit) / Thunder (1980 Polydor 20 59 196)
   - The Friends Of Mr Cairo (Versión Single) / Back To School (1981 Polydor 20 59 354)
   - I'll Find My Way Home / Beside (1981 Polydor 2002 109, copias para los medios incluyen hoja de prensa)
   - Deborah / Song Is (1983 Polydor 813 837-7)
   - He Is Sailing / Polonaise (1983 Polydor 815 097-7)
   - State Of Independence (Edit) / The Friends Of Mr Cairo (Versión Single) (1984 Polydor 881 152-7)


miércoles, 21 de agosto de 2013

MÚSICOS - LIBERACE (1919-1987)






NARCISO Y EL PIANO





Liberace (Wladziu Valentino Liberace) fue el más excéntrico pianista de los años '60 y '70 por un amplio margen. El aspecto teatral en sus actuaciones a menudo disfrazaba su prodigioso talento. Fue un niño prodigio nacido en el seno de una familia musical. Su padre, Salvatore, tocaba el corno francés en la banda John Philip Sousa, así como en la Orquesta Sinfónica de Milwaukee. En lugar de seguir los pasos de su padre, se decidió por tocar el piano. 

Liberace tuvo un hermano gemelo que murió al nacer y nació con un saco amniótico, lo que en su familia, como en muchas sociedades, se tomaba como un signo de genialidad y un futuro excepcional.

Salvatore, el padre de Liberace, fue músico y tocaba la trompa en las bandas y salas de cine, aunque a veces también trabajó como obrero en una fábrica. Su padre alentó el amor por la música en la familia, mientras que su madre no era muy musical y consideraba que las lecciones de música y un tocadiscos eran un lujo que no podían pagar, provocando de ésta manera disputas familiares.

Liberace comenzó a tocar el piano a los cuatro años y mientras que su padre llevó a sus hijos a los conciertos acercándolos aún más a la música, también fue muy exigente con los niños en la práctica y el rendimiento. Liberace empezó a memorizar piezas difíciles a los siete años. Además, estudió la técnica del famoso pianista polaco, y más tarde amigo de la familia, Ignacy Paderewski y luego se reunió con él en el backstage del Teatro Pabst en Milwaukee.

Liberace estaba excepcionalmente dotado para este instrumento, obteniendo grandes elogios de Ignace Paderewski, el cual lo ayudó a conseguir una beca en el Colegio de música de  Wisconsin, a la edad de siete años, manteniendo dicha beca hasta los 17 años, el período más largo de tiempo en la historia de esta academia.
Cuando tenía 11 años, debutó como solista de conciertos, actuando con varias Orquestas sinfónicas de Estados Unidos.

La Gran Depresión (Alrededor de 1929) fue muy dura para la familia financieramente. Por aquel entonces el adolescente Liberace también sufrió de un problema del habla y sufrió de las burlas de los niños del barrio que se reían de su rechazo hacia los deportes y su afición por el piano y la cocina. Liberace prefirió centrarse en su piano y progresó bajo la instrucción del profesor de música Florence Kelly, quien guio su desarrollo musical durante diez años. Adquirió experiencia tocando música popular en los cines, la radio local, en clases de baile, en los clubes, y en bodas. Tocó jazz con un grupo de la escuela llamado “Mixers” en 1934, y luego con otros grupos más adelante. También actuó en cabarets y clubes de striptease, y aunque sus padres no estaban de acuerdo, fue su forma de ganarse la vida en tiempos difíciles.

Durante un tiempo, Liberace adoptó el nombre artístico de "Busterkeys Walter". También mostró interés por el dibujo, el diseño y la pintura, y se convirtió en un exigente seguidor de la moda. Para entonces, ya estaba mostrando la habilidad de convertir sus excentricidades para llamar la atención, y se volvió más popular en la escuela, aunque sobre todo como un objeto de burla.

En una competencia formal de música clásica en 1937, Liberace fue elogiado por su "estilo y talento para el espectáculo". Al final de un concierto de música académica en La Crosse, Wisconsin , en 1939, Liberace interpretó su primer bis solicitado, "Tres pequeños peces ", que tocó al estilo de varios compositores clásicos. El interprete de 20 años de edad, tocó con la Orquesta Sinfónica de Chicago el 15 de enero de 1940, en el Pabst Theatre en Milwaukee, Wisconsin, interpretando el Concierto de Piano Número 2 de Liszt bajo la dirección de Hans Lange, por la que recibió buenas críticas.
 
En lugar de seguir su carrera musical dando recitales clásicos y cursos universitarios, Liberace eligió ser un showman. En los bises de sus conciertos, comenzó a tocar canciones del momento como "Doats Mairzy". Para asegurarse de que tenía una gran aceptación como artista, tomó clases de dicción para enmascarar su acento polaco. 
Durante la Segunda Guerra Mundial, llevó a cabo en muchos conciertos en el extranjero. Cuando regresó a Estados Unidos, comenzó a actuar en clubes, tocando y cantando con orquestas de baile. Mientras estaba en el circuito del club, empieza a llamarse bajo el nombre único de Liberace. 
En 1940, se trasladó a Nueva York, donde se convirtió en un fijo en los circuitos del club. Sin embargo, su estancia en Nueva York no fue particularmente exitosa, ya que el Sindicato de Músicos le prohibió tocar los registros de ciertos contrapuntos. Sin desanimarse, Liberace se mudó a California. Mientras tocaba en un hotel local, fue descubierto por los ejecutivos de Decca Record que le ofrecieron un contrato. Decca intentó hacer de Liberace en un líder de big-band, pero no tuvo éxito. A finales de los 40, firmó con Columbia Records bajo la dirección del productor Mitch Miller. 

Entre 1942 y 1944, Liberace se alejó de interpretación clásica formal y reinventó su acto con un "pop con un poco de los clásicos", o como también lo llamó "la música clásica donde las partes aburridas quedaron fuera." En los años 40’s, se dirigió a la ciudad de Nueva York, y a mediados de esa década ya estaba actuando en clubes nocturnos en las principales ciudades de los Estados Unidos. Liberace pasó de ser pianista de música clásica a “Showman”, y de manera impredecible y caprichosa combinó música seria con piezas ligeras, por ejemplo, Chopin, con "Home on the Range".

Durante un tiempo, tocaba el piano junto a un tocadiscos en el escenario. El truco ayudó a llamar la atención. También añadió la interacción con las peticiones de la audiencia, hablando con los clientes, haciendo bromas, dando lecciones a los miembros del público y comenzó a prestar más atención a detalles tales como puesta en escena, la iluminación, y la presentación. En 1943, Liberace apareció en un par de Soundies (el precursor del 1940 a los vídeos musicales). En 1944, hizo sus primeras apariciones en Las Vegas, ciudad que más tarde se convirtió en su principal lugar para presentaciones. Liberace estaba tocando en los mejores clubes, finalmente aparece en el célebre “Persian Room” en 1945.

Liberace trabajo sin descanso para perfeccionar sus actuaciones. Agregó el candelabro sobre el piano como un accesorio de firma y adoptó "Liberace", como su nombre artístico, por lo que un punto importante en sus comunicados de prensa que fue declarado "Liber-Ah-chi".

En 1947, se promocionaba como "Liberace, el más sorprendente virtuoso del piano de hoy". Por este motivo, tenía que tener un piano para que coincida con su presencia cada vez mayor, así que compró un piano de cola BlüthnerGrand, de gran tamaño, forrado en hoja de oro, que fue promocionado como un "piano que no tiene precio". Liberace se trasladó a Hollywood, California. Actuaba en clubes locales, como: “Ciro” y “Mocambo”, para las estrellas de Hollywood como Rosalind Russell, Clark Gable, Gloria Swanson , y Shirley Temple. No siempre tocaba con las salas llenas, pero desde el principio aprendió a actuar con energía extra a las multitudes dispersas, con el fin de mantener su propio entusiasmo.
Liberace se convirtió en una estrella en los años '50, tanto a través de sus discos, apariciones en televisión y el cine. Su aspecto era cada vez más extravagante, como sus vestidos de diamantes de imitación, de lamé dorado, pieles, lentejuelas, así como su repertorio, tocando de todo, desde Gershwin, todo tipo de ritmos de jazz lounge y piezas clásicas ligeras, siempre con un candelabro colocado en su piano. 

Liberace creó publicidad muy exitosa que le ayudó a despegar hacia la fama. En 1950, se presentó ante el presidente Harry S. Truman un amante de la música, en la sala Este de la Casa Blanca. A pesar de tener éxito en el circuito de los clubes, donde él era a menudo un acto intermedio, su ambición era llegar a un público más amplio como una estrella del cine y la televisión. Fue así que Liberace comenzó a ampliar su acto y lo hizo más extravagante. Su acto a gran escala en Las Vegas se convirtió en su sello, ampliando su cantidad de fans de manera espectacular, y haciéndolo rico en poco tiempo.

En 1955, Liberace ganaba $50,000 por semana en el Riviera Hotel and Casino en Las Vegas y tenía más de 200 clubes oficiales de fans, con un cuarto de millón de miembros. Estaba ganando más de $ 1.000.000 por año a partir de las apariciones públicas, y en televisión. Las actuaciones de Liberace eran con frecuencia cubiertas por las revistas más importantes y se convirtió en una superestrella de la cultura pop, pero también se convirtió en el blanco de las bromas de los comediantes y el público. Los críticos musicales eran por lo general muy duros en su apreciación respecto a su forma de tocar el piano. Liberace, una vez declaró: "Yo no doy conciertos, me puse un espectáculo".

A diferencia de los conciertos de pianistas clásicos que normalmente terminan con aplausos y un retiro fuera del escenario, el show de Liberace terminaba con el público invitado en el escenario para tocar su ropa, su piano, sus joyas, y sus manos. Un crítico comentó, cerca del final de la vida de Liberace: "El Sr. Showmanship tiene otro poder de atracción más fuerte en su show: la manera cálida y maravillosa que trabaja su audiencia. Por sorprendente que parezca, detrás de todo el brillo de oropel, la falsa modestia y la sonrisa tímida, Liberace emana un amor que se vuelve a él mil veces". 

En contraste con su presencia extravagante en el escenario, Liberace era conservador en cuanto a la política y a la fe, dejando de lado a los disidentes y rebeldes. Creía fervientemente en el capitalismo, pero también estaba fascinado con la realeza, la ceremonia, y el lujo. A él le gustaba codearse con los "ricos y famosos", actuó como estrella y estuvo cerca de presidentes y de reyes que eran sus seguidores y le trataban bien. Sin embargo, para sus fans, seguía siendo uno de ellos, del Medio Oeste, que había ganado su éxito a través de trabajo duro.

En la siguiente fase de su vida, el pianista Liberace, después de haber ganado la riqueza súbita, vivió el materialismo en su vida y sus actuaciones. Diseñó y construyó su casa, (la primera casa de celebridad) en 1953, con un tema de piano que aparece en todas partes, incluyendo una enorme piscina en forma de éste instrumento. La casa de sus sueños, con lujosos muebles y antigüedades de todo tipo. Liberace aprovechó su fama y promocionaba bancos, compañías de seguros, compañías de automóviles, empresas de alimentos, incluso empresas de servicios exequiales.

Los patrocinadores amablemente le enviaban productos complementarios, entre ellos su blanco Cadillac limusina. El programa de televisión “El Show de Liberace”, comenzó el 1 de julio de 1952, pero no se constituyó en una serie regular. El productor Duke Goldstone, montó una versión cinematográfica del espectáculo local de Liberace en el año 1953, y lo vendió a decenas de emisoras locales. Sus dos primeros años en la televisión le aportaron ingresos de $7’000.000. Liberace recibió una estrella en el “Paseo de la Fama” (Hollywood), en 1960 por sus contribuciones a la industria de la televisión.
La fama de Liberace aumentó rápidamente en aquellos años, tenía su propio programa de televisión, titulado El show de Liberace. Esta fama alcanzó su punto máximo a mediados de dicha dècad. Participa también en el cine en la película de 1955 "Atentamente", una película sobre un concertista de piano sordo, hasta publica su propio libro de cocina. En 1956, Liberace celebra sus 25 años en el mundo del espectáculo con un concierto extravagante en el Hollywood Bowl. 
A pesar de que fue un momento apasionante para el pianista, 1956 fue también el año en que su estrella comenzó a apagarse un poco. Cassandra, una columnista del diario sensacionalista The Daily Mirror Inglés, infiere que Liberace era homosexual. Él lo demandó y ganó el juicio, pero aún así hizo un esfuerzo por bajar el tono de su aparición. Sin embargo, el público no quería un Liberace tenue, y volvió a su talento para el espectáculo kitsch de los años '60. 

A partir de ese momento de su trayectoria, sus grabaciones y ventas disminuyeron de manera constante. Sus álbumes incluyen hits de la época, tales como “Hello Dolly”, pero también se incluyen sus propias versiones de obras de Chopin y otros grandes clásicos. A lo largo de su vida, Liberace recibió 6 discos de oro. Su carrera discográfica, sin embargo, nunca alcanzó el nivel de popularidad de sus shows en vivo.

Durante la década de 1970, sus apariciones incluyen papeles como invitado en episodios de “Aquí está Lucy” y “Kojak”. El enorme éxito del programa de televisión de Liberace fue el impulso principal detrás de las ventas de sus discos. De 1947 a 1951, produjo cerca de 10 discos. En 1954, llegó a casi 70. Liberace lanzó varias grabaciones a través de Columbia Records, incluyendo “Liberace luz de las velas”. Más tarde a través de la publicidad televisiva directa vendió más de 400.000 álbumes a mediados de 1954. Su sencillo más popular fue "Ave María", vendiendo más de 300.000 copias.
La verdadera sexualidad de Liberace era un tema confuso aún más en la mente del público por su amistad y los vínculos románticos con la actriz Joanne Río (con quien, según él, casi se casó), la patinadora Sonja Henie, Mae West , y la famosa transexual Christine Jorgenson. Campañas de publicidad y artículos en revistas femeninas intentaron contrarrestar los rumores de homosexualidad del artista.

Liberace siguió dando conciertos por todo el mundo y vendió un gran número de discos, aunque nunca se ganó el favor de los críticos. Hasta su muerte en 1987 vìctima del HIV, Liberace seguió siendo una celebridad dentro del mundo de la música y un artista popular.


Discografìa seleccionada:

Albums de estudio

-What no my Love (1969)
-The Night Before Christmas (1981)
-As Time Goes By (1985)
-A Liberace Christmas (1995)

Albums recopilatorios

-Liberace's Greatest Hits (1979)
-The Best of Liberace (1983)
-16 Most Requested Songs (1989)
 

martes, 20 de agosto de 2013

BANDAS - LOS GATOS (1967-1970)








LA BALSA QUE ZARPÓ





Historia

Los Gatos fue una de las primeras bandas argentinas de rock. Formada en 1967 luego de la separación de Los Gatos Salvajes, se la considera grupo fundacional del rock argentino, junto con Almendra y Manal, y precursora del rock de autor en español. Fue también la primera en componer íntegramente su propio material. Su primer éxito, «La balsa», es considerado la canción fundadora del rock argentino.
 
Comenzaron a tocar en La Cueva, un pequeño y precario club de jazz nocturno underground ubicado en Pueyrredón 1723, donde se concentraban los escasos músicos y seguidores del rock local. En marzo de 1967 se formó entonces Los Gatos con Kay como guitarrista, Litto Nebbia en primeras voces y armónica, Ciro Fogliatta en teclados y órgano, Alfredo Toth en bajo y Oscar Moro en batería.

El grupo tuvo su epicentro en el triángulo formado por La Cueva, el Instituto Di Tella (Florida 900) y Plaza Francia.3 Algunos de esos grupos y músicos pre-balsa fueron: Los Gatos Salvajes (Litto Nebbia, Ciro Fogliatta), The Seasons (Carlos Mellino, Alejandro Medina), Los Beatniks (Javier Martínez, Pajarito Zaguri, Mauricio Birabent), Los In (Francis Smith), Miguel Abuelo, Tanguito, Pappo, los periodistas y poetas fundacionales del rock Pipo Lernoud y Miguel Grinberg.

Por las noches, cuando terminaban las funciones en La Cueva, los rockeros iban a amanecer a las plazas o a los bares que permanecían abiertos toda la noche.

    "Cuando salíamos de la Cueva, si era verano nos íbamos a una plaza, y si era invierno nos íbamos a un bar, y nos quedábamos hasta las 8 de la mañana", concluìa Litto. En esas guitarreadas Nebbia cantaba sus canciones y Moris, Javier y Tango cantaban las suyas. Esa época fue bastante parecida a la del tango.

Entre esos bares estaba la pizzería La Perla (del Once), frente a Plaza Miserere, en la esquina de la avenida Rivadavia y Jujuy. El lugar era un punto de encuentro habitual porque estaba a la vuelta de la pensión Santa Rosa en la que vivían Kay, Ciro, Litto Nebbia y otros músicos. Allí Litto Nebbia y Tanguito compusieron La Balsa en el otoño de 1967.

En junio de 1967 Los Gatos grabaron dos temas de rock en español para el sello RCA (Vik): Ayer Nomás (tema compuesto por Mauricio Birabent) y La Balsa. El 3 de julio ambos temas fueron lanzados como simple. El tema se convirtió en un éxito masivo e impensado entre la juventud, vendiendo 250.000 placas y volviéndose el tema del verano 1967/1968. El éxito desmintió la opinión, por entonces casi unánime, de que el rock debía cantarse en inglés y que el español carecía de la sonoridad adecuada y sería rechazado por el público.

Pocos meses después Los Gatos lanzaban su primer álbum, con la mayoría de los temas de rock en español compuestos por Litto Nebbia. El primer álbum de Los Gatos estaba integrado por 11 temas, todos de Litto Nebbia, excepto uno de ellos en coautoría, La Balsa (con Tanguito) y otro que pertenecía a Moris, Ayer Nomás. Encabezado por La Balsa, el disco incluía los otros dos temas que se volvieron éxito: Ayer Nomás y El Rey Lloró.

El éxito de ventas, pronto abrió las puertas de la televisión y Los Gatos con Litto Nebbia a la cabeza, se volvieron "rock stars". Poco después La Balsa se constituía en el tema del verano 1967/1968.

Los miembros se separaron en 1968 luego de grabar sus tres primeros LP, y viajaron a EE.UU. Allí compraron equipamiento e instrumentos y volvieron a juntarse a fines de 1969 con Pappo en lugar de Kay Galifi, que se había casado y radicado en Brasil.

Con esta formación graban dos discos más: Beat Nº1 en 1968, donde se nota la influencia de Pappo con temas mas rockeros que en sus predecesores, y Rock de la Mujer Perdida, aún más rockero. Despué de este disco Pappo se retira de la banda por diferencias de criterio musical (la banda se estaba volviendo muy "soul" para su gusto) y para armar sus proyectos personales.

Los Gatos emprenden entonces la grabación de un sexto disco que iba a contener un lado con nuevos temas y otro con grabaciones en vivo, en una formación de cuarteto con Toth en guitarra lider y Litto Nebbia en bajo, canto y armónica. Ante la separación del grupo este disco quedo "cajoneado" hasta 1987, año en que se editó con el arte de tapa original.

Fogliata y Pappo viajaron a España llevándose a David Lebón como cantante y guitarrista e hicieron algunas presentaciones "no oficiales" como Los Gatos pero sin éxito. Fogliatta se quedó en España y formó parte de la banda de Moris que se encontraba viviendo allá y con quien grabó algunos discos.

Muchas veces se habló de una reunión de esta banda fundacional del rock de autor en español, pero las versiones siempre fueron descartadas por Nebbia y compañía. En 2001 se produjo una "reunión testimonial" de Los Gatos para el disco West End Blues que Ciro estaba grabando en los estudios Melopea de Nebbia, cuando el resto de los integrantes (excepto Galiffi y Pappo) fueron a visitarlo y decidieron grabar juntos el blues Outside of That.

En 2007 Los Gatos se reunieron para realizar una gira latinoamericana conmemorando los 40 años de su fundación, pero luego de algunas actuaciones sin la convocatoria esperada, el proyecto se archivó, editándose solo un disco en vivo de su primera presentación celebrada en Rosario el 23 de junio de dicho año y dos DVD, uno de dicha presentación y otro con el show completo que presentaron en el Gran Rex.



Datos generales


Origen:     Rosario
Género:     Rock-beat
Actividad:  1967-1970
Miembros

Ciro Fogliatta (órgano)

Kay Galifi (guitarra)

Oscar Moro (batería)

Litto Nebbia (voz, armónica, bajo)

Pappo (guitarra)

Alfredo Toth (bajo, guitarra)



Integrantes


Primera formación (1967-1968)

    Bajo: Alfredo Toth

    Teclados: Ciro Fogliatta

    Guitarra: Kay Galifi

    Primera voz y armónica: Litto Nebbia

    Batería: Oscar Moro


Segunda formación (1969-1970)

    Bajo: Alfredo Toth

    Teclados: Ciro Fogliatta

    Guitarra: Pappo Napolitano

    Primera voz y armónica: Litto Nebbia

    Batería: Oscar Moro

Tercera formación (1971)

    Teclados: Ciro Fogliatta

    Guitarra: Alfredo Toth

    Bajo y Primera voz: Litto Nebbia

    Batería: Oscar Moro

Regreso (2007)

    Bajo: Alfredo Toth

    Teclados: Ciro Fogliatta

    Guitarra: Kay Galifi

    Primera voz y armónica: Litto Nebbia

    Invitados:

        Batería: Rodolfo García y Daniel Colombres


Discografía


Álbumes

    1967 - Los Gatos

    1968 - Volumen 2 (Viento dile a la lluvia)

    1968 - Seremos amigos

    1969 - Beat No 1

    1970 - Rock de la mujer perdida

    1987 - En vivo y en estudio (grabado en 1971)


Sencillos

    1967 - La balsa

    1967 - Ayer nomás

    1968 - Viento dile a la lluvia

    1970 - Me han dicho que te casas / Cantando por el mundo

Ediciones Especiales

    1972 - Inéditos

    1972 - Volumen II

    1987 - Inédito "En vivo y en Estudio"

    2007 - Reunión en vivo

Álbumes recopilatorios

    1967 - Lo Mejor de Los Gatos

    1971 - Los Gatos (con Lados B e inéditos)

    1977 - 10 años después (con sencillos, Lados B e inéditos)

    2004 - Inolvidables RCA: 20 Grandes Éxitos

    2004 - El inicio de una era

    2004 - 20 secretos de amor

    2006 - Obras cumbres

DVD

    2007 - Reunión 2007

    2007 - En Vivo en el Gran Rex

Ambos producidos por Miranda Nebbia


Filmografía

    1968 - Ayúdeme usted compadre